Abstract This proposal seeks to highlight the expressive possibilities of waste materials in the context of an art workshop with a therapeutic focus. These materials offer communicative possibilities that value different forms of expression while facilitating symbolic play in specific contexts. The experience occurred over a year with children aged 4 to 6 in a nursery school in Viña del Mar, Chile. It focused on two objectives: encouraging creative exploration and the expressive possibilities of working with waste materials, allowing emotional exploration with the material and among participants, and fostering openness to the emotional world and peer interaction. A methodology based on exploration and play was chosen, with structured individual and group work sessions, established guidelines and themes related to the prescribed curriculum for the level. The results make it possible to highlight the benefits of this type of therapeutic intervention in children by strengthening emotional and creative development in the educational context. Likewise, it is noteworthy that the entire educational community is involved in the culture of recycling and reuse.

Resumen Esta propuesta busca visibilizar las posibilidades expresivas del material de desecho en el contexto de un taller de arte con enfoque terapéutico. Estos materiales ofrecen posibilidades comunicativas que ponen en valor las diferentes formas de expresión, al tiempo que facilitan el juego simbólico en determinados contextos. La experiencia se desarrolló durante un año, con un grupo de niños y niñas de 4 a 6 años, en una escuela infantil en Viña del Mar, Chile, y se enfocó en dos objetivos: favorecer la exploración creativa y las posibilidades expresivas del trabajo con material de desecho, y permitir la exploración emocional con el material y entre los participantes, para favorecer la apertura al mundo emocional y la interacción entre pares. Se optó por una metodología basada en la exploración y el juego, con sesiones estructuradas de trabajo individual y grupal, consignas y temáticas establecidas en relación con el currículo prescrito para el nivel. Los resultados obtenidos permiten visibilizar los beneficios que este tipo de intervenciones terapéuticas generan en niños y niñas, al fortalecer el desarrollo emocional y creativo en el contexto educativo. Igualmente, es destacable la involucración de toda la comunidad educativa por medio de la cultura del reciclaje y la reutilización.

RESUMEN En este trabajo propongo comprender las escrituras ilegibles de la artista argentina Mirtha Dermisache (1940-2012) como un sistema de comunicación e intercambio artístico que tensiona y pone en cuestión los mecanismos de comunicación tradicionales, asentados en la mera transmisión de información y en la figura del lector/espectador como un receptor pasivo. Planteo que esta condición se sostiene en tres aspectos fundamentales: una exploración textual de gran variedad estilística; la puesta en práctica de distintos mecanismos y estrategias que refuerzan su cualidad de escritura; y la concepción de que la obra solo está ‘completada’ una vez que esta es editada, difundida y leída. Para argumentar esto, reviso la labor pedagógica de Dermisache en el taller de Acciones Creativas (1975-2012) y las Jornadas del Color y de la Forma (1975-1981); doy cuenta de su reflexiones en torno a la escritura, la edición y la lectura; y analizo con detención una selección de obras que produjo entre 1967 y 1974.

ABSTRACT In this paper, I propose an understanding about Argentinian artist Mirtha Dermisache (1940-2012) illegible writings as a system of communication and artistic exchange that puts in tension and questions the traditional mechanisms of communication, based on the mere transmission of information and on the figure of the reader/spectator as a passive receiver. I argue that this condition is sustained in three fundamental aspects: a textual exploration of great stylistic variety; the implementation of different mechanisms and strategies that reinforce its quality of writing; and the conception that the work is only ‘completed’ once it is edited, disseminated, and read. To validate this argument, I exam Dermisache's pedagogical work in the “taller de Acciones Creativas” (1975-2012) and the “Jornadas del Color y de la Forma” (1975-1981); and through a detailed analysis of her works produced between 1967 and 1974, I give an account of her reflections on writing, reading, and editing.

Resumen Este artículo de reflexión presenta el estado de avance de un proyecto de investigación transdisciplinaria que se originó en respuesta a la creciente virtualización de la educación, producto de la crisis sanitaria covid-19. El objetivo es desarrollar talleres e-learning usando la plataforma lms Canvas, que reconozcan e incluyan al cuerpo como principal agente cognoscitivo, y así fortalecer el uso de Ambientes Virtuales de Aprendizaje de estudiantes en la etapa escolar. Para eso, se propone trabajar con metodologías de investigación artística como estrategia pedagógica para diseñar actividades educativas virtuales, materiales y encarnadas. Esto responde a la hipótesis de que el abordaje particular de estas metodologías puede convertirlas en un vehículo que facilite procesos de aprendizaje y ayude a fortalecer la docencia. Según lo discutido en la bibliografía revisada, se identifican ocho acciones generales que se mantienen como constante en proyectos de investigación artística, y con base en estas se relata una primera aproximación al diseño del taller transdisciplinario e-learning: Entre la Geometría y el Arte, para estudiantes de primero medio (14-15 años). Se espera que, como producto del pilotaje de este taller, durante el año 2023, el aprendizaje que se logre en los y las participantes sea el desarrollo de un pensamiento artístico-geométrico, donde ambas disciplinas estarían realmente entrelazadas.

