Abstract Based on the novels Temporada de huracanaes (2017), by Mexican writer Fernanda Melchor and Enterre seus mortos (2018), by Ana Paula Maia, this article intended to reflect on the incidence and the connotations assumed by the performative reflexive realism — denominated by Ravetti (2019) as “Bolaño paradigm” — in the Latin American contemporary novels of female authorship. In the narratives of Melchor and Maia, the hyperbolic violence and the overlapping/serialization of brutalities point to a melancholy of the future of anti-epic dimensions, features that are repeatedly present in the Latin American contemporary novels. Oriented to the cited tendency, the novels of both the Mexican and the Brazilian writer reveal critical perspectives that are built from themes and approaches distanced not only from “A room of one’s own” (Woolf, 2014) and from the easiness of a codified realism, but also from didactic pretensions. Reflecting upon the authorship choices that are responsible for such deslocations, as well as about the possibility that the referred strategies can add another shade to the recent novelistic manifestations are among the matters approached in this text.

Resumen A partir de las novelas Temporada de huracanes (2017), de la escritora mexicana Fernanda Melchor, y Enterre seus mortos (2018), de Ana Paula Maia, este artículo pretende reflexionar sobre la incidencia y las connotaciones que el realismo reflexivo performativo — nombrado por Ravetti (2019) como el “paradigma Bolaño” — asume en la novela contemporánea latinoamericana de autoría femenina. En las narrativas de Melchor y Maia, la violencia hiperbólica y la superposición/serialización de brutalidades conducen a una melancolía del futuro con dimensiones antiépicas, rasgos repetidamente presentes en la novela latinoamericana contemporánea. Dirigidas a la tendencia mencionada, las novelas de las escritoras mexicana y brasileña revelan perspectivas críticas que se construyen sobre temas y enfoques alejados tanto de “una habitación propia” (Woolf, 2014) como de las facilidades de un realismo codificado y con pretensiones didácticas. Reflexionar sobre las elecciones autorales responsables por estos desplazamientos, así como sobre la posibilidad de que las mencionadas estrategias agreguen un matiz más a las manifestaciones novelísticas recientes, son algunos de los temas abordados en este texto.

Resumo Com base nos romances Temporada de huracanes (2017), da escritora mexicana Fernanda Melchor, e Enterre seus mortos (2018), de Ana Paula Maia, este artigo pretende refletir sobre a incidência e as conotações assumidas pelo realismo performático reflexivo — denominado por Ravetti (2019) como “paradigma Bolaño” —, nos romances latino-americanos contemporâneos de autoria feminina. Nas narrativas de Melchor (2017) e Maia (2018), a violência hiperbólica e a sobreposição/seriação de brutalidades direcionam para uma melancolia de futuro de dimensões antiépicas, traços reiteradamente presentes nos romances latino-americanos contemporâneos. Voltados à tendência apontada, os romances das autoras mexicana e brasileira revelam perspectivas críticas que são erigidas de temas e de abordagens distanciados tanto do “teto todo seu” (Woolf, 2014) quanto das facilidades de um realismo codificado e de pretensões didáticas. Refletir sobre as escolhas autorais responsáveis por esses deslocamentos, bem como sobre a possibilidade de as referidas estratégias acrescerem mais uma nuança às manifestações romanescas recentes, está entre as questões abordadas neste texto.

Abstract By creating a literature rooted in the experiences of Afro-Brazilians living in São Paulo's peripheral communities, writer Allan da Rosa articulates an imaginative space for marginalized black residents as a way to escape poverty and racism. This article frames the author's analysis of Allan da Rosa's literary works Zagaia (2007) and Da Cabula (2008) through the lens of Robin D. G. Kelley's concept (2003) of the Black radical imagination to examine how liminal spaces found in São Paulo's urban periphery become the impetus for social change. Imagination as a social practice plays a key role in the black public sphere, as Afro-descendent communities look to other historically imagined times for inspiration to conceive a future rooted in freedom. Based on these two literary works, this article analyzes the role of the imagination in the black public sphere from which Allan da Rosa's discourses emerge in terms of how his protagonists inhabit liminal spaces that continually fluctuate between the reality of urban life and the metaphysical. The purpose of this article, therefore, was to demonstrate through Zagaia and Da Cabula that the author belongs to this tradition of engaging in the Black radical imagination as a political strategy that not only resists racial and social inequity but seeks out solutions to empower afro-descendent communities through creative strategies of cultural affirmation and social mobilization.

Resumen Al crear una literatura arraigada en las experiencias de los afrobrasileños que viven en las comunidades periféricas de São Paulo, el escritor Allan da Rosa articula un espacio imaginativo para los residentes negros marginados como una forma de escapar de la pobreza y del racismo. Este artículo enmarca los análisis del autor sobre las obras literarias Zagaia (2007) y Da Cabula (2008), de Allan da Rosa, por el eje teórico desarrollado por Robin D. G. Kelley (2003) de Black Radical Imagination para examinar cómo los espacios liminales que se encuentran en la periferia urbana de São Paulo se convierten en el ímpetu del cambio social. La imaginación como práctica social cumple un papel fundamental en la esfera pública negra, ya que las comunidades afrodescendientes miran hacia otros tiempos históricamente imaginados en busca de inspiración para concebir un futuro arraigado en la libertad. A partir de estas dos obras literarias, este artículo analiza el imaginario en la esfera pública negra del que emergen los discursos de Allan da Rosa en términos de cómo sus protagonistas habitan espacios liminales que oscilan continuamente entre la realidad de la vida urbana y la metafísica. El propósito de este artículo, por lo tanto, es demostrar a través de Zagaia y Da Cabula que el autor pertenece a esta tradición de comprometerse a la imaginación radical negra como una estrategia política que no solo resiste la desigualdad racial y social, sino que busca soluciones para empoderar a las comunidades afrodescendientes a través de estrategias creativas de afirmación cultural y movilización social.

