RESUMO O artigo pretende analisar a extensa colaboração do escritório estadunidense Ralph Appelbaum Associates para a criação de ambientes expositivos no Brasil, com destaque para o Museu da Língua Portuguesa, tendo como base a mobilização dos conceitos de museu narrativo, exposição- show e design integrador. O estudo será articulado em dois momentos: análise dos projetos de RAA tomados como referências para sua implantação no Brasil – Museu do Holocausto e Newseum – e investigação das principais intervenções de Appelbaum no Brasil, buscando refletir sobre o contexto de formação do espaço expositivo contemporâneo mediado pelas tecnologias da comunicação.

ABSTRACT This article aims to analyze the extensive collaboration of the North American firm Ralph Appelbaum Associates to the creation of environmental exhibitions in Brazil, especially to the Portuguese Language Museum. Based on the concepts of narrative museum, exhibition-show and integrative design, the study will be articulated in two moments: analyses of the RAA projects taken as references for their implementation in the Brazilian context (Holocaust Museum and Newseum); and study of the main interventions of Appelbaum in Brazil, in order to reflect on context of creation of contemporary exhibition spaces mediated by communication technologies.

RESUMEN El artículo tiene como objetivo analizar la extensa colaboración de la oficina estadounidense Ralph Appelbaum Associates en la creación de ambientes expositivos en Brasil, destacando el Museu da Língua Portuguesa, basándose en la movilización de los conceptos de museo narrativo, exposición-espectáculo y diseño integrador. El estudio se articulará en dos momentos: análisis de los proyectos de RAA tomados como referencia para su implementación en Brasil, como el Museo del Holocausto y el Newseum, e investigación de las principales intervenciones de Appelbaum en Brasil, buscando reflexionar sobre el contexto de formación del espacio expositivo contemporáneo mediado por las tecnologías de la comunicación.

RESUMO Partindo de um amplo entendimento da sombra como conceito espacial, o presente ensaio propõe uma revisão bibliográfica sobre as representações de sombra na história da pintura ocidental tradicional, tanto em suas dimensões técnicas quanto simbólicas. Por meio de imagens pontuais, o texto comenta este tema, limitando-se a um recorte temporal, desde os mitos fundadores da pintura na Idade Antiga até o século XVI. O embate teórico confronta uma ideia preestabelecida de que as representações de sombra anteriores ao Cinquecento ocorreram apenas de maneira intuitiva. Com isso, busca-se demonstrar que, apesar das limitações técnicas da pintura medieval, as sombras já eram utilizadas como elementos articuladores de significado ao oferecer testemunho e representação de alguma corporeidade.

ABSTRACT Starting from a broad understanding of the shadow as a spatial concept, this essay proposes a bibliographic review on the representations of shadow in the history of traditional Western painting, both in its technical and symbolic dimensions. Through specific images, the text comments on this theme, limiting itself to a time frame, since the founding myths of painting in the Ancient Age until the 16th century. The theoretical clash confronts a pre-established idea that the shadow representations prior to the Cinquecento happened only in an intuitive way. Thereby, it seeks to demonstrate, despite the technical limitations of medieval painting, that shadows were already used as articulating elements of meaning when offering testimony and representation of some corporeality.

RESUMEN A partir de una comprensión amplia de la sombra como concepto espacial, este ensayo propone una revisión bibliográfica sobre las representaciones de la sombra en la historia de la pintura tradicional occidental, tanto en su dimensión técnica como simbólica. A través de imágenes específicas, el texto comenta la temática, limitándose a un marco temporal, desde los mitos fundacionales de la pintura en la Edad Antigua hasta el siglo XVI. El choque teórico confronta una idea preestablecida de que las representaciones de sombras anteriores al Cinquecento ocurrían sólo de manera intuitiva. Con ello buscamos demostrar que, a pesar de las limitaciones técnicas de la pintura medieval, las sombras ya eran utilizadas como elementos articuladores de significado al ofrecer testimonio y representación de alguna corporalidad.