Abstract This reflective article presents the state of progress of a transdisciplinary research study that originated in response to the growing virtualization of education, as a product of the covid-19 health crisis. The objective is to develop e-learning workshops using the Canvas lms platform that recognize and include the body as a main cognitive agent, and thus enhance the use of Virtual Learning Environments by students in the school stages. For this purpose, it is proposed to work with artistic research methodologies as a pedagogical strategy to design virtual, material and embodied educational activities. This responds to the hypothesis that the specific approach of these methodologies can turn them into a vehicle that facilitate into a vehicle that can facilitate learning processes and help to strengthen teaching. According to what has been discussed in the reviewed bibliography, eight general actions are identified as constant in artistic research projects, and based on these, it is a first approach to a transdisciplinary e-learning workshop: Between Geometry and Art, for school students (14-15 years old). It is expected that, as a product of the piloting of this workshop, during the year 2023, the learning achieved in the participants will be the development of an artistic-geometric thinking, where both disciplines would be truly intertwined.

Resumo Este artigo de reflexão apresenta o estado de progresso de um projeto de investigação transdisciplinar que teve origem em resposta à crescente virtualização da educação, um produto da crise da saúde covid-19. O objetivo é desenvolver workshops de e-learning utilizando a plataforma lms Canvas, para reconhecer e incluir o corpo como o principal agente cognitivo, e assim reforçar a utilização de Ambientes de Aprendizagem Virtuais pelos estudantes na fase escolar. Para este fim, propõe-se trabalhar com metodologias de investigação artística como estratégia pedagógica para desenhar atividades educativas virtuais, materiais e encarnadas. Isto responde à hipótese de que a abordagem particular de estas metodologias pode transformá-las num veículo que facilita os processos de aprendizagem e ajuda a reforçar a docência. De acordo com o que foi discutido na bibliografia revista, oito ações gerais são identificadas como constantes nos projetos de investigação artística, e com base nelas, é relatada uma primeira abordagem à concepção do workshop transdisciplinar de e-learning: Entre Geometria e Arte, para estudantes da primeira metade do ensino secundário (14-15 anos de idade). Espera-se que, como produto da pilotagem deste workshop durante o ano 2023, a aprendizagem alcançada nos participantes seja o desenvolvimento de um pensamento artístico-geométrico, onde ambas disciplinas estariam verdadeiramente entrelaçadas.

Resumen Este artículo, producto de la investigación Territorios Sonoros: escuelas Hip Hop en Medellín, se propone caracterizar las dinámicas de agrupación, las prácticas, los discursos y los procesos educativos en la ruta del arte urbano en el caso de las dos escuelas de rap, objeto de este trabajo. El rap, reconocido como uno de los géneros musicales que configura territorios sonoros en las periferias de Medellín, tiene una trayectoria de más de 30 años de expresión y apropiación de espacios sociales comunitarios. Son numerosos los estudios del movimiento hip hop en América Latina, sin embargo, son recientes y escasos los estudios que exploran la escuela, como quinto elemento que se suma a los cuatro que han sido tradición en el género. En el contexto de la Educación Social y las reflexiones en torno a los procesos educativos y sus posibilidades disruptivas, con un enfoque en diálogo de saberes, se trabajó con una muestra constituida por dos escuelas de arte urbano: AgroArte: Hip Hop Agrario y Escuela Feminista. Se utilizaron técnicas propias de la etnografía urbana: taller de memoria, entrevista grupal y relatos de experiencia. Entre los hallazgos se cuenta la identificación de procesos educativos que, en sus dimensiones estética y política, logran producir prácticas, discursos, saberes, modos de relacionamiento, vínculos con el territorio y con la memoria que están generando transformación en sectores de periferia de Medellín, las cuales se evidencian en la cotidianidad de los territorios y en la constitución de unas subjetividades emancipadas, que le apuestan a la creación colectiva y a la resistencia cultural.