Resumo Ao criar uma literatura enraizada nas experiências dos afro-brasileiros que vivem nas comunidades periféricas de São Paulo, o escritor Allan da Rosa articula um espaço imaginativo para moradores negros marginalizados como forma de escapar da pobreza e do racismo. Neste artigo, enquadro minha análise das obras literárias Zagaia (2007) e Da Cabula (2008), de Allan da Rosa, pelo eixo teórico desenvolvido por Robin D. G. Kelley (2003) da imaginação radical negra para examinar como os espaços liminares encontrados na periferia urbana de São Paulo se tornam o ímpeto para a mudança social. A imaginação como prática social desempenha papel fundamental na esfera pública negra, pois as comunidades afrodescendentes buscam em outros tempos historicamente imaginados inspiração para conceber um futuro enraizado na liberdade. Com base nessas duas obras literárias, este artigo analisa a imaginação na esfera pública negra da qual emergem os discursos de Allan da Rosa em termos de como seus protagonistas habitam espaços liminares que oscilam continuamente entre a realidade da vida urbana e a metafísica. O objetivo deste artigo, portanto, foi demonstrar por meio de Zagaia e Da Cabula que o autor pertence a essa tradição de se engajar na imaginação radical negra como estratégia política que não apenas resiste à desigualdade racial e social, mas busca soluções para empoderar afrodescendentes comunidades por intermédio de estratégias criativas de afirmação cultural e de mobilização social.

Abstract In this work, after a brief history of women in academies, of letters in Brazil and abroad, we discuss the late entry of female writers into these spaces of legitimation and consecration, especially since the second half of the 20th century. The discussion focuses on the centenary and prestigious Academia Mineira de Letras, at Minas Gerais, Brazil, an institution that safeguards the documents examined and highlighted used as archives in this article. The researched collection is that of the AML, in Belo Horizonte, in particular the speeches of inauguration and reception of writers who have chairs there (in this academy). Some important elements of the profiles of these writers are highlighted, as well as discursive aspects of the records of these historical characters, in particular the words of the writer Eduardo Frieiro in reception of the female writer Maria José de Queiroz, in 1973.

Resumen En este trabajo, además de una brevísima historia de las mujeres en las academias literarias, tanto en Brasil cuanto en otros países, vamos a discutir la entrada retrasada de las escritoras en estos espacios de legitimación y consagración, especialmente desde la segunda mitad del siglo XX. La discusión focaliza la centenaria y prestigiosa Academia Mineira de Letras — en Minas Gerais, Brasil —, institución responsable por la guardia de los documentos aquí examinados y destacados. El acervo investigado es el de la AML, en la ciudad de Belo Horizonte, especialmente los discursos escritos en las ceremonias de llegada de las escritoras mineiras que ahí tienen lugar. Se destacan también elementos importantes de los perfiles de esas mujeres, además de los aspectos discursivos de los registros de tales personajes históricas, especialmente las palabras del intelectual brasileño Eduardo Frieiro, responsable por la recepción de la escritora Maria José de Queiroz en la AML, en el año de 1973.

Resumo Neste trabalho, após uma breve história das mulheres nas academias de letras no Brasil e fora dele, passamos a discutir a entrada tardia das escritoras nesses espaços de legitimação e consagração, de maneira especial desde a segunda metade do século XX. A discussão focaliza a centenária e prestigiosa Academia Mineira de Letras (AML), instituição que salvaguarda os documentos examinados e aqui apresentados. O acervo pesquisado é o da AML, em Belo Horizonte (MG), principalmente os discursos de posse e de recepção das escritoras mineiras que ali têm cadeiras. São destacados alguns elementos importantes do perfil dessas escritoras, assim como aspectos discursivos dos registros dessas personagens históricas, sobretudo as palavras do intelectual Eduardo Frieiro na posse de Maria José de Queiroz, em 1973.

Abstract The novel Tupinilândia, by Samir Machado de Machado, published in 2018, uses mass culture to talk about itself, and how it sustains the collective memory as well as the aspirations of a society in a capitalist context. This article showed how Machado, by building a parodic narrative, as defined by Hutcheon (1988), with elements of mass culture, without falling back into adherence and uncritical homage or rejection, manages to establish a game that allows a reflection on the country’s history, of contemporary issues such as capitalism and memory, points raised in depth in a parodic novel of entertainment literature. For that, historical characters and events mentioned by the author were selected, as well as cultural references to that period of History, in order to understand the factual repertoire on which Tupinilândia is based. Passages that echo classic adventure stories and mobilize the general knowledge of this type of narrative were also highlighted. It was observed that Tupinilândia both reflects trends in contemporary Brazilian literature pointed out by Schollhammer (2009), in how much it creates a particular space with his sophisticated reflection both about the current Brazilian reality, questioning the role of dystopia as mere sarcasm in the face of of the absurdities that surround us, and about the way in which our society deals with memory and nostalgia, a selective fantasy in which relevant elements are disregarded, and those that are harmful are always at risk to return.