RESUMO Este artigo visa a demonstrar como a cultura indígena há muito tempo passa ao largo do pensamento visual brasileiro e avalia as possibilidades de se pensar sua história a partir de artistas indígenas. Apresenta revisão teórica e documental acerca das formas como a História da Arte e o pensamento visual desenvolvido no Brasil tratam a produção estético-artística dos povos originários. Propõe a possibilidade de se revisar a história da arte, incorporando o pensamento de artistas indígenas, haja vista a necessidade de uma virada epistemológica na História da Arte para dar conta das diferenças existentes no Brasil e na América Latina.

ABSTRACT This article demonstrate how indigenous culture has long been absent from Brazilian visual thinking and evaluates the possibilities of thinking about its history from indigenous artists point of view. It presents a theoretical and documentary review of the ways in which art history and visual thinking developed in Brazil deal with the artistic aesthetic production of the indigenous peoples. It proposes the possibility of revising the history of art, incorporating the thought of indigenous artists, given the need for an epistemological turn in the History of Art to account for the differences that exist in Brazil and Latin America.

RESUMEN Este artículo tiene como objetivo demostrar cómo la cultura indígena ha sido passada por alto durante mucho tiempo en el pensamiento visual brasileño y evalúa las possibilidades de pensar su historia a partir de artistas indígenas. Presenta una revisión teórica y documental sobre cómo la Historia del Arte y el pensamiento visual desarrollado en Brasil abordan la producción estético-artística de los pueblos originarios. Propone la posibilidad de revisar la historia del arte, incorporando el pensamiento de artistas indígenas, dada la necesidad de un cambio epistemológico em la Historia del Arte para dar cuenta de las diferencias existentes en Brasil y América Latina.

RESUMO O presente artigo trata do incêndio ocorrido na sede do Museu Nacional em 2018 por meio do longa-metragem Subterrânea (2021), ficção científica em diálogo com o documentário, dirigido por Pedro Urano. Além de ser a primeira ficção a explorar o tema, o filme conecta a tragédia a outros acontecimentos que moldaram a paisagem do Rio de Janeiro. Ao fazê-lo, comenta sobre o modo de operar não só da capital fluminense, mas do país como um todo, calcado na lógica da destruição. O artigo examina Subterrânea tanto estética quanto discursivamente, mobilizando, entre outros, Lima Barreto e Hélio Oiticica, referências ao projeto. Para isso, situa a produção no contexto brasileiro dos anos 2010 e no debate contemporâneo sobre a estética da ruína. 201 longametragem longa metragem 2021, 2021 , (2021) documentário Urano tema Janeiro fazêlo, fazêlo fazê lo, lo fazê-lo fluminense todo destruição discursivamente mobilizando Oiticica projeto isso ruína 20 202 (2021 2 (202 (20 (2 (

ABSTRACT This article addresses the fire that occurred at the headquarters of the National Museum in 2018 through the feature film Subterrânea (2021), directed by Pedro Urano, a science fiction in dialogue with documentary. In addition to being the first fictional film to explore the theme, Subterrânea connects the tragedy to other events that shaped the landscape of Rio de Janeiro. In doing so, it comments on how not only the city but the country functions, a mode based on the logic of destruction. Subterrânea is examined both aesthetically and discursively, mobilizing, among others, Lima Barreto and Hélio Oiticica, references for the film. To achieve that purpose, Subterrânea is situated in the context of the 2010s in Brazil and in the contemporary debate on the aesthetics of ruins. 201 2021, 2021 , (2021) Urano documentary theme Janeiro so functions destruction discursively mobilizing others Oiticica purpose s ruins 20 202 (2021 2 (202 (20 (2 (

RESUMEN El artículo aborda el incendio que ocurrió en la sede del Museo Nacional en 2018 a través del largometraje Subterrânea (2021), película de ciencia ficción en diálogo con el documental, dirigida por Pedro Urano. Además de ser la primera ficción que explora el tema, la película conecta la tragedia con otros acontecimientos que han dado forma al paisaje de Río de Janeiro. Al hacerlo, comenta sobre la forma en que funciona la lógica de la destrucción no sólo de la capital de Río de Janeiro, sino del país en su conjunto. El artículo examina Subterrânea tanto estética como discursivamente, movilizando, entre otros, a Lima Barreto e Hélio Oiticica, referentes del proyecto. Para ello, ubica la producción en el contexto brasileño de la década de 2010 y en el debate contemporáneo sobre la estética de la ruina. 201 2021, 2021 , (2021) documental Urano tema Janeiro hacerlo conjunto discursivamente movilizando Oiticica proyecto ello ruina 20 202 (2021 2 (202 (20 (2 (