Abstract This article, a product of the research Sound Territories: Hip Hop Schools in Medellín, aims to characterize the group dynamics, practices, discourses, and educational processes in the route of popular art, and urban rap case. Rap, recognized as one of the musical genres that make up sound territories in the outskirts of Medellín, has a history of more than 30 years of expression and appropriation of community social spaces. There are numerous studies of the hip-hop movement in Latin America, however, the studies that explore the school are recent and scarce as the fifth element that adds to the four that have been the tradition in the genre. In the context of social education and reflections on educational processes and their disruptive possibilities, with a focus on the dialogue of knowledge, a sample consisting of two schools of urban art was worked on: AgroArte: Agrarian Hip Hop and Feminist School. Techniques typical of urban ethnography were used: memory workshops, group interviews, and experience reports. Among the findings is the identification of educational processes that, in their aesthetic and political dimensions, manage to produce practices, discourses, knowledge, ways of relating, links with the territory, and with memory that are generating transformation in sectors of the periphery of Medellín. Transformations are evident in the daily life of the territories and in the constitution of emancipated subjectivities, which bet on collective creation and cultural resistance.

Resumo Este artigo, produto da pesquisa Territórios Sonoros: escolas de Hip Hop em Medellín, tem como objetivo caracterizar as dinâmicas de grupo, as práticas, os discursos e os processos educativos na rota da arte urbana, no caso das duas escolas de rap. O rap, reconhecido como um dos gêneros musicais que compõem os territórios sonoros nas periferias de Medellín, possui uma trajetória de mais de 30 anos de expressão e apropriação dos espaços sociais comunitários. Existem inúmeros estudos sobre o movimento hip hop na América Latina, porém, os estudos que exploram a escola são recentes e escassos, como o quinto elemento que se soma aos quatro que têm tradição no gênero. No contexto da Educação Social e da reflexão sobre os processos educativos e suas possibilidades disruptivas, com um foco no diálogo de saberes, trabalhou-se com uma amostra constituída por duas escolas de arte urbana: AgroArte: Hip Hop Agrário e Escola Feminista. Foram utilizadas técnicas típicas da etnografia urbana: oficina de memória, entrevista em grupo e relatos de experiência. Entre os achados está a identificação de processos educativos que, em suas dimensões estética e política, conseguem produzir práticas, discursos, saberes, formas de se relacionamento, vínculos com o território e com a memória que estão gerando transformações em setores da periferia de Medellín,as quais se evidenciam no cotidiano dos territórios e na constituição de subjetividades emancipadas, que apostam à criação coletiva e à resistência cultural.

RESUMO O palhaço contribui para a melhoria das habilidades sociais a partir de uma base comunicativa, o objetivo é mostrar se a aplicação do Workshop do Palhaço melhora as "habilidades de planejamento" em um grupo de estudantes universitários. A pesquisa teve uma abordagem quantitativa aplicada, com um design pré-experimental. A população consistia de estudantes universitários, e foi realizada uma amostragem intencional não-probabilística. A técnica de pesquisa utilizada foi um questionário de avaliação de habilidades sociais de Goldstein. Os resultados mostraram que o workshop do Palhaço melhora as Habilidades Sociais em um grupo de estudantes universitários, que apresentam diferenças estatisticamente significativas (t=10.695 e p= 0.000 <0,05), entre o pré-teste e o pós-teste, sendo este último (199,85) o que obtém uma média maior que o pós-teste (165,00). Devido a isto, é determinado que a oficina do Palhaço melhora significativamente as habilidades sociais, mostrando que os estudantes melhoram sua forma de comunicação, como lidar com a agressão, e como agir diante do estresse.

RESUMEN El Clown contribuye para la mejora de las habilidades sociales desde una base comunicativa, el objetivo es mostrar si la aplicación del Taller de Clown mejora las “habilidades de planificación” en un grupo de estudiantes universitarios. La investigación fue de enfoque cuantitativo de tipo aplicada, con un diseño pre experimental. La población estuvo conformada por estudiantes universitarios, se realizó un muestreo no probabilístico intencional. Se empleó como técnica la encuesta, el instrumento fue un cuestionario de evaluación de habilidades sociales de Goldstein. En los resultados se comprobó que el taller de Clown mejora las Habilidades Sociales en un grupo de estudiantes universitarios, quienes presentan diferencias estadísticamente significativas (t=10,695 y p= 0,000 <0.05), entre el pretest y postest, siendo este último (199.85) el que obtiene una media superior al pos test (165.00). Debido a ello se determina que El taller de Clown mejora significativamente en las habilidades sociales evidenciando que los estudiantes mejoran su forma de comunicación, el trato frente a una agresión, como poder actuar frente al estress.