Resumen La novela Tupinilândia, de Samir Machado de Machado, publicada en 2018, utiliza la cultura de masas para hablar de sí misma y de cómo sustenta la memoria colectiva y también las aspiraciones de una sociedad en un contexto capitalista. Este artículo muestra cómo Machado, al construir una narrativa paródica, tal como la define Hutcheon (1988), con elementos de la cultura de masas, sin caer en la adhesión y el homenaje o el rechazo acríticos, logra establecer un juego que permite reflexionar sobre la historia del país, de temas contemporáneos como el capitalismo y la memoria, puntos planteados en profundidad en una novela paródica de la literatura de entretenimiento. Para eso, fueron apuntados personajes y eventos históricos mencionados por el autor, así como referencias a ese período de la Historia, con el fin de comprender el repertorio factual en el que se basa Tupinilândia. También destacamos pasajes que hacen eco de las historias de aventuras clásicas y movilizan el conocimiento general de este tipo de narrativa. Se observa que Tupinilândia refleja tendencias de la literatura brasileña contemporánea señaladas por Schollhammer (2009), en la medida en que crea un espacio particular, con su sofisticada reflexión tanto sobre la realidad brasileña actual, cuestionando el papel de la distopía como mero sarcasmo en la cara de los absurdos que nos rodean, y de la forma en que nuestra sociedad trata la memoria y la nostalgia: una fantasía selectiva en la que se descartan elementos que en realidad son relevantes, y los que son nocivos siempre corren el riesgo de volver.

Resumo O romance Tupinilândia, de Samir Machado de Machado, publicado em 2018, utiliza a cultura de massa para falar dela mesma e de como ela alicerça a memória coletiva e também as aspirações de uma sociedade em um contexto capitalista. O presente artigo mostra como Machado, ao construir uma narrativa paródica, como definido por Hutcheon (1988), com elementos da cultura de massa, sem recair em adesão nem em homenagem acrítica ou rechaço, consegue estabelecer um jogo que permite uma reflexão acerca da história do país, de questões contemporâneas como capitalismo e memória, pontos levantados com profundidade em um romance paródico da literatura de entretenimento. Para tanto, foram selecionados personagens e momentos históricos utilizados pelo autor, bem como referências a elementos de época, a fim de compreender o repertório factual no qual Tupinilândia se sustenta. Ainda, foram analisadas passagens que ecoam histórias clássicas de aventura e mobilizam o conhecimento geral desse tipo de narrativa. Observa-se que Tupinilândia tanto reflete tendências na literatura brasileira contemporânea apontadas por Schollhammer (2009) quanto cria um espaço particular, com sua reflexão sofisticada tanto acerca da realidade brasileira atual, questionando o papel da distopia como mero sarcasmo diante dos absurdos que nos cercam, quanto da maneira como a nossa sociedade lida com memória e nostalgia: uma fantasia seletiva na qual elementos relevantes são eliminados com descaso, e aqueles que são danosos estão sempre sujeitos a retornarem.

Abstract This work brings the review of the book O mundo desdobrável: ensaios para depois do fim, by the Brazilian writer Carola Saavedra. It attempts to show how Saavedra’s essays unfold the question “What can literature do?”. We also comment what we call the “theoretical incoherence” of the book, indicating, in the end, the possibilities Saavedra glimpses for the literature in the coming years.

Resumen Este texto es una reseña del libro O mundo desdobrável: ensaios para depois do fim, de la escritora brasileña Carola Saavedra. Se intentó mostrar cómo los ensayos contenidos en la obra despliegan la pregunta “¿Qué puede hacer la literatura?”. Hacemos también algunos apuntes sobre lo que llamamos “inconsistencia teórica” de la obra, indicando, al final, las posibilidades que vislumbra Saavedra para la literatura de los próximos años.

Resumo Neste texto, resenhamos o livro O mundo desdobrável: ensaios para depois do fim, da escritora brasileira Carola Saavedra. Procuramos mostrar como os ensaios contidos na obra desdobram a questão “o que pode a literatura?”. Fazemos ainda alguns apontamentos sobre o que chamamos incoerência teórica da obra, indicando, ao final, as possibilidades que Saavedra vislumbra para a literatura dos próximos anos.

Abstract Grace Passô is the author of Vaga Carne, released in 2018 by Editora Javali. The book is a landmark, due to the topics covered and the structure of the text, in the growing scenario of contemporary Brazilian literature of dramaturgical publications. In this solo, Passô raises questions about class, race, and gender. The author writes dramaturgy illuminated by black-Brazilian experiences. Images like a voice invading a body are the main reference in this book.