RESUMO O ensaio explora a trajetória de Walter Zanini, enfocando sua pesquisa interrompida em 2006, que buscava uma abordagem inovadora da história da arte ao considerar a influência das tecnologias na desmaterialização da obra artística. Suas escolhas revelam seu pensamento crítico e curatorial, bem como suas significativas contribuições para a arte brasileira. Zanini 2006 artística curatorial brasileira 200 20 2

ABSTRACT The essay explores the trajectory of Walter Zanini, focusing on his research interrupted in 2006, which sought an innovative approach to art history by considering the influence of technologies on the dematerialization of the artwork. His choices reveal his critical and curatorial thinking, as well as his significant contributions to Brazilian art. Zanini 2006 artwork thinking 200 20 2

RESUMEN El ensayo explora la trayectoria de Walter Zanini, centrándose en su investigación interrumpida en 2006, que buscaba un acercamiento innovador a la historia del arte al considerar la influencia de las tecnologías en la desmaterialización de la obra artística. Sus elecciones revelan su pensamiento crítico y curatorial, así como sus importantes contribuciones al arte brasileño. Zanini 2006 artística curatorial brasileño 200 20 2

RESUMO Partindo de um amplo entendimento da sombra como conceito espacial, o presente ensaio propõe uma revisão bibliográfica sobre as representações de sombra na história da pintura ocidental tradicional, tanto em suas dimensões técnicas quanto simbólicas. Por meio de imagens pontuais, o texto comenta este tema, limitando-se a um recorte temporal, desde os mitos fundadores da pintura na Idade Antiga até o século XVI. O embate teórico confronta uma ideia preestabelecida de que as representações de sombra anteriores ao Cinquecento ocorreram apenas de maneira intuitiva. Com isso, busca-se demonstrar que, apesar das limitações técnicas da pintura medieval, as sombras já eram utilizadas como elementos articuladores de significado ao oferecer testemunho e representação de alguma corporeidade. espacial tradicional simbólicas pontuais tema limitandose limitando se temporal XVI intuitiva isso buscase busca medieval corporeidade

ABSTRACT Starting from a broad understanding of the shadow as a spatial concept, this essay proposes a bibliographic review on the representations of shadow in the history of traditional Western painting, both in its technical and symbolic dimensions. Through specific images, the text comments on this theme, limiting itself to a time frame, since the founding myths of painting in the Ancient Age until the 16th century. The theoretical clash confronts a pre-established idea that the shadow representations prior to the Cinquecento happened only in an intuitive way. Thereby, it seeks to demonstrate, despite the technical limitations of medieval painting, that shadows were already used as articulating elements of meaning when offering testimony and representation of some corporeality. concept dimensions images theme frame th century preestablished pre established way Thereby demonstrate corporeality

RESUMEN A partir de una comprensión amplia de la sombra como concepto espacial, este ensayo propone una revisión bibliográfica sobre las representaciones de la sombra en la historia de la pintura tradicional occidental, tanto en su dimensión técnica como simbólica. A través de imágenes específicas, el texto comenta la temática, limitándose a un marco temporal, desde los mitos fundacionales de la pintura en la Edad Antigua hasta el siglo XVI. El choque teórico confronta una idea preestablecida de que las representaciones de sombras anteriores al Cinquecento ocurrían sólo de manera intuitiva. Con ello buscamos demostrar que, a pesar de las limitaciones técnicas de la pintura medieval, las sombras ya eran utilizadas como elementos articuladores de significado al ofrecer testimonio y representación de alguna corporalidad. espacial occidental simbólica específicas temática temporal XVI intuitiva medieval corporalidad