ABSTRACT Clown contributes to the improvement of social skills from a communicative base, the objective is to show if the application of the Clown Workshop improves the "planning skills" in a group of university students. The research had a quantitative applied approach, with a pre-experimental design. The population consisted of university students, and a non-probabilistic intentional sampling was carried out. A survey was used as a technique; the instrument was a Goldstein's social skills evaluation questionnaire. The results showed that the Clown workshop improves Social Skills in a group of university students, who present statistically significant differences (t=10,695 and p= 0,000 <0.05), between the pretest and posttest, being the latter (199.85) the one that obtains a higher mean than the posttest (165.00). Due to this, it is determined that the Clown workshop significantly improves social skills, showing that the students improve their way of communication, how to deal with aggression, and how to act in the face of stress.

ABSTRACT: This paper explores and analyzes an artistic experience in a Kichwa-speaking community belonging to the Saraguro nationality, in southern Ecuador; in which I participated through an artistic workshop of street art, structured in three phases: socialization, drawing and mural painting. This workshop was held with students from the "Tupak Yupanqui" school, in the Oñacápac community; with those who explore notions about Kichwa philosophy and language; and made it possible to make an artistic and pedagogical assessment of cultural perspectives; through aesthetics of street art applied in the assembly of a school artistic mural. There is also an exploration of the intercultural concept, based on its historical transit in the Ecuadorian indigenous context, its influence on the educational field, and its encounter with the theme of street art in the configuration of strategies for the preservation and strengthening of cultural practices and knowledge of the Saraguro people.

RESUMEN: El presente artículo explora y analiza una experiencia artística en una comunidad kichwa hablante perteneciente a la nacionalidad Saraguro, al sur de Ecuador; en el cual participé a través de un taller artístico de arte urbano, estructurado en tres fases: socialización, dibujo y pintura mural. Dicho taller se realizó con alumnos de la escuela “Tupak Yupanqui”, en la comunidad de Oñacápac; con quienes explore nociones sobre la filosofía y lengua kichwa; y permitieron hacer una valoración artística y pedagógica de las perspectivas culturales; por medio de estéticas del arte urbano aplicadas en el montaje de un mural artístico escolar. También se hace una exploración del concepto intercultural, a partir de su transitar histórico en el contexto indígena ecuatoriano, su influencia en el campo educativo, y su encuentro con el tema del arte urbano en la configuración de estrategias de preservación y fortalecimiento de prácticas y saberes culturales del pueblo Saraguro.

Abstract The paths that a designer can choose to develop their creative processes are diverse, one cannot speak of one and with only one journey; it is the designer who, based on his expertise and knowledge, will choose the way forward. This work seeks to demonstrate that design products are the result of a creative process made up of research, conceptualization and experimentation phases to come up with the proposal of a sketch or prototype; for this, five works by Textile Designer Anni Albers, who trained at the Bauhaus School under a post-war scenario where arts and crafts were valued, are analyzed. The pedagogy that the Bauhaus teaches included in its program learning through workshops that would later take the name of the laboratories, where each student through experimentation with materials, techniques and their senses found their vocation. Among these workshops is the “Weaving Workshop”, the place where Anni Albers found the way to express her creativity, and who influenced the acquired knowledge of Color Theory and Abstract Art from masters Paul Klee and Vasil Kandisky; in turn, transmitting sensations through his works was one of his obstacles. Albers’ works show a deep process of experimentation, where alternative materials to traditional textiles are incorporated, stories such as: cellophane, metals, plastic, fiberglass, among others; which provide unique properties to their tissues such as being soundproof or light refractory.

Resumo Os caminhos que um designer pode escolher para desenvolver seus procesos criativos são diversos, não se pode falar de uma e apenas uma jornada; é o designer que, com base em sua experiência e conhecimento, escolherá o caminho a seguir. Este trabalho procura demonstrar que os produtos de design são o resultado de um proceso criativo composto pelas fases de pesquisa, conceituação e experimentação para fazer a proposta de um esboço ou protótipo; Para isso, são analisados cinco trabalhos da Designer Têxtil Anni Albers, que treino una Bauhaus School em um cenário pós-guerra onde as artes e ofícios eran valorizados. A pedagogia da Bauhaus incluiu em seu programa o aprendizado através de oficinas que mais tarde chamariam laboratórios, onde cada aluno, através da experimentação de materiais, técnicas e sentidos, encontrou sua vocação. Entre esas oficinas estava a “Oficina de Tecelagem”, onde Anni Albers encontrou o caminho para expresar sua criatividade, e que foi influenciado pelo conhecimento adquirido em Teoria das Cores e Arte Abstrata dos mestres Paul Klee e Vasil Kandisky; por sua vez, transmitir sensações através de suas obras era um de seus propósitos. Os trabalhos de Albers mostram um profundo processo de experimentação, onde ele incorporou materiais alternativos aos têxteis tradicionais, como: celofane, metais, plástico, fibra de vidro, entre outros; que forneciam propiedades únicas aos seus tecidos, como à prova de som ou refratários à luz.

