RESUMO: Este artigo analisa as representações do violão em São Paulo entre 1890 e 1932, com foco na imprensa e nos discursos que associavam o instrumento à marginalidade, à boemia e à desordem social. A partir de periódicos e fontes históricas, investiga-se como o violão foi alvo de repressão simbólica durante a modernização urbana, atuando como marcador de classe, raça e gênero. O texto aborda antecedentes da censura musical, o papel performativo das práticas sonoras em espaços públicos e as tensões envolvendo a presença feminina no campo violonístico. Examina-se, ainda, como essas práticas resistiram ao disciplinamento imposto por autoridades e elites urbanas. Ao articular som, espaço e controle, propõe-se uma escuta crítica das dinâmicas de exclusão e resistência que moldaram a presença do violão na cidade.

ABSTRACT: This article analyzes representations of the guitar in São Paulo between 1890 and 1932, focusing on the press and discourses that associated the instrument with marginality, bohemianism, and social disorder. Drawing on newspapers and historical sources, it investigates how the guitar became a target of symbolic repression during urban modernization, functioning as a marker of class, race, and gender. The text addresses the historical background of musical censorship, the performative role of sound practices in public spaces, and tensions surrounding the presence of women in the guitar scene. It also examines how these practices resisted the disciplining imposed by authorities and urban elites. By articulating sound, space, and control, the article proposes a critical listening to the dynamics of exclusion and resistance that shaped the guitar’s presence in the city.

ABSTRACT This article examines how Aniceto Ortega's opera Guatemotzín (1871) constructs contrasting subjectivities through musical resources that transcend simple exoticism. Through analysis of tonal choices, melodic contours, and rhythmic structures, we explore how Ortega creates distinctive musical personalities for Cuauhtémoc and Cortés that represent broader cultural conflicts. Instead of employing stereotypical "indigenous" musical markers, Ortega uses Western musical language to create a complex psychological profile for Cuauhtémoc, while reserving pre-Hispanic musical references for the Tlaxcalteca sections. This approach establishes Guatemotzín as a foundational work of Mexican musical nationalism, where purely musical elements narrate colonial power dynamics and cultural resistance, making sound itself a territory for identity affirmation and historical reflection.

RESUMEN: Este artículo examina cómo la ópera Guatemotzín (1871) de Aniceto Ortega construye subjetividades contrastantes mediante recursos musicales que trascienden el simple exotismo. A través del análisis de elecciones tonales, contornos melódicos y estructuras rítmicas, exploramos cómo Ortega crea personalidades musicales distintivas para Cuauhtémoc y Cortés que representan conflictos culturales más amplios. En lugar de emplear marcadores musicales estereotípicamente "indígenas", Ortega utiliza el lenguaje musical occidental para crear un perfil psicológico complejo para Cuauhtémoc, reservando las referencias musicales prehispánicas para las secciones tlaxcaltecas. Este enfoque establece a Guatemotzín como obra fundacional del nacionalismo musical mexicano, donde elementos puramente musicales narran dinámicas de poder colonial y resistencia cultural.

RESUMO: No âmbito do projeto de pesquisa “AVEMUS: a música em estilo concertante no antigo Real Mosteiro de São-Bento da Avé-Maria do Porto”, do CESEM-UNL, este artigo apresenta os resultados quanti-qualitativos do estudo dos modelos pré-composicionais presentes no escopo específico do repertório selecionado pelo referido projeto, baseados no conceito de modelo pré-composicional e sua metodologia de análise musicológica contextual desenvolvida por mim ao longo do tempo (cf. Sotuyo Blanco 2003; 2004; 2007).

ABSTRACT: Within the boundaries of the research project “AVEMUS: music in concertante style in the former Royal Monastery of São-Bento da Avé-Maria at Oporto”, by CESEM-UNL, this article presents the quantitative and qualitative results of the study of pre-compositional models present in the specific scope of the repertoire selected by the aforementioned project, based on the concept of pre-compositional model and its methodology of contextual musicological analysis developed by me over time (cf. Sotuyo Blanco 2003; 2004; 2007).