RESUMO O trabalho de Jonathas de Andrade explora ecos do passado colonialista, em especial na população e nos imaginários nordestinos, bem como a herança cultural do projeto modernista que marcou a arquitetura e o urbanismo brasileiros na segunda metade do século XX. As suas obras criam um curto-circuito de enunciados e temporalidades, engendram um imbricamento entre o corpo da imagem e a imagem dos corpos, colocando em operação a cartografia das cidades e o mapeamento das subjetividades. Neste artigo apresentamos um breve panorama das obras do artista nos detendo em: Amor e Felicidade no Casamento (2007), Educação para Adultos (2010), 4000 disparos (2010), Tombamento (2013), ABC da cana (2014), O caseiro (2016) e O Peixe (2016). Nos valemos de um aporte teórico de Rancière, Foster, Bosi, entre outros. colonialista nordestinos XX curtocircuito curto circuito temporalidades corpos subjetividades 2007, 2007 , (2007) 2010, 2010 (2010) 400 2013, 2013 (2013) 2014, 2014 (2014) 2016 (2016 2016. . Rancière Foster Bosi outros 200 (2007 201 (2010 40 (2013 (2014 (201 20 (200 4 (20 2 (2 (

ABSTRACT Jonathas de Andrade’s work explores echoes of the colonialist past, especially in Brazil’s Northeastern population and imaginary, as well as the cultural heritage of the modernist project that marked Brazilian architecture and urbanism in the second half of the 20th century. His oeuvres create a short circuit of utterances and temporalities, generating an overlap between the body of the image and the image of the bodies, putting into operation the cartography of cities and the mapping of subjectivities. In this article we provide a brief overview of the artist trajectory, concentrating on the following selected works: Amor e Felicidade no Casamento (2007), Educação para Adultos (2010), 4000 disparos (2010), Tombamento (2013), ABC da cana (2014), O caseiro (2016) and O Peixe (2016). We will use a theoretical contribution from writers such as Rancière, Foster, Bosi, among others. Andrades Andrade s past Brazils Brazil imaginary th century temporalities bodies subjectivities trajectory works 2007, 2007 , (2007) 2010, 2010 (2010) 400 2013, 2013 (2013) 2014, 2014 (2014) 2016 (2016 2016. . Rancière Foster Bosi others 200 (2007 201 (2010 40 (2013 (2014 (201 20 (200 4 (20 2 (2 (

RESUMEN El trabajo de Jonathas de Andrade explora los ecos del pasado colonialista, especialmente en la población y los imaginarios del nordeste de Brasil, así como la herencia cultural del proyecto modernista que marcó la arquitectura y el urbanismo brasileños en la segunda mitad del siglo XX. Sus obras crean un cortocircuito de enunciados y de temporalidades, engendran una imbricación entre el cuerpo de la imagen y la imagen de los cuerpos, poniendo en funcionamiento la cartografía de las ciudades y el mapeo de las subjetividades. En este artículo presentamos un breve panorama de las obras del artista, deteniéndose en: Amor e Felicidade no Casamento (2007), Educação para Adultos (2010), 4000 disparos (2010), Tombamento (2013), ABC da cana (2014), O caseiro (2016) y O Peixe (2016). Para eso, se vale del aporte teórico de Rancière, Foster, Bosi, entre otros. colonialista Brasil XX temporalidades cuerpos subjetividades artista 2007, 2007 , (2007) 2010, 2010 (2010) 400 2013, 2013 (2013) 2014, 2014 (2014) 2016 (2016 2016. . eso Rancière Foster Bosi otros 200 (2007 201 (2010 40 (2013 (2014 (201 20 (200 4 (20 2 (2 (

RESUMO Este artigo apresenta uma introdução ao pensamento de Georges Didi-Huberman, no que se refere à sua leitura do conceito de “sintoma”, de “figurabilidade” e de outros aspectos da psicanálise freudiana, como chave de interpretação crítica às noções de representação, semelhança e imitação, bem como ao método iconológico de matriz panofskiana. O artigo demonstra como esses conceitos são operados pelo autor, colocando em questão o dispositivo mimético e reivindicando uma abertura no regime de visibilidade da pintura que dê lugar à sua figuralidade. Ao evocar a ideia de uma “imagem-sintoma”, Didi-Huberman propõe uma ruptura com os esquematismos da crítica e da historiografia da arte. DidiHuberman, DidiHuberman Didi Huberman, Huberman sintoma, sintoma , “sintoma” figurabilidade “figurabilidade freudiana representação imitação panofskiana autor figuralidade imagemsintoma, imagemsintoma imagem “imagem-sintoma” arte “sintoma “imagem-sintoma