Resumen Grace Passô es autora de Vaga Carne, publicado en 2018 por la Editora Javali. El libro marca un hito, por los temas tratados y la estructura del texto, en el creciente escenario de la literatura brasileña contemporánea de publicaciones de dramaturgia. En este solo, Passô plantea preguntas sobre clase, raza y género. La autora escribe dramaturgia iluminada por experiencias negro-brasileñas. Imágenes como una voz invadiendo un cuerpo son la principal referencia de este libro.

Resumo Grace Passô é autora de Vaga Carne, lançado em 2018 pela Editora Javali. O livro é um marco pelos temas abordados e pela estrutura do texto, no crescente cenário da literatura contemporânea brasileira de publicações de dramaturgias. Nesse solo, Passô levanta questões sobre classe, raça e gênero. A autora escreve dramaturgia iluminada por vivências negro-brasileiras. Imagens, como uma voz invadindo um corpo, são a referência principal nesse livro.

Abstract In this article, the poetic production around the poetry collective CEP 20.000 — Centro de Experimentação Poética —, created in 1990 in Rio de Janeiro, and one of its creators, the poet Guilherme Zarvos, were analyzed, with a view to the idea that the artistic, literary, and cultural scene of the 1990s seem to accompany, in Brazil, a certain political and social transformation operated in the means of production, responding to this transformation in its own way. An update of the concept of “expanded field” for poetry is proposed, no longer thinking about the term from the expansion that it describes in the means of art production, but above all from its relationship with the modes of production.

Resumen En este artículo, se analizó la producción poética en torno al colectivo de poesía CEP 20.000 — Centro de Experimentación Poética —, creado en 1990 en Río de Janeiro, y uno de sus creadores, el poeta Guilherme Zarvos, con miras a la idea de que el escenario artístico, literario y cultural de la década de 1990 parece acompañar, en Brasil, una cierta transformación política y social operada en los medios de producción, respondiendo a esa transformación a su manera. Se propone una actualización del concepto de “campo expandido” para la poesía, no pensando ya en el término desde la expansión que describe en los medios de producción del arte, sino sobre todo desde su relación con los modos de producción.

Resumo Neste artigo, será analisada a produção poética em torno do coletivo de poesia CEP 20.000 — Centro de Experimentação Poética, criado no ano de 1990 no Rio de Janeiro, e de um de seus criadores, o poeta Guilherme Zarvos, tendo em vista a ideia de que a cena artística, literária e cultural da década de 1990 parece acompanhar, no Brasil, certa transformação político-social operada nos meios de produção, respondendo a essa transformação a sua maneira. É proposta uma atualização do conceito de “campo ampliado” para a poesia, não mais pensando o termo com base na ampliação que ele descreve nos meios de produção de arte, mas sobretudo em sua relação com os modos de produção.

Abstract This article wondered to what extent the work of Roland Barthes could be a starting point to address contemporary literature and made this concern echo in the reading of three contemporary Brazilian poets — Leila Danziger, Aline Motta, and Marília Garcia — who have in common that they open a space for their poetry bordering text and image. The bet of this article is that the French critic and writer, who lived and wrote in the second half of the 20th Century, can give us some tools to read in a different way, theoretically, with a focus on the writing practice and based on materiality, the body and the subject, elements that are at the heart of the poetry of some women who are writing here and now.

Resumen Este artículo indaga en qué medida la obra de Roland Barthes podría ser un punto de partida para abordar la literatura contemporánea, haciendo resonar esa inquietud en la lectura de tres poetas brasileñas — Leila Danziger, Aline Motta y Marília Garcia — que tienen en común abrir espacio para su poesía en la frontera entre el texto y la imagen. La apuesta de este artículo es que el crítico y escritor francés, que vivió y escribió en la segunda mitad del siglo XX, pueda darnos algunas herramientas para leer de otro modo, teóricamente, enfocándonos en la práctica de escritura y a partir de la materialidad, del cuerpo y de la subjetividad, elementos que están en el corazón de la poesía de algunas mujeres que escriben aquí y ahora.

Resumo Este artigo indaga em que medida a obra de Roland Barthes poderia ser um ponto de partida para abordar a literatura contemporânea, fazendo ressoar essa inquietação na leitura de três poetisas brasileiras — Leila Danziger, Aline Motta e Marília Garcia — que têm em comum abrirem espaço para sua poesia na fronteira entre o texto e a imagem. A aposta deste artigo é que o crítico e escritor francês, que viveu e escreveu na segunda metade do século XX, pode nos dar algumas ferramentas para ler de outro modo, teoricamente, com foco na prática de escrita e a partir da materialidade, do corpo e da subjetividade, elementos que estão no coração da poesia de algumas mulheres que estão escrevendo aqui e agora.

Abstract This work is dedicated to the literary production of Laura Castro, a novelist, poet, visual artist from Bahia, Brazil, as well as a curator and a teacher, whose artistic practices scrutinize the modes of expansion of the Brazilian literary field. This enlargement takes place both with regards to the publication and circulation of the book and to a literature marked by not belonging to a single genre, making experimentation, hybridization, and the use of different supports its constituent traits. To do so, at first, this text assesses how the “collective gathering”, characteristic of the author's works, establishes independent collaboration circuits. Subsequently, it comments on Castro's last two books, O armarinho (2018) and Inês: pequena antologia do passado (2020), to assess their transit (of supports, genres, forms), in which the experiments and intimate experiences of the first are consolidated in a more synthetic language that opens up to questions of inheritance, of ancestry, and of erasure of the past. Authors as diverse as Derrida, Garramuño, Devulsky, and Munanga help develop this reflection.

