Abstract José Afonso renewed his musical work in Algarve, between 1958 and 1964. This process coincides with the General Humberto Delgado’s presidential campaign, the Opposition candidate. His performances also began to take place in popular associations. He composed “Grândola, Vila Morena” in this context. After Mozambique, between 1964 and 1967, having deepened his anti-colonial awareness, he moved to Setúbal. He collaborated with all anti-fascist forces and despite frequently being identified with the PCP (Partido Comunista Português), he is close to the revolutionary left. He sympathizes with LUAR (Liga de Unidade e Acção Revolucionária), created in 1967, known for the robbery of the Bank of Portugal in Figueira da Foz. After the 25th of April, in solidarity with the workers and grassroots dynamics, internationalist, he was enthusiastic about the Popular Power project, expressed in many of his songs. LUAR ended in 1976, but José Afonso remained an activist in the field of the revolutionary left, although without any party involvement.

Resumo José Afonso, no Algarve entre 1958 e 1964, procede à renovação da sua obra musical. Esse processo coincide com a campanha presidencial do general Humberto Delgado, candidato da Oposição. As suas atuações passam também a fazer-se nas associações populares. Foi nesse contexto que compôs “Grândola, Vila Morena”. Depois de Moçambique, entre 1964 e 1967, aprofundada a consciência anticolonial, vai residir para Setúbal. Colaborou com todas as forças antifascistas e apesar de frequentemente identificado com o PCP (Partido Comunista Português), mostra-se próximo da esquerda revolucionária. Simpatiza com a LUAR (Liga de Unidade e Acção Revolucionária), criada em 1967, conhecida pelo assalto ao Banco de Portugal na Figueira da Foz. Após o 25 de Abril, solidário com os trabalhadores e as dinâmicas populares de base, internacionalista, entusiasmou-se com o projeto do Poder Popular, traduzido em muitas das suas canções. A LUAR extinguiu-se em 1976, mas José Afonso manteve-se ativista no campo da esquerda revolucionária, ainda que sem envolvimento partidário.

Abstract This article focuses on the activity of the Coro da Juventude Musical Portuguesa (JMP, Choir of Lisbon), of Lisbon, from the end of the 1960s (c. 1969) until the end of the Portuguese revolutionary period (c. 1976). Considering that, throughout these periods, this choir sought to introduce innovative approaches in the processes of selection, interpretation and presentation of diverse repertoires in different contexts, I highlight the aesthetic and political meanings given by its members to practices that contributed to the dissemination of musical expressions originated from various regions of the country, as a way of appreciation of Portuguese popular culture. With the 25th of April 1974, I observe the reconfiguration of practices and repertoires and describe some of the different paths of the members of the JMP Choir, focusing on their activity and influence in the context of musical groups associated with political-party organizations.

Resumo Este artigo centra-se na atividade do Coro da Juventude Musical Portuguesa (JMP), de Lisboa, desde finais da década de 1960 (c. 1969) até ao fim do período revolucionário português (c. 1976). Considerando que, ao longo destes períodos, este coro procurou imprimir abordagens inovadoras nos processos de seleção, interpretação e apresentação de repertórios diversificados em diferentes contextos, destaco os significados estéticos e políticos conferidos pelos seus membros a práticas que contribuíram para a divulgação de expressões musicais oriundas de várias regiões do país, enquanto forma de valorização da cultura popular portuguesa. Com o 25 de Abril de 1974, observo a reconfiguração de práticas e repertórios e descrevo alguns dos diferentes percursos dos membros do Coro da JMP, visando a sua atividade e influência no contexto de grupos musicais associados a organizações político-partidárias.