Resumen Los caminos que un diseñador puede elegir para desarrollar sus procesos creativos son diversos, no se puede hablar de uno solo y con un solo recorrido; es el diseñador el que en base a su experticia y conocimiento elegirá el camino a seguir. Este trabajo busca demostrar que los productos de diseño son el resultado de un proceso creativo integrado por fases de investigación, conceptualización y experimentación para llegar a proponer un boceto o prototipo; para ello se analizan cinco trabajos de la Diseñadora Textil Anni Albers, quien se formó en la Escuela Bauhaus bajo un escenario post guerra donde las artes y artesanías fueron valoradas. La pedagogía que impartió la Bauhaus incluyó en su programa el aprendizaje mediante talleres que luego tomarían el nombre de laboratorios, donde cada estudiante a través de la experimentación con materiales, técnicas y sus sentidos encontró su vocación. Entre estos talleres se encontraba el “Taller de tejido”, lugar donde Anni Albers encontró el camino para expresar su creatividad, y a quien influyó los conocimientos adquiridos de Teoría del Color y Arte Abstracto de los maestros Paul Klee y Vasil Kandisky; a su vez, el transmitir sensaciones por medio de sus obras fue uno de sus propósitos. En las obras de Albers se evidencia un profundo proceso de experimentación, donde incorporó materiales alternativos a los textiles tradicionales, tales como: el celofán, metales, plástico, fibra de vidrio, entre otros; los cuales brindaron propiedades únicas a sus tejidos como ser insonoros o refractarios a la luz.

Abstract Although much has been said about the direct relationship between art and architecture, little has been done regarding how historically significant works of art may be utilized as sources of inspiration for the architectural production of today. We may cite several historical and aesthetic analyses on such works of art and their particular zeitgeist, but how might such a work of art illuminate and extend today’s architectural process, theories and ideas?In other words, (1) how does the past (in)(de)(re)form the present? and (2) how do another discipline’s insights(in)(de)(re)form our discipline’s process of ideation? Having these thoughts in mind, a pedagogy was developed tomake students realize that (1) architecture deals with issues and ideas that transcend the purely programmatic (i.e.,’functional’) and the stereotypically formal; (2) new architectural ideas may come from old and non-architectural sources; (3) ideas are discovered and evolve through a staged critical process, as opposed to a singular act of explanation ; and (4) the role of the architect/designer is one of interpreter, as opposed to imitator, of one’s surroundings, culture, tradition, etc.

Resumo Embora tenha sido dito muito sobre a relação direta entre arte e arquitetura, pouco foi feito sobre como as obras de arte historicamente significativas podem ser usadas como fontes de inspiração para a produção arquitetônica atual. Podemos citar várias análises históricas e estéticas de tais obras de arte e seu espírito particular, mas como essa obra de arte poderia iluminar e estender o processo arquitetônico, as teorias e idéias atuais? Em outras palavras, (1) como o passado (in) (de) (re) forma o presente? e (2) como as percepções de outra disciplina (in) (de) (re) formam o processo de ideação de nossa disciplina? Levando esses pensamentos em consideração, uma pedagogia foi desenvolvida para permitir que os alunos no início da carreira de arquitetura percebam que (1) a arquitetura aborda questões e idéias que transcendem o puramente programático (ou seja, ‘funcional’) e o estereotipicamente formal; (2) novas idéias arquitetônicas podem vir de fontes não arquitetônicas do passado; (3) idéias são descobertas e evoluídas através de um processo crítico em estágios, em oposição a um ato singular de explicação; e (4) o papel do arquiteto / designer é interpretar, ao invés de imitar, o ambiente, a cultura, a tradição etc.

Resumen Aunque se ha dicho mucho sobre la relación directa entre el arte y la arquitectura, poco se ha hecho sobre cómo las obras de arte históricamente significativas pueden ser utilizadas como fuentes de inspiración para la producción arquitectónica de hoy. Podemos citar varios análisis históricos y estéticos sobre tales obras de arte y su espíritu particular, pero ¿cómo podría una obra de arte de este tipo iluminar y extender el proceso arquitectónico, las teorías y las ideas actuales? En otras palabras, (1) ¿cómo el pasado (in) (de) (re) forma el presente? y (2) ¿cómo las percepciones de otra disciplina (in) (de) (re) forman el proceso de ideación de nuestra disciplina? Teniendo en cuenta estos pensamientos, se desarrolló una pedagogía para permitir que estudiantes en el comienzo de la carrera de arquitectura se den cuenta de que (1) la arquitectura trata temas e ideas que trascienden lo puramente programático (es decir, ‘funcional’) y lo estereotípicamente formal; (2) las nuevas ideas arquitectónicas pueden provenir de fuentes no arquitectónicas del pasado; (3) las ideas se descubren y evolucionan a través de un proceso crítico por etapas, en oposición a un acto singular de explicación; y (4) el papel del arquitecto/diseñador es interpretar , en lugar de imitar , el entorno, la cultura, la tradición, etc.