Resumen Este texto trata de la producción literaria de Laura Castro, romancista, poetisa, artista visual del estado de Bahia, además de crítica de arte y profesora, cuyas prácticas artísticas estudian los modos de expansión del campo literario brasileño. Esa ampliación se sitúa tanto en lo que se refiere a la publicación y circulación del libro, como también a una literatura marcada por la no pertenencia a un solo género, haciendo de la experimentación, de la hibridación y de la utilización de soportes distintos sus rasgos constituyentes. Para esto, en un primer momento, evalúa como la “reunión colectiva”, propia de su trabajo, instituye circuitos de colaboración independientes. En seguida, comenta sus dos últimos libros, O armarinho (2018) e Inês: pequena antologia do passado (2020), para evaluar su tráfico (de soportes, géneros, formas), en que las experimentaciones y las experiencias intimistas del primero se consolidan en un lenguaje más sintético que se abre para temas de herencia, ancestralidad y borradura del pasado. Autores tan diversos como Derrida, Garramuño, Devulsky y Munanga ayudan a componer esta reflexión.

Resumo Este texto trata da produção literária de Laura Castro, romancista, poeta, artista visual baiana, além de curadora e professora, cujas práticas artísticas perscrutam os modos de expansão do campo literário brasileiro. Esse alargamento situa-se tanto no que diz respeito à publicação e circulação do livro como no que se refere a uma literatura marcada pelo não pertencimento a um só gênero, fazendo da experimentação, da hibridização e do uso de suportes distintos os seus traços constituintes. Para tanto, em um primeiro momento, avalia como o “ajuntamento coletivo”, próprio de seu trabalho, institui circuitos de colaboração independentes. Em seguida, comenta os seus dois últimos livros, O armarinho (2018) e Inês: pequena antologia do passado (2020), para avaliar o seu trânsito (de suportes, gêneros, formas), em que os experimentos e as experiências intimistas do primeiro se consolidam em uma linguagem mais sintética que se abre para questões de herança, ancestralidade e apagamento do passado. Autores tão díspares como Derrida, Garramuño, Devulsky e Munanga ajudam a compor essa reflexão.

Abstract On the disputed territory of Brazilian literature (Dalcastagnè, 2012), what is the place occupied by slam poetry? Moreover, in this possible space, what is the position of black and female authorship? Addressing these questions implies considering a cultural scenario that is organized outside the national literary field; therefore, it means dealing with issues related to power relations inherent in a historically unequal society, as is the Brazilian one, and the role that poetic production can play in this context. Based on these questions, the general objective of this article is to reflect on the slam poetry produced in Brazil by black female authors in the context of contemporary Brazilian literature and on the impact of these poems as texts capable of problematizing the literary criticism scenario, besides presenting the reading and analysis of Tawane Theodoro (2019b)'s slam poetry “O peso das palavras”, in the light of this debate.

Resumen En el territorio disputado de la literatura brasileña (Dalcastagnè, 2012), ¿qué espacio ocupa la poesía slam? Además, en este espacio posible, ¿cuál es el lugar de la autoría negra y femenina? Plantear estas cuestiones implica considerar una escena literaria que se organiza fuera del campo literario brasileño, por lo tanto, significa abordar cuestiones relacionadas con las relaciones de poder inherentes a una sociedad históricamente desigual, como la brasileña, y el papel que la producción poética puede adquirir en este contexto. A partir de eso, el objetivo general de este artículo es reflexionar acerca de la poesía slam producida en Brasil por autoras negras en el contexto de la literatura brasileña contemporánea y sobre el impacto de esta producción literaria, como texto capaz de problematizar el escenario de la crítica literaria nacional, además de presentar la lectura y análisis del poema slam “O peso das palabras”, de Tawane Theodoro (2019b), a la luz de estos asuntos.

Resumo No território contestado da literatura brasileira (Dalcastagnè, 2012), qual o espaço ocupado pela poesia slam? Mais ainda, nesse espaço possível, qual o lugar da autoria negra e feminina? Levantar essas questões implica considerar uma cena cultural que se organiza à margem do campo literário nacional, portanto significa abordar problemas ligados às relações de poder inerentes a uma sociedade historicamente desigual, como a brasileira, e ao papel que a produção poética pode adquirir nesse contexto. Diante disso, o objetivo geral deste artigo é refletir acerca das poetas negras do slam no contexto da literatura brasileira contemporânea, com base no impacto dessa produção literária nesse âmbito, como texto capaz de problematizar a cena da crítica literária nacional, além de apresentar a leitura e a análise do poema slam “O peso das palavras”, de Tawane Theodoro (2019b), à luz dessas questões.