ABSTRACT This article presents an introduction to Georges Didi-Huberman’s thought, focusing on his interpretation of the concept of “symptom”, “figurability”, and other aspects of Freudian psychoanalysis, as a critical interpretation of notions of representation, resemblance and imitation, as well as of the Panofsky’s iconological method. The article demonstrates how these concepts are operated by the author, questioning the mimetic device and claiming an opening in the regime of painting’s that gives way to its figurability. By evoking the idea of an “image-symptom”, Didi-Huberman proposes a rupture with the schematisms of art criticism and historiography. DidiHubermans Didi Huberman s thought symptom, symptom , “symptom” figurability, figurability “figurability” psychoanalysis representation imitation Panofskys Panofsky method author paintings painting imagesymptom, imagesymptom image “image-symptom” DidiHuberman historiography “symptom “figurability “image-symptom

RESUMEN Este artículo presenta una introducción al pensamiento de Georges Didi-Huberman, en lo que respecta a su lectura del concepto de “síntoma”, “figurabilidad” y otros aspectos del psicoanálisis freudiano, como clave de interpretación crítica a las nociones de representación, similitud e imitación, así como al método iconológico de Panofsky. El artículo demuestra cómo estos conceptos son operados por el autor, cuestionando el dispositivo mimético y reivindicando una apertura en el régimen de visibilidad de la pintura que dé lugar a su figurabilidad. Al evocar la idea de una “imagen-síntoma”, Didi-Huberman propone una ruptura con los esquematismos de la crítica y de la historiografía del arte. DidiHuberman, DidiHuberman Didi Huberman, Huberman síntoma, síntoma , “síntoma” figurabilidad “figurabilidad freudiano representación imitación Panofsky autor imagensíntoma, imagensíntoma imagen “imagen-síntoma” arte “síntoma “imagen-síntoma

RESUMO O artigo pretende analisar a extensa colaboração do escritório estadunidense Ralph Appelbaum Associates para a criação de ambientes expositivos no Brasil, com destaque para o Museu da Língua Portuguesa, tendo como base a mobilização dos conceitos de museu narrativo, exposição- show e design integrador. O estudo será articulado em dois momentos: análise dos projetos de RAA tomados como referências para sua implantação no Brasil – Museu do Holocausto e Newseum – e investigação das principais intervenções de Appelbaum no Brasil, buscando refletir sobre o contexto de formação do espaço expositivo contemporâneo mediado pelas tecnologias da comunicação. Portuguesa narrativo exposição integrador momentos comunicação

ABSTRACT This article aims to analyze the extensive collaboration of the North American firm Ralph Appelbaum Associates to the creation of environmental exhibitions in Brazil, especially to the Portuguese Language Museum. Based on the concepts of narrative museum, exhibition-show and integrative design, the study will be articulated in two moments: analyses of the RAA projects taken as references for their implementation in the Brazilian context (Holocaust Museum and Newseum); and study of the main interventions of Appelbaum in Brazil, in order to reflect on context of creation of contemporary exhibition spaces mediated by communication technologies. Brazil museum exhibitionshow show design moments Holocaust Newseum Newseum) technologies

RESUMEN El artículo tiene como objetivo analizar la extensa colaboración de la oficina estadounidense Ralph Appelbaum Associates en la creación de ambientes expositivos en Brasil, destacando el Museu da Língua Portuguesa, basándose en la movilización de los conceptos de museo narrativo, exposición-espectáculo y diseño integrador. El estudio se articulará en dos momentos: análisis de los proyectos de RAA tomados como referencia para su implementación en Brasil, como el Museo del Holocausto y el Newseum, e investigación de las principales intervenciones de Appelbaum en Brasil, buscando reflexionar sobre el contexto de formación del espacio expositivo contemporáneo mediado por las tecnologías de la comunicación. Brasil Portuguesa narrativo exposiciónespectáculo exposición espectáculo integrador momentos Newseum comunicación