RESUMO: Este artigo debruça-se na análise de teses e dissertações sobre coros infantis realizadas entre 2015 e 2024, com o objetivo de examinar se a infância como marcador social da diferença e as vozes das crianças são abordadas nessas pesquisas. A análise abrange os programas de pós-graduação e linhas de pesquisa, a incidência das publicações ao longo dos anos, as temáticas e o perfil profissional dos autores. Os resultados revelaram a invisibilidade das vozes infantis, priorizando temas relacionados às concepções pedagógicas e à formação técnica dos regentes. Como resultados, destaca-se a necessidade de que mais estudos sobre coros infantis tematizem a infância e contemplem as perspectivas das crianças, reconhecendo-as como informantes centrais na construção de novos olhares sobre a prática coral. Ao adotar essa abordagem, as pesquisas podem promover uma prática musical mais ética, inclusiva e sensível, que respeite e valorize as experiências e contribuições das crianças no ambiente coral.

ABSTRACT: This article focuses on the analysis of theses and dissertations on children's choirs produced between 2015 and 2024, aiming to examine whether childhood as a social marker of difference and children's voices are addressed in these studies. The analysis encompasses graduate programs and research lines, the frequency of publications over the years, themes explored, and the professional profiles of the authors. The findings revealed the invisibility of children's voices, with a predominant emphasis on pedagogical conceptions and the technical training of choir conductors. The results highlight the need for more studies on children's choirs to address childhood as a central theme and incorporate children's perspectives, recognizing them as key informants in shaping new understandings of choral practice. By adopting this approach, research can foster a more ethical, inclusive, and sensitive musical practice that respects and values children's experiences and contributions within the choral environment.

RESUMO: Este artigo propõe uma análise das linhas de baixo no gênero da milonga e em ritmos similares, característicos da região sul do Brasil, aplicando-os ao contrabaixo. Considera-se não apenas o aspecto prático para a obtenção de uma sonoridade apropriada, mas também o aspecto conceitual por trás desses gêneros, que dialogam com os conceitos de clave e rítmica aditiva. Foi feita uma análise sobre as claves usadas nesses gêneros, que são exatamente as mesmas encontradas em outros estilos, sugerindo uma possível origem africana comum. Este é um trabalho informado pela prática, onde um dos autores participou como músico convidado em performances com o grupo Quarteto Coração de Potro, grupo especializado no repertório sulino, sediado em Lages-SC. Foi realizada uma entrevista com o músico João Gabriel Rosa, que também compartilhou suas percepções e práticas. Neste artigo estão incluídas transcrições e análises de trechos de obras desse repertório para corroborar as conclusões levantadas.

ABSTRACT: This article proposes an analysis of bass lines in the milonga genre and similar rhythms, characteristic of the southern region of Brazil, applying them to the contrabass. Not only the practical aspect for obtaining an appropriate sound is considered, but also the conceptual aspect behind these genres, which dialogue with the concepts of clave and additive rhythm. A rhythmic analysis was made of the claffs of those genres, which are exactly the same as those found in other styles, suggesting a possible common African origin. This is a work informed by practice, where one of the authors participated as a guest musician in performances with the group Quarteto Coração de Potro, a group specialized in southern repertoire, based in Lages-SC. An interview was carried out with musician João Gabriel Rosa, who also shared his perceptions . This article includes transcriptions and analyzes of excerpts from works from this repertoire to corroborate the conclusions raised.