Resumen En el devenir del arte mexicano el muralismo ha sido el paradigma del trabajo colectivo; sin embargo, en los años setenta lo colectivo en el arte dio un giro con la asociación de jóvenes artistas que serían conocidos como Los Grupos, quienes llevaron a cabo una revisión de las nociones centrales de la estética moderna, como el sujeto creador, y de los postulados del muralismo. Uno de los pioneros de este movimiento hacia lo grupal fue el Taller de Arte e Ideología (TAI), colectivo multidisciplinario que en una clara herencia marxiana asumió una postura crítica sobre los asuntos del arte, que dejó de lado la separación entre teoría y praxis, entre otros antagonismos. El presente texto realiza una aproximación crítica a las propuestas del TAI, se posiciona en contra de la oposición colectivo-individuo en el trabajo artístico; además piensa la relación entre el arte y la política como la capacidad de producir experiencias innovadoras, que plantean nuevas condiciones de lo humano, antes que la presentación de contenidos que persiguen fines predeterminados.

Abstract In Mexican art the muralist movement has been the paradigm of collective work. However, in the seventies collectivity entered a new phase with the association of young artists that became known as Los Gru- pos (The Groups). These artists carried out a review of the notions of modern aesthetics, such as artistic genius and the postulates of mural- ism. One of the pioneers of this movement towards creative collective work was the Art and Ideology Workshop (TAI in Spanish), a multidisciplinary collective that assumed a critical stance on art matters displaying a clear Marxist heritage and leaving aside the separation between theory and praxis among other antagonisms. The present article takes a critical approach to the TAI proposals. It is positioned against the col- lective-individual opposition in artistic work. It also analyzes the relationship between art and politics as the ability to produce innovative experiences which pose new conditions of the human, rather than the presentation of contents that pursue predetermined ends.

Abstract The works of architecture that shelter art, reference is made to museums, art centers and cultural centers, among others, are essential places for our culture. Places destined for contemporary art have an added challenge by the very definition of this type of art, which is associated with a tension with its visitors. The objective of this writing is to open the reflection to link the city and its inhabitants with the places of contemporary art and show some concrete proposals. To do this, a series of reflections from a multidisciplinary research integrated by the areas of: urbanism, architecture, anthropology and history are collected, which for two years analysed this relationship and proposed taking it to the secondyear architectural projects workshop at the University of Chile, in order to share findings with students and propose an exercise to carry out ‘mediating projects’, that is, architectural proposals that link contemporary art places with the city and its inhabitants.

Resumen: Los lugares destinados al arte contemporáneo: museos, centros de arte y centros culturales, entre otros, son lugares esenciales para nuestra cultura y tienen un desafío añadido por la propia definición de este tipo de arte, que lleva asociada una tensión con sus visitantes. El objetivo de este escrito es abrir la reflexión para vincular la ciudad y sus habitantes con los lugares del arte contemporáneo y mostrar algunas propuestas concretas. Para ello, se recoge una serie de reflexiones procedentes de una investigación multidisciplinar integrada por los ámbitos de: urbanismo, arquitectura, antropología e historia, que durante dos años analizó esta relación y propuso llevarla al taller de proyectos arquitectónicos de segundo año de la Universidad de Chile, con la finalidad de compartir hallazgos con los estudiantes y proponerles un ejercicio para realizar ‘proyectos mediadores’, es decir, propuestas arquitectónicas que vinculen los lugares de arte contemporáneo con la ciudad y sus habitantes.

Resumen El desarrollo humano necesita de programas educativos enfocados en promover el pensamiento creativo, el sentido de justicia y la amabilidad, entre otras capacidades. La presente investigación tuvo como objetivo evaluar la eficacia de un taller de arte y cultura para el desarrollo humano de un grupo de adolescentes. Fue realizada con base en una perspectiva holística que integra conceptos, principios teóricos y prácticas de la educación positiva (basada o derivada de la psicología positiva) y de la educación emancipadora, al igual que toma en cuenta los conceptos de género e interculturalidad. Participaron tres instructoras de la Universidad Autónoma de Yucatán y 17 estudiantes de una escuela secundaria del municipio de Oxkutzcab, Yucatán. La eficacia comprobada del taller de arte y cultura fue de buena a alta: los resultados esperados de aprendizaje fueron logrados. El contar con un espacio de adolescentes para convivir armónicamente, sin miedo a desacreditaciones, y en un marco de colaboración, respeto y aceptación fue clave para el logro de los objetivos del taller.