RESUMO Os ensaios visuais têm ganhado cada vez mais espaço em revistas acadêmicas e até mesmo em revistas comerciais. Este ensaio procura trazer um pouco do contexto histórico dos ensaios visuais no campo das publicações de artista, com destaque para as revistas brasileiras publicadas a partir dos anos 1970. As reflexões sobre o ensaio visual foram realizadas ao analisar alguns exemplos selecionados e podem auxiliar no estabelecimento de critérios para a avaliação dos ensaios visuais, de modo que um dia sejam reconhecidos como produção intelectual com o mesmo peso de um artigo acadêmico. comerciais artista 1970 acadêmico 197 19 1

ABSTRACT Visual essays have been gaining more and more space in academic journals and even in commercial magazines. This essay seeks to bring some of the historical context of visual essays in the field of artist publications, with emphasis on Brazilian magazines published from the 1970s onwards. Some selected samples were used to reflect on the visual essay as structure. This analysis can help in establishing a criteria for evaluating visual essays, so that one day they are recognized as intellectual production worth the same as an academic article. publications s onwards structure article

RESUMEN Los ensayos visuales han ganado cada vez más espacio en revistas académicas e incluso en revistas comerciales. Este ensayo busca traer un poco del contexto histórico de los ensayos visuales en el campo de las publicaciones de artistas, con énfasis en las revistas brasileñas publicadas a partir de la década de 1970. Las reflexiones sobre el ensayo visual se llevaron a cabo analizando algunos ejemplos seleccionados y pueden ayudar a establecer criterios para evaluar los ensayos visuales, para que algún día sean reconocidos como una producción intelectual con el mismo peso que un artículo académico. comerciales artistas 1970 académico 197 19 1

RESUMO O artigo investiga o contexto de emergência das obras apresentadas no evento 9 Evenings: Theatre and Engineering, realizado em Nova York em outubro de 1966, analisando tanto o ambiente cultural nova-iorquino, quanto o processo de colaboração entre artistas e engenheiros que resultou na exposição. Em relação a este último, o trabalho sublinha o papel decisivo dos diagramas desenvolvidos por Herb Schneider para a interlocução produtiva entre os participantes do evento, considerado uma das mais longas e bem sucedidas colaborações criativas entre artistas e cientistas de que se tem notícia. Evenings Engineering 1966 novaiorquino, novaiorquino nova iorquino, iorquino nova-iorquino exposição último notícia 196 19 1

ABSTRACT The article investigates the context of emergence of the artworks presented at the 9 Evenings: Theatre and Engineering, held in New York in October 1966, analyzing both the New York cultural environment and the process of collaboration between artists and engineers that resulted in the exhibition. In relation to the latter, the work underlines the decisive role of the diagrams developed by Herb Schneider for the productive dialogue between the participants of the event, considered one of the longest and most successful creative collaborations between artists and scientists to date. Evenings Engineering 1966 exhibition latter event date 196 19 1

RESUMEN El artículo investiga el contexto de emergencia de las obras presentadas en el evento 9 Evenings: Theatre and Engineering, realizado en Nueva York en octubre de 1966, analizando tanto el ambiente cultural nueva yorquino, como el proceso de colaboración entre artistas e ingenieros que resultó en la exposición. En relación a este último, el trabajo subraya el papel decisivo de los diagramas desarrollados por Herb Schneider para la interlocución productiva entre los participantes del evento, considerado una de las colaboraciones creativas más largas y exitosas entre artistas y científicos de que se tiene noticia. Evenings Engineering 1966 yorquino exposición último noticia 196 19 1

RESUMO Este artigo visa a demonstrar como a cultura indígena há muito tempo passa ao largo do pensamento visual brasileiro e avalia as possibilidades de se pensar sua história a partir de artistas indígenas. Apresenta revisão teórica e documental acerca das formas como a História da Arte e o pensamento visual desenvolvido no Brasil tratam a produção estético-artística dos povos originários. Propõe a possibilidade de se revisar a história da arte, incorporando o pensamento de artistas indígenas, haja vista a necessidade de uma virada epistemológica na História da Arte para dar conta das diferenças existentes no Brasil e na América Latina. indígenas estéticoartística estético artística originários arte Latina

ABSTRACT This article demonstrate how indigenous culture has long been absent from Brazilian visual thinking and evaluates the possibilities of thinking about its history from indigenous artists point of view. It presents a theoretical and documentary review of the ways in which art history and visual thinking developed in Brazil deal with the artistic aesthetic production of the indigenous peoples. It proposes the possibility of revising the history of art, incorporating the thought of indigenous artists, given the need for an epistemological turn in the History of Art to account for the differences that exist in Brazil and Latin America. view peoples America