RESUMO: O presente artigo, recorte de uma tese de doutorado sobre/de Educação Musical escolar, tem por objetivo analisar criticamente os contrapontos entre abordagens pedagógico-musicais - Triangular, a C(L)A(S)P e o Orff-Schulwerk - e as proposições de um trecho dissertativo da BNCC e do Currículo Paulista para o ensino de Arte no Ensino Fundamental, denominado "Dimensões do Conhecimento" (criação e expressão; estesia e fruição; crítica e reflexão). Nesse sentido, realizamos uma revisão bibliográfica das principais publicações sobre as abordagens arte-educativas mencionadas, a fim de discutir qualitativamente os condicionamentos de currículos oficiais que negligenciam lutas e embates historicamente debatidos por agentes especializados. Concluímos, assim, que propostas arte-educativas amplamente difundidas, como as abordadas em nossa revisão, oferecem concepções que atribuem à Educação Musical escolar características identitárias, (re)significadas e negociadas coletivamente, perpassando a normativa estadual que propõe um ensino ambíguo, sem abranger discussões específicas das linguagens artísticas, e que tende a ser meramente voltado a uma educação estética e individualizada.

ABSTRACT: This article, a segment of a doctoral thesis on Music Education, aims to analyze the counterpoints between pedagogical-musical approaches - Triangular, C(L)A(S)P, and Orff-Schulwerk - and the propositions of a section of São Paulo's Arts Common Core Curriculum for Elementary Education, titled "Dimensions of Knowledge" (creation and expression; aesthetics and fruition; criticism and reflection). It was conducted a literature review of the main publications on the aforementioned arts-education approaches in order to qualitatively discuss the constraints of an official curriculum that neglects struggles and debates historically discussed by specialists. We conclude that widely disseminated arts-education proposals, such as those covered in our review, offer conceptions that attribute identity, (re)signified and collectively negotiated characteristics to school Music Education, going beyond the state normative that proposes an ambiguous education, which does not encompass the specific discussions of artistic languages and tends to be merely focused on an individualistic aesthetic education.

RESUMO: Este artigo se concentra na descrição de aspectos da prática musical de Mozart Secundino de Oliveira, tomando-a como referência para examinar a inserção do violão de acompanhamento no contexto dos conjuntos regionais. Mozart teve profícua atuação na cidade de Belo Horizonte, obtendo reconhecimento e notoriedade nos últimos anos de sua vida, entre 2004 e 2015. Esteve envolvido com o choro em suas diversas dimensões durante aproximadamente 70 anos, tocando com instrumentistas fundadores desse estilo, cantores célebres, e também ao lado de jovens músicos inexperientes. Algumas dessas dimensões serão tratadas aqui como categorias analíticas, como as rodas de choro, os baixos de obrigação, as baixarias, e a própria origem e consolidação dos regionais.

ABSTRACT: This article describes aspects of the musical practice of Mozart Secundino de Oliveira, taking it as a reference to examine the insertion of the comping guitar in the context of regional ensembles. Mozart had a fruitful performance in Belo Horizonte, obtaining recognition and notoriety in the last years of his life, between 2004 and 2015. He was involved with Choro in its various dimensions for approximately 70 years, playing with instrumentists who founded this style and also with young inexperienced musicians. Some of this dimensions will be treated here as analytical categories, as in the case of the Roda de Choro, the bass lines know as obligation, the improvised bass lines, and the regional group itself.

RESUMO: Este artigo tem por objetivo discutir a atualidade dos estudos (auto)biográficos na pesquisa em música, exemplificada com a produção brasileira recente do século XXI e das últimas décadas do século XX. Utiliza como referenciais teóricos autores como Dosse, Lejeune, Levi, Bourdieu, Ginzburg, entre outros, e inclui a produção recente sobre escrita biográfica de Castro e Lira Neto. Voltado para pesquisadores em música, que são tanto leitores como produtores de textos (auto)biográficos, o artigo discute exemplos do mercado editorial, teses, dissertações e autopublicações ou pequenas tiragens. Aborda a relação entre biógrafos e biografados, analisa três características das (auto)biografias e suas implicações éticas e técnicas: tratar de uma pessoa real, utilizar fontes documentais e testemunhais e ser escrita em forma narrativa. Exemplifica tipos de biografias, discute as particularidades da autobiografia e seu uso na pesquisa-formação. Nas considerações finais, afirma a atualidade da temática e sua importância na pesquisa em música.