Resumo Este trabalho apresenta uma análise da canção "Pelas Tabelas", de Chico Buarque, e explora sua principal alusão: a figura bíblica de João Batista como símbolo de resistência à tirania, à violência e à irracionalidade. Buarque usa poesia, ironia e referências à cultura brasileira para criar uma história de amor e alienação com intensidade patética. O trabalho contextualiza a canção no âmbito da obra musical de Buarque e no momento político da história brasileira - os anos 80 - em que um grande movimento para o restabelecimento da democracia estava a caminho: o movimento chamado “Diretas Já”. Esta análise propõe um diálogo com os campos dos estudos culturais, da teologia e da literatura. Mostra que o canto de Buarque está imbuído da poética, do profético e do patético. Pelas Tabelas, Tabelas , Tabelas" alusão tirania irracionalidade poesia patética 8 caminho Diretas Já. Já . Já” culturais literatura poética patético

Abstract This paper presents an analysis of the song “Pelas Tabelas”, by Chico Buarque, and explores its main allusion: the Biblical figure of John the Baptist as a symbol of resistance to tyranny, violence, and irrationality. Buarque uses poetry, irony, and references to Brazilian culture in order to create a story of love and alienation with pathetic intensity. The paper contextualizes the song in the context of Buarque’s musical oeuvre and in that particular political moment in Brazilian history - the 1980s - in which a great movement for the reestablishment of democracy was on its way: the movement called Diretas Já. This analysis proposes a dialogue with the fields of cultural studies, theology, and literature. It shows that Buarque’s song is imbued with the poetic, the prophetic, and the pathetic. Pelas Tabelas, Tabelas , Tabelas” allusion tyranny violence irrationality poetry irony intensity Buarques s way Já studies theology literature poetic prophetic

Resumen Este artículo presenta un análisis de la canción "Pelas Tabelas", de Chico Buarque, y explora su principal alusión: la figura bíblica de Juan el Bautista como símbolo de resistencia a la tiranía, la violencia y la irracionalidad. Buarque utiliza la poesía, la ironía y las referencias a la cultura brasileña para crear una historia de amor y alienación de intensidad patética. El trabajo contextualiza la canción en el ámbito de la obra musical de Buarque y en el momento político de la historia brasileña -la década de 1980- en la que estaba en marcha un gran movimiento por el restablecimiento de la democracia: el movimiento llamado “Diretas Já”. Este análisis propone un diálogo con los campos de los estudios culturales, la teología y la literatura. Muestra que la canción de Buarque está impregnada de lo poético, lo profético y lo patético. Pelas Tabelas, Tabelas , Tabelas" alusión tiranía irracionalidad poesía patética 1980 democracia Diretas Já. Já . Já” culturales literatura poético patético 198 19 1

In this article, I describe the translation process from Portuguese into Brazilian Sign Language (Libras) of the song Zumbi, composed and recorded by Jorge Ben Jor in 1974 and re-recorded by Ellen Oléria in 2013. The social and intersubjective backdrop for this translation is my relationship, as an Afro-indigenous man, with my own ancestry and, as a sign language translator and interpreter, with the lack of access by the deaf community, for educational and linguistic reasons, to Afro- Brazilian culture and, for sensory and cultural aspects, to massive Brazilian popular music. This double identity dimension is intertwined with the possibility of publicizing anti-racist demonstrations and the defense of ethnic-racial guidelines on Black Awareness Day on widely accessible platforms such as social networks. The annotated translation presented here is theoretically based on the Bakhtinian conception of language, which understands that any semiosis is crossed and constituted by the social, historical, ideological, and alteritarian dimension; the Camposian concept of transcreation, which assumes that the complexity of a text expands the translator’s transcreative possibilities; and the concept of intermodality present in Sign Language Translation and Interpretation Studies (ETILS), which observes the impossibility of splitting text and body in gesture-visual languages. I describe the translation process of the song pointing out the linguistic and narrative elements of the song and the Libras version, and highlighting the visual references that supported the linguistic-discursive choices in the target text.