Resumo O desenvolvimento humano necessita de programas educacionais focados na promoção do pensamento criativo, senso de justiça e bondade, entre outras capacidades. A presente pesquisa teve como objetivo avaliar a eficácia de uma oficina de arte e cultura para o desenvolvimento humano de um grupo de adolescentes. Foi realizado a partir de uma perspectiva holística que integra conceitos, princípios teóricos e práticas de educação positiva (baseada ou derivada da psicologia positiva) e educação emancipatória, além de levar em consideração os conceitos de gênero e interculturalidade. Participaram três instrutores da Universidade Autônoma de Yucatán e 17 alunos de uma escola secundária do município de Oxkutzcab, Yucatán. A eficácia comprovada do workshop de arte e cultura variou de boa a alta: os resultados de aprendizagem esperados foram alcançados. Ter um espaço para que os adolescentes vivam em harmonia, sem medo do descrédito e num quadro de colaboração, respeito e aceitação foi fundamental para a concretização dos objetivos da oficina.

Abstract Human development needs educational programs focused on promoting creative thinking, a sense of justice and kindness, among other capacities. The present research aimed to evaluate the effectiveness of an art and culture workshop for the human development of a group of adolescents. It was carried out based on a holistic perspective that integrates concepts, theoretical principles and practices of positive education (based on or derived from positive psychology) and emancipatory education, as well as taking into account the concepts of gender and interculturality. Three instructors from the Universidad Autónoma de Yucatán and 17 students from a secondary school in the municipality of Oxkutzcab, Yucatán, participated. The proven effectiveness of the art and culture workshop ranged from good to high: the expected learning outcomes were achieved. Having a space for adolescents to live harmoniously, without fear of discredit, and in a framework of collaboration, respect and acceptance was key to achieving the objectives of the workshop.

Resumen: En 1970 el Colectivo de arte chileno Taller de Diseño Integrado (DI) realiza una de sus obras emblemáticas, el mural cinético del Paso Bajo Nivel Santa Lucía, hito de la ciudad de Santiago de Chile que tras una larga polémica fue declarado monumento nacional en el año 2019. Proponemos que dicha obra es una expresión representativa de los planteamientos y aportes del DI al arte chileno, los que se sintetizan en tres dimensiones: trabajo colaborativo, incorporación del arte y artistas a un proceso de trabajo más amplio como profesionales e inserción del arte en el espacio público urbano como elemento democratizador de la experiencia estética. Por medio de esta obra establece una relación con el pensamiento desarrollista y emancipador, así como con el compromiso crítico de la época en torno a los aportes que efectivamente constituyen los conocimientos y las prácticas disciplinares a la solución de las grandes desigualdades sociales.

Abstract: The Chilean Art Collective The Integrated Design Workshop (DI) produced in 1970 one of its emblematic works, the kinetic mural of the Santa Lucía underpass, a landmark of the city of Santiago of Chile that, after a long controversy, was declared a national monument in the year 2019. We propose that this work is a representative expression of the approaches and contributions of ID to Chilean art, which are synthesized in three dimensions: collabo rative work, incorporation of art and artists into a broader work process as professionals, and insertion of art in the urban public space as a democratizing element of the aesthetic experience. Through this work, they stablish a relationship with developmental and emanci patory thinking, as well as with the critical commitment of the time around the contributions that effectively constitute knowledge and disciplinary practices to the solution of the large social inequalities.

Resumen La academia se nutre de relatos, experiencias, arte y dignidad; el Laboratorio de Creación Artística "Grabar la memoria" es la manera como desde la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Pedagógica Nacional se ha constituido una relación explícita entre arte y memoria histórica. Se trata de la poética narrativa de las imágenes entrelazadas con fragmentos escritos sobre la vida en un taller de artes cada miércoles, un proceso formativo realizado durante 2019, con las Madres de Soacha y Bogotá (Mafapo: Madres de Falsos Positivos), y la participación del Semillero de Investigación Creación Arbitrio. Este relato tiene como eje la experimentación de la técnica del grabado a partir de un conocimiento situado. Este es un conocimiento que se produce y se genera en el escenario del taller de artes, entendiendo el taller como espacio para habitar y el ejercicio del grabado como metáfora de creación de la memoria, grabamos para recordar, para señalar, para reproducir, reivindicar, resignificar y crear.