ABSTRACT: This article aims to discuss the contemporary relevance of (auto)biographical studies in music research, exemplified by recent Brazilian production of the 21st century and the last decades of the 20th century. It draws on theoretical frameworks from authors such as Dosse, Lejeune, Levi, Bourdieu, Ginzburg, among others, and includes recent contributions on biographical writing by Castro and Lira Neto. Targeted at music researchers, who are both readers and producers of (auto)biographical texts, the article examines examples from the publishing market, theses, dissertations, and self-publications or limited editions. It explores the relationship between biographers and their subjects and analyzes three characteristics of (auto)biographies along with their ethical and technical implications: portraying a real person, using documentary and testimonial sources, and being written in narrative form. It illustrates different types of biographies, discusses the specificities of autobiography, and its use in formative research. In the final considerations, the article affirms the relevance of this topic and its importance in music research.

RESUMO: Este artigo discute as perspectivas da pesquisa (auto)biográfica em Educação Musical, destacando seu papel na investigação das memórias, percursos de formação musical e profissional, relações e significações pessoais com a música. Inicialmente, é apresentado um panorama das pesquisas (auto)biográficas a partir de publicações em periódicos da área de Música e das Ciências Humanas. Em seguida, são discutidos alguns estudos desenvolvidos pelo grupo de pesquisa "Música Cultura e Educação" (da Universidade Federal da Paraíba), com foco em suas temáticas e metodologias. Examina-se, ainda, a perspectiva da pesquisa (auto)biográfica em estudos de formação pessoal e profissional, assim como o uso de entrevistas narrativas em investigações mais específicas. Por fim, as contribuições e limites das pesquisas (auto)biográficas são analisados criticamente, de modo a propor reflexões que, embora focadas na Educação Musical, podem ser relevantes para outros campos de estudos musicais.

ABSTRACT: This paper discusses the perspectives of (auto)biographical research in Music Education, highlighting its role in the investigation of memories, musical and professional formation paths, personal relations and significance with music. Initially, an overview of (auto)biographical research is presented from publications in academic journals in the field of Music and Human Sciences. Then, some studies developed by the "Music, Culture, and Education" Research Group (of Federal University of Paraíba) are discussed, focusing on their themes and methodologies. The perspective of (auto)biographical research in studies of personal and professional development is also examined, as well as the use of narrative interviews in more specific investigations. Finally, the contributions and limitations of (auto)biographical research are critically analyzed, proposing reflections that, although centered on Music Education, may be relevant to other areas of musical studies.

ABSTRACT: The environment surrounding students is key to their academic success, becoming a determining factor for their musical progress. The purpose of this study was to analyze the perceived motivational climate (ego climate and task climate) of students in higher music education, taking into account sociodemographic variables (gender, family ties to music, country and school). The results show that the perception of ego climate does not show significant differences in any of the variables studied. On the other hand, the task climate shows differences in favor of men and important differences in terms of country and type of study center, with students studying in Portugal showing the most favorable perception. The importance of generating educational contexts that favor a positive homework climate, oriented towards achievement and the empowerment of students' skills is highlighted.

RESUMO: El ambiente que rodea al alumnado es clave para el éxito académico, llegando a ser determinante para su progreso musical. El propósito de este estudio residió en analizar el clima motivacional percibido (clima de ego y clima de tarea) del alumnado de enseñanzas superiores de música, atendiendo a variables sociodemográficas (sexo, vínculos familiares con la música, país y centro de estudios). Los resultados muestran que la percepción del clima de ego no presenta diferencias significativas en ninguna de las variables estudiadas. Por el contrario, el clima de tarea presenta diferencias a favor de los hombres e importantes diferencias en cuanto al país y al tipo de centro de estudios, siendo el alumnado que realiza sus estudios en Portugal el que muestra una percepción más favorable. Se resalta la importancia de generar contextos educativos que favorezcan un clima de tarea positivo, orientados al logro y a potenciar las habilidades del alumnado.