Abstract Helena Silvestre's Notas sobre a fome (2019a) is a collection of thirty-one creative “notes” (diary entries, letters, poems, and an essay) inspired by her experience as a housing activist in São Paulo, Brazil. During an existential crisis, Silvestre declares that she needs to learn to desire. The solution she finds is to keep telling stories; listening to the stories of children, women, and elderly people in the housing occupations where she lives; and listening to and reinterpreting academics’ theories. Her understanding of living in community is rooted in an insatiable desire for new strategies for narrating and inhabiting the city. In dialogue with Lefebvrian geography, feminist studies, and narrative criticism, we argue that Silvestre's experiments with different approaches to telling stories and occupying space underscore the importance of searching for new ways to inhabit and desire in community, as opposed to settling for solutions that maintain the status quo. This article first considers Silvestre's strategies for narrating her solidarity, then her search for heterogeneous solutions for narrating and occupying urban space, then the importance of storytelling for the creation of community, and finally ways of narrating about marginalized bodies as, simultaneously, sites of structural inequity and of joy.

Resumen Notas sobre a fome (2019a), de Helena Silvestre, es una colección de treinta y un “apuntes” creativos (verbos, cartas, poemas y un ensayo) inspirados en su experiencia como activista en movimientos de vivienda en San Pablo. Silvestre, en plena crisis existencial, declara: “Yo necesitaba aprender a desear”. La solución encontrada es seguir contando historias; escuchando las narrativas de ancianos, niños y mujeres en las ocupaciones; y oír y reinterpretar las teorías de los académicos. Su perspectiva sobre cómo vivir en comunidad tiene sus raíces en un deseo insaciable de nuevas estrategias para narrar y habitar la ciudad. En diálogo con la geografía lefebvriana, los estudios feministas y la crítica narrativa, argumentamos que las experiencias de Silvestre con diferentes enfoques de narración y ocupación de espacios enfatizan la importancia de buscar nuevas formas de habitar y desear comunalmente en lugar de reproducir una solución para mantener el statu quo. Consideramos, en primer lugar, las estrategias de Silvestre para narrar su solidaridad, luego su búsqueda de soluciones heterogéneas para narrar y ocupar, después la importancia de los relatos para las comunidades y, finalmente, las formas de narrar sobre los cuerpos marginados como territorios a la vez de desigualdad estructural y gozo.

Resumo Notas sobre a fome (2019a), de Helena Silvestre, é uma coletânea de trinta e uma “notas” criativas (verbetes, cartas, poemas e um ensaio) inspiradas em sua experiência como ativista de movimentos por moradia em São Paulo. Silvestre, durante uma crise existencial, declara: “Eu precisava aprender a desejar”. A solução encontrada é continuar contando histórias; escutando as narrativas dos anciões, das crianças e das mulheres nas ocupações; e ouvindo e reinterpretando as teorias dos acadêmicos. Sua perspectiva de como viver em uma comunidade está enraizada em um desejo insaciável de novas estratégias para narrar e habitar a cidade. Em diálogo com a geografia lefebvriana, os estudos feministas e a crítica narrativa, argumentamos que as experiências de Silvestre com abordagens diferentes de contar histórias e de ocupar espaços frisam a importância da busca por novas formas de habitar e desejar comunitariamente em vez de reproduzir uma solução que mantenha o status quo. Consideramos, primeiro, as estratégias de Silvestre para narrar sua solidariedade, depois sua busca por soluções heterogêneas para narrar e ocupar, em seguida a importância das histórias para comunidades e, finalmente, as formas de narrar sobre corpos marginalizados como territórios simultaneamente de desigualdade estrutural e de devaneio.

Abstract In this article, which focuses on the representation of consumption in the periphery in the short story collection No país da infância (2019), by Brazilian writer Cris Lira, I argue that, through an approach to everyday life, in Henri Lefébrvre's sense, which frames the everyday as that which is “humble and solid,” Lira's stories reflect and at the same time create affective and critical experiences of what it means to grow up in the Brazilian periphery in the 1980s and 1990s in the face of the pressures of consumer culture. I argue that Lira, by imagining the uses of several commodities, identifies what Hans Ulrich Gumbrecht (2006) calls “crises,” that is, small interruptions of everyday life (302) that the aesthetic experience with commodities is capable of producing. From this perspective, No país da infância makes a hopeful critique of consumer society, aligning itself with writers such as Marcus Vinícius Faustini (2009) in their representation of the periphery, as I argue elsewhere (Bezerra, 2022).

Resumen En este artículo, el cual hace un análisis de la representación del consumo en la periferia en el libro de cuentos No país da infância (2019), de la escritora brasileña Cris Lira, argumento que, por medio de una perspectiva cotidiana, en el sentido lefebvriano, que define lo cotidiano como algo “humilde y sólido”, las historias de Lira reflejan e al mismo tiempo construyen experiencias y narrativas afectivas y críticas de lo que significa/significó crecer en la periferia brasileña en los años 1980 y 1990 frente a las presiones de la sociedad de consumo. Argumento que Lira, al imaginar los usos de varias marcancías, identifica lo que Hans Ulrich Gumbrecht (2006) llama de “crisis”, o sea, pequeñas interrupciones de lo cotidiano (302) que la experiencia estética con productos puede producir. A partir de esa perspectiva, No país da infância teje una crítica de esperanza de lo cotidiano en la sociedad de consumo, semejante a autores como Marcus Vinícius Faustini (2009) en su representación de la periferia, conforme argumento en otro trabajo (Bezerra, 2022).