Neste artigo descrevo o processo de tradução da canção Zumbi, composta e gravada por Jorge Ben Jor em 1974 e regravada por Ellen Oléria em 2013, para a língua brasileira de sinais (Libras). O pano de fundo social e intersubjetivo para essa tradução é a minha relação, como homem afro-indígena, com a minha própria ancestralidade e, como tradutor e intérprete de língua de sinais, com a falta de acesso da comunidade surda, por questões educacionais e linguísticas, à cultura afro- brasileira e, por questões sensoriais e culturais, às músicas populares brasileiras massivas. Essa dupla dimensão identitária se imbrica na possibilidade de publicizar manifestações antirracistas e de defesa de pautas étnico-raciais no Dia da Consciência Negra em plataformas de amplo acesso como as das redes sociais. A tradução comentada aqui apresentada fundamenta- se, teoricamente, na concepção bakhtiniana de linguagem, que entende que qualquer semiose é atravessada, constituída e sustentada na alteridade e nas dimensões social, histórica e ideológica, o conceito camposiano de transcriação, que assume que a complexidade de um texto amplia as possibilidades transcriativas do tradutor e o conceito de intermodalidade presente nos Estudos da Tradução e da Interpretação da Língua de Sinais (ETILS), que observa a impossibilidade de cisão entre texto e corpo em línguas de modalidade gesto-visual. Descrevo o processo de tradução da canção apontando para os elementos linguísticos e narrativos da canção e da versão em Libras evidenciando as referências visuais que sustentaram as escolhas linguístico-discursivas no texto-alvo.

ABSTRACT In this article, I describe the translation process from Portuguese into Brazilian Sign Language (Libras) of the song Zumbi, composed and recorded by Jorge Ben Jor in 1974 and re-recorded by Ellen Oléria in 2013. The social and intersubjective backdrop for this translation is my relationship, as an Afro-indigenous man, with my own ancestry and, as a sign language translator and interpreter, with the lack of access by the deaf community, for educational and linguistic reasons, to Afro- Brazilian culture and, for sensory and cultural aspects, to massive Brazilian popular music. This double identity dimension is intertwined with the possibility of publicizing anti-racist demonstrations and the defense of ethnic-racial guidelines on Black Awareness Day on widely accessible platforms such as social networks. The annotated translation presented here is theoretically based on the Bakhtinian conception of language, which understands that any semiosis is crossed and constituted by the social, historical, ideological, and alteritarian dimension; the Camposian concept of transcreation, which assumes that the complexity of a text expands the translator’s transcreative possibilities; and the concept of intermodality present in Sign Language Translation and Interpretation Studies (ETILS), which observes the impossibility of splitting text and body in gesture-visual languages. I describe the translation process of the song pointing out the linguistic and narrative elements of the song and the Libras version, and highlighting the visual references that supported the linguistic-discursive choices in the target text. article (Libras Zumbi 197 rerecorded re 2013 relationship Afroindigenous Afro indigenous man interpreter community reasons aspects music antiracist anti racist ethnicracial ethnic racial networks historical ideological transcreation translators s possibilities ETILS, ETILS , (ETILS) gesturevisual gesture languages version linguisticdiscursive discursive 19 201 (ETILS 1 20 2

RESUMO Neste artigo descrevo o processo de tradução da canção Zumbi, composta e gravada por Jorge Ben Jor em 1974 e regravada por Ellen Oléria em 2013, para a língua brasileira de sinais (Libras). O pano de fundo social e intersubjetivo para essa tradução é a minha relação, como homem afro-indígena, com a minha própria ancestralidade e, como tradutor e intérprete de língua de sinais, com a falta de acesso da comunidade surda, por questões educacionais e linguísticas, à cultura afrobrasileira e, por questões sensoriais e culturais, às músicas populares brasileiras massivas. Essa dupla dimensão identitária se imbrica na possibilidade de publicizar manifestações antirracistas e de defesa de pautas étnico-raciais no Dia da Consciência Negra em plataformas de amplo acesso como as das redes sociais. A tradução comentada aqui apresentada fundamentase, teoricamente, na concepção bakhtiniana de linguagem, que entende que qualquer semiose é atravessada, constituída e sustentada na alteridade e nas dimensões social, histórica e ideológica, o conceito camposiano de transcriação, que assume que a complexidade de um texto amplia as possibilidades transcriativas do tradutor e o conceito de intermodalidade presente nos Estudos da Tradução e da Interpretação da Língua de Sinais (ETILS), que observa a impossibilidade de cisão entre texto e corpo em línguas de modalidade gesto-visual. Descrevo o processo de tradução da canção apontando para os elementos linguísticos e narrativos da canção e da versão em Libras evidenciando as referências visuais que sustentaram as escolhas linguístico-discursivas no texto-alvo. Zumbi 197 2013 Libras. . (Libras) relação afroindígena, afroindígena afro indígena, indígena afro-indígena surda linguísticas culturais massivas étnicoraciais étnico raciais sociais fundamentase teoricamente linguagem atravessada ideológica transcriação ETILS, ETILS , (ETILS) gestovisual. gestovisual gesto visual. visual gesto-visual linguísticodiscursivas linguístico discursivas textoalvo. textoalvo alvo. alvo texto-alvo 19 201 (Libras (ETILS 1 20 2