RESUMO: O artigo investiga a intersecção entre memória, música e historiografia, utilizando como estudo de caso o Coral Mater Verbi e os escritos autobiográficos do Padre compositor José Maria Wisniewski (1913-1995). O objetivo central é analisar como a prática musical e os documentos pessoais de Wisniewski contribuem para a preservação e transmissão da memória coletiva e individual, tomando como recorte temporal a transição do Movimento Ceciliano para o Concílio Vaticano II. A pesquisa, cujos resultados parciais são apresentados neste artigo, baseia-se na análise de crônicas e diários elaborados por Wisniewski, explorando o papel desses textos na manutenção da identidade do coral e na construção de uma memória social. A discussão aborda a função desses registros como agentes de continuidade e ressignificação, considerando o problema do esquecimento. Os resultados sugerem novas formas de integrar estudos autobiográficos em música e estudos de memória, através da criação de narrativas.

ABSTRACT: The article investigates the intersection of memory, music, and historiography, using the Mater Verbi’s choir and the autobiographical writings of the composer Father José Maria Wisniewski (1913-1995) as a case study. The primary objective is to analyze how Wisniewski's musical practice and personal documents contribute to the preservation and transmission of both collective and individual memory, with a focus on the transition from the Cecilian Movement to the Second Vatican Council. The research, in which partial results are presented, is based on the analysis of chronicles and diaries written by Wisniewski, exploring the role of these texts in maintaining the identity of the choir and constructing a social memory. The discussion examines the function of these records as agents of continuity and reinterpretation, considering the challenge of forgetting. The results suggest new ways to integrate autobiographical studies in music with memory studies through the creation of narratives.

RESUMO: Este artigo explora a interseção entre o jazz e a migração na Espanha através das experiências de vida de quatro cantoras de jazz andaluzas. Foi utilizado um enfoque biográfico para investigar os significados que essas cantoras atribuem à migração com base em suas trajetórias profissionais. O estudo revela o duplo papel da migração como um passo necessário para o desenvolvimento artístico e como um reflexo de dinâmicas culturais mais amplas. Através das narrativas de vida, discutem-se os desafios enfrentados por essas cantoras, destacando o potencial transformador dessas experiências. A pesquisa também envolve debates teóricos sobre a biografia como método, refletindo sobre as particularidades dessa forma de escrita no campo dos estudos musicais.

ABSTRACT: This article explores the intersection of jazz and migration in Spain through the life experiences of four Andalusian jazz singers. A biographical approach was employed to investigate the meanings these singers attribute to migration based on their professional trajectories. The study reveals the dual role of migration as both a necessary step for artistic development and a reflection of broader cultural dynamics. Through life narratives, the challenges faced by these singers are discussed, while highlighting the transformative potential of these experiences. The research also engages with theoretical debates on biography as a method, reflecting on the particularities of this form of writing within the field of music studies.

RESUMO: Este artigo se propõe analisar duas cenas do filme Aftersun (2022), dirigido por Charlotte Wells, para explorar a relação entre memória autobiográfica e mídia, especialmente no que diz respeito ao uso da canção popular e do sound design na trilha sonora do filme. Se, por um lado, o uso de canções consagradas contribui para o acionamento da memória cultural dos espectadores, por outro lado, o uso de efeitos sonoros sobre os fonogramas originais sugere um estranhamento e um distanciamento que ilustram a relação da protagonista com as memórias retratadas e metaforizam o funcionamento do fluxo da memória em si. Para tanto, utilizaremos alguns autores que tratam da memória coletiva (Halbwachs 1990) do relato autobiográfico (Sarlo 2007; Starobinski 1971) e da canção popular como artefato de memória (Frith 2001).