Abstract The academy is nourished by stories, experiences, art, and dignity; The Laboratory of Artistic Creation "Print in the memory" is the way in which an explicit relationship between art and historical memory has been established from the Faculty of Fine Arts at Universidad Pedagógica Nacional. It is about the poetic narrative of the images intertwined with written fragments about life in an arts workshop every Wednesday, a training process carried out during 2019, with the Mothers of Soacha and Bogotá (Mafapo: Madres de Falsos Positivos), and the participation of the research seedbed named Creación Arbitrio. This story has as its axis the experimentation of the woodcut printing technique based on situated knowledge. This is a knowledge that is produced and generated on the stage of the arts workshop, understanding the workshop as a space to inhabit and the exercise of woodcut printing as a metaphor for the creation of memory, we print to remember, to point out, to reproduce, to vindicate, resignify, and create.

Resumo A academia se nutre de histórias, experiências, arte e dignidade; o Laboratório de Criação Artística "Registrar na memória" é o meio pelo qual uma relação explícita entre arte e memória histórica se estabeleceu a partir da Faculdade de Belas Artes da Universidad Pedagógica Nacional. Trata-se da narrativa poética das imagens entrelaçadas com fragmentos escritos sobre a vida em uma oficina de artes todas as quartas-feiras, processo formativo realizado durante 2019, com as Mães da Soacha e de Bogotá (Mafapo: Mães dos Falsos Positivos), e a participação do sementeiro de investigação Creación Arbitrio. Esta história tem como eixo a experimentação da técnica da xilogravura a partir de conhecimentos situados. É um saber que se produz e se gera no palco da oficina de artes, entendendo a oficina como um espaço a habitar e o exercício da xilogravura como metáfora para a criação da memória, registamos para recordar, apontar, reproduzir, reivindicar, ressignificar e criar.

Resumen En el marco de los 800 años de la celebración del encuentro de San Francisco y el Sultán, convocado por la Orden Franciscana, el presente artículo pretende indagar sobre la concepción de la imagen del moro en la sociedad colonial y, particularmente reflejados en la serie de 54 cuadros de la vida de san Francisco del Museo de Arte Colonial de San Francisco, Santiago de Chile, confeccionada en el siglo XVII en un taller del Cuzco y cuyo destino fue el Convento homónimo para la formación y contemplación de los religiosos, que nos permite descubrir su representación. El moro representa el signo del individuo o del territorio pagano, en acción o contexto de violencia, pero capaz de la conversión. Estos aspectos son comunes a los prejuicios traídos por los colonizadores, marcados por la larga lucha en la península contra ellos y las políticas de expulsión de esta comunidad desde España. El arte colonial, a su vez, fue un ejercicio de diálogo cultural que adaptó la cultura hispánica a la realidad del nuevo mundo, y, por tanto, permitió la lectura del moro trasladada a las dificultades y éxitos de la evangelización y a la violencia ejercida por los conquistadores.

Abstract Framed on the 800th anniversary of the celebration of the meeting of St. Francis and the Sultan, convoked by the Franciscan Order, the present article seeks to enquire into the conception of the image of the Moor in colonial society. Particularly reflected in the series of 54 paintings, of the life of Saint Francis, from the Museum of Colonial Art of San Francisco, Santiago de Chile, made in the 17th century in a workshop in Cuzco. Their destination was the homonymous Convent for the formation and contemplation of the clergy, which allows us to discover its representation. The Moor represents the sign of the individual or of the pagan territory, in action or context of violence, but capable of conversion. These aspects are common to the prejudices introduced by the colonizers, marked by the long struggle in the Iberian Peninsula against them and the policies of expulsion of this community from Spain. Colonial art, in turn, was an exercise in cultural dialogue, which adapted Hispanic culture to the reality of the new world, and thus allowed the reading of the Moor transferred to the difficulties and successes of evangelization and the violence exercised by the conquerors.

Abstract The transit and collective work as a strategy to habit a thought and a world in crisis, is the challenge that a group of artists and teachers, self-proclaimed Cátedra de Café, assumed to build a space where constant encounter, characterized by remaining outside any institution, is the way to carry out research processes that enhance individual and collective artistic production. In this essay, reflections, methodology, experiences and results of the Cátedra's derivations are developed. In conclusion, it is a proposal of collective, situated and critical learning.

Resumen El tránsito y quehacer colectivo como estrategia para habitar un pensamiento y un mundo en crisis, es el desafío que un grupo de artistas y docentes, autodenominadas Cátedra de Café, asumieron para construir un espacio donde el encuentro constante, caracterizado por permanecer al margen de cualquier institución, es la forma para llevar a cabo procesos de investigación que potencian la producción artística individual y colectiva. En este ensayo se desarrollan reflexiones, metodología, experiencias y resultados de las derivas de la Cátedra. En definitiva, es una propuesta de aprendizaje colectivo, situado y crítico.