Resumo Neste artigo, que tem como foco uma análise da representação do consumo na periferia no livro de contos No país da infância (2019), da escritora brasileira Cris Lira, argumento que, por meio de uma perspectiva cotidiana, no sentido lefebvriano, que vê o cotidiano como algo “humilde e sólido”, as histórias de Lira refletem e ao mesmo tempo constroem experiências e narrativas afetivas e críticas do que significa/significou crescer na periferia brasileira nos anos 1980 e 90 diante das pressões da sociedade de consumo. Demonstro que Lira (2019), ao imaginar os usos de várias mercadorias, identifica o que Hans Ulrich Gumbrecht (2006) chama de “crises”, ou seja, pequenas interrupções do cotidiano que a experiência estética com bens de consumo pode produzir. Nessa perspectiva, No país da infância tece uma crítica esperançosa do cotidiano da sociedade de consumo, alinhando-se a autores como Marcus Vinícius Faustini (2009) em sua representação da periferia, conforme demonstro em outro trabalho (Bezerra, 2022).

Abstract New speech spaces are new listening spaces. Contemporary poetry is a poetic-political and democratic space, which has as its main concept freedom of expression and free dialogue as a tool for the construction of new horizons. This possibility of dialogue, associated with the reconfiguration of crystallized spaces of speech (colonizing) and listening (colonized), traverses discussions about the empowerment of subalternized groups in their processes of self-affirmation, self-valorization, self-recognition and voicing of suffocated social demands. By perceiving the contemporary scenario as a space of contention, it is important that we pay attention to which voices have been silenced over time and what we can do, how we can act so that they become truly vocal, and not just visual, no longer treated as an object of study of those who, throughout history, have dominated the cultural debate to try to explain the world from a European, or an allegedly European, point of view. In this sense, the indigenous poetry of Graça Graúna, characterized by its indigeneity and the cut-bond metaphor, and the poetry slam of Mel Duarte, Gabz and Stephanie Borges, full of writing-experiences, ancestral references and corporalities, mark the insurrection of a body — individual and collective — that seeks the word as an instrument of struggle and empowerment in the path of decoloniality. For such aesthetic analyses, we used poems from the books Tear da palavra (2007), Querem nos calar: poemas para serem lidos em voz alta (2019), As 29 poetas hoje (2021) and Slam Grito's YouTube channel.

Resumen Los nuevos espacios de habla son nuevos espacios de escucha. Esta posibilidad de diálogo, asociada a la reconfiguración de los lugares cristalizados de la palabra (colonizador) y de la escucha (colonizado), atraviesa discusiones sobre el empoderamiento de los grupos que fueron subordinados, en sus procesos de autoafirmación, autovalorización, autorreconocimiento y desbordamiento de demandas sociales reprimidas. Cuando percibimos el escenario contemporáneo como un espacio de disputa, es importante que prestemos atención a qué voces han sido silenciadas a lo largo del tiempo y qué podemos hacer, cómo podemos actuar para que sean verdaderamente vocales y no solo visuales, no más tratado como objeto de estudio por quienes, a lo largo de la historia, han dominado el debate cultural para tratar de explicar el mundo desde un punto de vista europeo, o supuestamente europeo. En ese sentido, la poesía indígena de Graça Graúna, caracterizada por su indianidad y la metáfora de la ruptura de lazos, y la poesía slam de Mel Duarte, Gabz y Stephanie Borges, llena de escritos, ancestralidad y corporeidad marcan la insurrección de un cuerpo – individual y colectivo – que busca la palabra como instrumento de lucha y empoderamiento en el camino de la decolonialidad. Para tales análisis estéticos se utilizarán poemas de los libros Tear da Palavra (2007), Quieren callarnos: poemas para leer en voz alta (2019), Los 29 poetas hoy (2021) y el canal de youtube Slam Grito.

Resumo Novos espaços de fala são novos espaços de escuta. Essa possibilidade de diálogo, associada à reconfiguração dos lugares cristalizados de fala (colonizador) e de escuta (colonizado), atravessa as discussões acerca do empoderamento de grupos que foram subalternizados em seus processos de autoafirmação, de autovalorização, de autorreconhecimento e de extravasamento de demandas sociais sufocadas. Ao percebermos o cenário contemporâneo como espaço de disputa, é importante que nos atentemos a que vozes têm sido silenciadas ao longo do tempo e ao que podemos fazer, a como podemos atuar para que elas se tornem verdadeiramente vocais, e não apenas visuais, não mais tratadas como objeto de estudo daqueles que, ao longo da história, dominaram o debate cultural para tentar explicar o mundo de um ponto de vista europeu, ou pretensamente europeu. Nesse sentido, a poesia indígena de Graça Graúna, caracterizada por sua indianidade e pela metáfora do corte-vínculo, e o poetry slam de Mel Duarte, Gabz e Stephanie Borges, repletos de escrevivências, de ancestralidades e de corporeidades, marcam a insurreição de um corpo — individual e coletivo — que busca a palavra como instrumento de luta e de empoderamento no caminho da decolonialidade. Para tais análises estéticas, serão utilizados poemas presentes nos livros Tear da palavra (2007), Querem nos calar: poemas para serem lidos em voz alta (2019), As 29 poetas hoje (2021) e no canal do YouTube do Slam Grito.