ABSTRACT: This article aims to analyze two scenes from the film Aftersun (2022), directed by Charlotte Wells, to explore the relationship between autobiographic memory and media, especially regarding the use of pop songs and sound design in the film's soundtrack. If, on the one hand, the use of famous songs contributes to triggering the cultural memory of spectators, on the other hand, the use of sound effects on the original phonograms suggests an estrangement and a detachment that illustrate the protagonist's relationship with the portrayed memories and metaphorize the functioning of the memory flow itself. In order to that, we will use authors who deal with the concepts of collective memory (Halbwaches 1990), autobiographical report (Sarlo 2007; Starobinski 1971) and pop songs as memory objects (Frith 2001).

RESUMO: O presente artigo sustenta a hipótese de a música de piano para a mão esquerda demonstrar características acusmáticas, partindo do conceito de ‘Acusmaticidade’ de Brian Kane (Kane 2014), que estabelece os princípios para a caracterização de diferentes situações acusmáticas por oposição ao estado “estático” de escuta de um som cuja fonte não está visível (Kane 2014). A ilusão da ação de múltiplas mãos - no repertório para a mão esquerda - cria uma fratura no vínculo expectável entre o visual e o auditivo que proporciona uma atitude de escuta particular, normalmente associada à escuta acusmática. Como estudo de caso, será analisada a obra Resignação, melodia para a mão esquerda, op. 39, de José Vianna da Motta. A comparação com o arranjo para piano (duas mãos) e flauta, realizado pelo próprio compositor - Resignação op. 40 -, evidencia o cumprimento das prerrogativas para que se identifique uma situação acusmática em Resignação op. 39.

ABSTRACT: This article proposes the hypothesis that left-hand piano music evidences acousmatic characteristics, drawing on Brian Kane's concept of 'Acousmaticity' (Kane 2014), which outlines principles for characterising various acousmatic scenarios, contrasting with the "static" state of listening to a sound whose source is unseen (Kane 2014). The illusion of multiple hands at work in left-hand repertoire disrupts the expected link between visual and auditory perception, fostering a specific listening stance often associated with acousmatic perception. As a case study, the work Resignação, melody for the left hand, Op. 39, by José Vianna da Motta, is analysed. A comparison with the composer’s own arrangement for piano (two hands) and flute, Resignação, Op. 40, highlights the fulfilment of the conditions necessary to identify an acousmatic situation in Resignação, Op. 39.

RESUMO: O atuar do performer vocal está condicionado aos atributos de respiração, fonação e aparelhos ressoadores, que devem funcionar de forma homogênea e equilibrada, visando a uma interpretação livre de tensões desnecessárias. Esse aparato técnico deve sustentar a emissão chamada de sul fiato - sobre o ar - e, na música brasileira de concerto, temos os problemas adicionais da dicção e fonação provenientes da língua falada e cantada no Brasil. Objetivando sanar eventuais dificuldades relacionadas a essa performance vocal da música brasileira, desenvolvo aqui um estudo teórico que mostra como o estudante de canto lírico e mesmo o profissional da voz podem se valer de técnicas corporais dinâmicas e flexíveis para prover sua interpretação de elementos cênicos que conjuguem, ao mesmo tempo, liberdade e certo grau de improvisação. Os resultados foram que ao integrar corpo, voz e argumentos cênicos o performer poderá aliar música de concerto nacional com uma linguagem corporal específica.

ABSTRACT: The vocal performer´s acting is conditioned to elements such as breathing, phonation and resonator devices, that must work through homogeneous and balanced way, aiming a performance free of unnecessary tensions. This technical apparat should support the vocal emission called sul fiato - through the air - and, in Brazilian´s Classical Music, there are other problems such as diction and phonation that emerges from spoken and sung language in Brazil. Aiming to solve occasional difficulties reported to that vocal performance of Brazilian Music, I´ve developed here a theoretical study that shows how the Opera Singer student and even the professional could improve their performance using dynamic and flexible body techniques, utilizing freedom and a certain mode of improvisation. The results were that when the performer integrate voice, body and scenic arguments, he can ally Brazilian classical music with a body specific language.