RESUMEN Este artículo tiene como objetivo demostrar cómo la cultura indígena ha sido passada por alto durante mucho tiempo en el pensamiento visual brasileño y evalúa las possibilidades de pensar su historia a partir de artistas indígenas. Presenta una revisión teórica y documental sobre cómo la Historia del Arte y el pensamiento visual desarrollado en Brasil abordan la producción estético-artística de los pueblos originarios. Propone la posibilidad de revisar la historia del arte, incorporando el pensamiento de artistas indígenas, dada la necesidad de un cambio epistemológico em la Historia del Arte para dar cuenta de las diferencias existentes en Brasil y América Latina. indígenas estéticoartística estético artística originarios arte Latina

RESUMO Este ensaio tem como foco obras criadas por meio da reprodução e apropriação de imagens disponíveis na interface do Google Street View. Reflexo da crescente proliferação de imagens produzidas por câmeras automatizadas, independentemente da percepção e cognição humana, estas obras provocam uma reconsideração do ato fotográfico, do papel do artista como comentador e curador de imagens, a sublimação da autoria, e a ontologia da imagem fotográfica. O fato de tais obras de arte serem criadas através da extração de imagens da interface do Google Street View pode ser interpretado como uma implicação de sua redundância visual. Este artigo defende, pelo contrário, que as obras fotográficas em questão implicam técnicas criativas e modos de apropriação estética específicos. automatizadas humana fotográfico autoria fotográfica visual defende contrário específicos

ABSTRACT This essay focuses on artworks created through the reproduction and appropriation of images available in the interface of Google Street View. As a reflection of the growing proliferation of images produced by automated cameras, independently of human perception and cognition, these artworks provoke a reconsideration of the photographic act, the role of the artist as a commentator on and curator of images, the sublimation of authorship thus entailed, and the ontology of the photographic image. The fact that such artworks are created by extracting images from the Google Street View interface could be perceived as indicative of certain visual redundancies. This article argues, on the contrary, that the photographic works in question are different from each other insofar as they entail specific creative techniques, modes of aesthetic appropriation, and critical approaches. cameras cognition act entailed image redundancies argues contrary techniques approaches

RESUMEN Este ensayo tiene como foco obras creadas mediante la reproducción y apropiación de imágenes disponibles en la interfaz del Google Street View. Reflejo de la creciente proliferación de imágenes producidas por cámaras automatizadas, independientemente de la percepción y cognición humana, estas obras provocan una reconsideración del acto fotográfico, del papel del artista como comentador y curador de imágenes, la sublimación de la autoría, y la ontología de la imagen fotográfica. El hecho de que tales obras de arte sean creadas a través de la extracción de imágenes de la interfaz del Google Street View puede ser interpretado como una implicación de su redundancia visual. Este artículo defiende, por el contrario, que las obras fotográficas en cuestión implican técnicas creativas y modos de apropiación estética específicos. automatizadas humana fotográfico autoría fotográfica visual defiende contrario específicos

RESUMO A artista brasileira Irene Buarque chegou a Lisboa em 1973. Nesses anos 70, sua evolução da pintura à experimentação foi registrada em uma sequência de motivos metafóricos – a parede, a janela, o passo –, a partir dos quais pode ser observada sua experiência como mulher artista e migrante entre duas ditaduras. Ela tornou-se importante na rede de artistas experimentais de Portugal, participando de exposições e como fundadora da galeria-cooperativa Diferença. Ao longo dos anos 80, além de sua prática individual, Buarque coordenou, no MAC da Universidade de São Paulo, várias exposições de artistas de Portugal que trabalhavam no campo da experimentação. Ao incentivar o intercâmbio, a sua agência catalítica serviu para construir uma ponte transatlântica que venceu a falta de relações artísticas oficiais entre os dois países. 1973 70 parede janela ditaduras tornouse tornou se galeriacooperativa galeria cooperativa Diferença 80 individual coordenou Paulo intercâmbio países 197 7 8 19 1