Abstract This article aims to discuss the women representation in Maréia, written by Miriam Alves (2019), as a space for legitimation of afro-brazilian female narratives. This approach highlights the occupation of contested territories (Dalcastagnè, 2012a, 2021b) in national literally scene as a strategy of representation and resistance in hegemonic narratives regarding afro-diasporic communities. From the construction of her female characters, Miriam Alves occupies the national literary territory inscribing subjects ethically and aesthetically committed to the rupture of racist and patriarchal representations. In this perspective, the concept of intersectionality will be used as an episteme, according to the propositions of Carla Akotirene (2019).

Resumen Este trabajo se propone a discutir la representación de la mujer en la obra Maréia, de Miriam Alves (2019), como espacio de legitimación de las narrativas femeninas afrobrasileñas. El estudio destaca la ocupación de territorios en disputa (Dalcastagnè, 2012a, 2012b) en la escena literaria nacional como una estrategia de representación y resistencia a las narrativas hegemónicas sobre las comunidades afrodiaspóricas. Desde la construcción de sus personajes femeninos, Miriam Alves ocupa el territorio literario nacional inscribiendo sujetos ética y estéticamente comprometidos con la ruptura de representaciones racistas y patriarcales. En esta perspectiva, se utilizará como epistemología el concepto de interseccionalidad, según lo que plantea Carla Akotirene (2019).

Resumo O presente artigo objetiva discutir a representação da mulher na obra literária Maréia, de Miriam Alves (2019), como espaço de legitimação das narrativas femininas afro-brasileiras. Tal abordagem evidencia a ocupação de territórios contestados (Dalcastagnè, 2012a, 2021b) no cenário literário nacional como estratégia de representação e de resistência a narrativas hegemônicas quanto a comunidades afro-diaspóricas. Com base na construção de suas personagens femininas, Miriam Alves ocupa o território literário nacional inscrevendo sujeitos comprometidos ética e esteticamente com a ruptura de representações racistas e patriarcais. Nessa perspectiva, o conceito de interseccionalidade será acionado como episteme, segundo o que é proposto por Carla Akotirene (2019).

Abstract This essay examines the book Eu sou macuxi e outras histórias by Julie Dorrico as self-history of survival inserted into current literary studies of indigenous peoples which grew between the 1980s and 1990s, allowed by the indigenous resistance that confronted the power of the Brazilian State, more assiduously since the 1970s. Dorrico's fiction is also considered within the scope of both the production of strong current indigenous intellectual and philosophical traditions, progressively more visible, present, and empowered, as well as her own articles as a researcher and Ph.D. in literary theory. The essay shows that the poetic narrative of her book touches on political-cultural issues linked to the fields of Brazilian cultural and literary production, as well as demonstrates affinity with theoretical methodologies of indigenous research in the American territory as a whole. It shows that Dorrico's intellectual work is inseparable from the practice of political resistance and, therefore, culturally and socially vital for all American native peoples.

Resumen Este ensayo examina el libro Eu sou macuxi e outras histórias de Julie Dorrico como auto-historia de sobrevivencia insertado en los estudios literarios actuales de indígenas que crecen a partir de las décadas de 1980 y 1990, propiciadas por la resistencia indígena que enfrenta el poder del Estado brasileño, más asiduamente desde la década de 1970. La ficción de Dorrico también se considera dentro del alcance tanto de la producción de fuertes tradiciones intelectuales y filosóficas indígenas actuales, cada vez más visibles, prΔesentes y empoderadas, como de sus propios artículos como investigadora y doctora en teoría literaria. El ensayo muestra que la narrativa poética de su libro toca cuestiones político-culturales vinculadas a los campos de la producción cultural y literaria brasileña, además de demostrar afinidad con metodologías teóricas de investigación indígena en el conjunto del territorio americano. Muestra que la obra intelectual de Dorrico es inseparable de la práctica de la resistencia política y, por tanto, cultural y socialmente vital para todos los pueblos originarios americanos.

Resumo Este ensaio examina o livro Eu sou macuxi e outras histórias de Julie Dorrico como uma auto-história de sobrevivência inserida nos atuais estudos literários dos povos originários que crescem a partir dos anos 1980 e 1990, propiciados pela resistência indígena que confronta o poder do Estado brasileiro, mais assiduamente desde os anos 1970. A ficção de Dorrico é também considerada no âmbito tanto da produção da forte tradição intelectual e filosófica indígena atual, progressivamente mais visível, presente e empoderada, como também de seus próprios artigos como pesquisadora e doutora em teoria literária. O ensaio mostra que a narrativa poética de seu livro toca em questões político-culturais ligadas aos campos de produção cultural e literário brasileiros, bem como demonstra afinidade com metodologias teóricas das pesquisas indígenas no território americano como um todo. Mostra que o trabalho intelectual de Dorrico é indissociável da prática de resistência política e, portanto, cultural e socialmente vital para todos os povos originários americanos.