ABSTRACT The Brazilian artist Irene Buarque arrived in Lisbon in 1973. In those 1970s, her evolution from painting to experimentation was recorded in a sequence of metaphorical motifs – the wall, the window, the step – from which her experience as a woman artist and migrant between two dictatorships can be observed. She became important in the network of experimental artists in Portugal, participating in exhibitions and as founder of the gallery-cooperative Diferença. Throughout the 1980s, in addition to her individual practice, Buarque coordinated several exhibitions of artists from Portugal working in the field of experimentation at the MAC of the Universidade de São Paulo. By encouraging exchanges, her catalytic agency served to build a transatlantic bridge that overcame the lack of official artistic relations between the two countries. 1973 1970s s wall window observed gallerycooperative gallery cooperative Diferença 1980s practice Paulo exchanges countries 197 19 1

RESUMEN La artista brasileña Irene Buarque llegó a Lisboa el 1973. En aquellos años 70, su evolución de la pintura a la experimentación fue registrada en una secuencia de motivos metafóricos – la pared, la ventana, el escalón –, desde los que se observa su experiencia como mujer artista y emigrante entre dos dictaduras. Se convirtió importante en la red de artistas experimentales de Portugal, participando en exposiciones y fundando la galería-cooperativa Diferença. A lo largo de los años 80, además de su práctica individual, Buarque coordinó varias exposiciones en el MAC, de la Universidad de São Paulo, de artistas de Portugal que trabajaban en el campo de la experimentación. Al fomentar el intercambio, su agencia catalizadora sirvió para construir un puente transatlántico que superó la falta de relaciones artísticas oficiales entre ambos países. 1973 70 pared ventana dictaduras galeríacooperativa galería cooperativa Diferença 80 individual MAC Paulo intercambio países 197 7 8 19 1

RESUMO A partir de uma perspectiva que leva em consideração mecanismos de validação estrangeira sobre a cultura brasileira, este texto dialoga com Eugenics in the Garden [Eugenia no jardim], de Fabíola López-Durán, ao elaborar uma análise sobre a aparente mudança de postura de Lucio Costa diante da participação da população preta na sociedade brasileira. A primeira visita de Le Corbusier ao Rio de Janeiro, em 1929, parece crucial para que Lúcio Costa tenha podido transitar em direção a posições mais afastadas de postulados eugenistas, reproduzindo, a partir da década de 1930, um discurso marcadamente menos racista e machista em relação às décadas anteriores. brasileira Eugenia jardim, jardim , jardim] LópezDurán, LópezDurán López Durán, Durán López-Durán Janeiro 1929 eugenistas reproduzindo 1930 anteriores 192 193 19 1

ABSTRACT From a perspective that takes into account mechanisms of foreign validation of Brazilian culture, this essay dialogues with Eugenics in the Garden, by Fabíola López-Durán, when analyzing an apparent change in Lucio Costa’s take on the participation of the black population in Brazilian society. Le Corbusier’s first visit to Rio de Janeiro, in 1929, seems crucial for Lucio Costa to have been able to move towards positions further removed from eugenics postulates, reproducing, from the 1930s onwards, a markedly less racist and sexist discourse compared to previous decades. culture Garden LópezDurán, LópezDurán López Durán, Durán López-Durán Costas s society Corbusiers Corbusier Janeiro 1929 postulates reproducing onwards decades 192 19 1

RESUMEN Desde una perspectiva que toma en consideración los mecanismos de validación extranjera sobre la cultura brasileña, este texto dialoga con Eugenics in the Garden [Eugenesia en el jardín], de Fabíola López-Durán, al elaborar un análisis sobre el aparente cambio de actitud de Lucio Costa ante la participación de la población negra en la sociedad brasileña. La primera visita de Le Corbusier a Río de Janeiro, en 1929, parece ser crucial para que Lucio Costa haya podido evolucionar hacia posiciones más alejadas de los postulados eugenésicos, reproduciendo, a partir de la década de 1930, un discurso notablemente menos racista y machista en comparación con las décadas anteriores brasileña Eugenesia jardín, jardín , jardín] LópezDurán, LópezDurán López Durán, Durán López-Durán Janeiro 1929 eugenésicos reproduciendo 1930 192 193 19 1