Abstract Music has been a force for social cohesion and a site of politicized consciousness for the migrants of the Haitian diaspora as early as the outbreak of the Haitian Revolution (1791-1804). This essay explores Vodou Jazz movement of Haiti during and after the United States occupation (1915-1934) by connecting this 20th century movement to Haitian migration to New Orleans in the early 19th century. Both are expressions of transcarribean culture (“the common wind”) which spread the news and militancy of the Haitian Revolution through popular song and dance. Rather than passive victims to enslavement, forced migration, and economic imperialism, this essay demonstrates how multiple transnational communities made sense of their world through a sophisticated aural culture which challenged imperialism, slavery, and the plantation mode of production. 17911804. 17911804 1791 1804 . (1791-1804) 19151934 1915 1934 (1915-1934 th wind wind” dance enslavement imperialism slavery production 1791180 179 180 (1791-1804 1915193 191 193 (1915-193 179118 17 18 (1791-180 191519 19 (1915-19 17911 1 (1791-18 19151 (1915-1 (1791-1 (1915- (1791- (1915 (1791 (191 (179 (19 (17 (1 (

Resumen La música ha sido una fuerza de cohesión social y un espacio de conciencia politizada para los emigrantes de la diáspora haitiana desde el estallido de la Revolución Haitiana (1791-1804). Este ensayo explora el movimiento Vodou Jazz de Haití, durante y después de la ocupación estadounidense (1915-1934), conectando este movimiento del siglo XX con la migración haitiana a Nueva Orleans a principios del siglo XIX. Ambos son expresiones de la cultura transcaribeña ("el viento común") que difundió las noticias y la militancia de la Revolución haitiana a través del canto y la danza populares. En lugar de ser víctimas pasivas de la esclavitud, la migración forzada y el imperialismo económico, este ensayo demuestra cómo múltiples comunidades transnacionales dieron sentido a su mundo a través de una sofisticada cultura auditiva que desafiaba al imperialismo, la esclavitud y el modo de producción en las plantaciones. 17911804. 17911804 1791 1804 . (1791-1804) Haití 19151934, 19151934 1915 1934 , (1915-1934) XIX común común" populares económico plantaciones 1791180 179 180 (1791-1804 1915193 191 193 (1915-1934 179118 17 18 (1791-180 191519 19 (1915-193 17911 1 (1791-18 19151 (1915-19 (1791-1 (1915-1 (1791- (1915- (1791 (1915 (179 (191 (17 (19 (1 (

ABSTRACT The present article, which is theoretical, bibliographical as well as phonographic-documental in nature, aims to reflect on how daily life influenced Jackson do Pandeiro’s compositions and interpretations. Moments of Jackson do Pandeiro’s trajectory and excerpts of songs were selected to expose the importance of daily life for his work. The article shows that Jackson do Pandeiro’s works establish a dialectic relationship with the society that raised him, enabling listeners to access a critical potency. This potentiality grants them a new set of lenses to interpret daily life, which, in turn, is the cradle of artists’ inspiration. This set of factors led the musical sphere as well as some of the Brazilian intellectual elite to consider Jackson do Pandeiro the King of Rhythm in the Música Popular Brasileira, MPB [Brazilian Folk Music]. theoretical phonographicdocumental phonographic documental nature Pandeiros s interpretations work him potency turn artists inspiration Brasileira Music. Music . Music]

RESUMO O presente artigo, de natureza teórico, bibliográfica e fonográfico-documental, objetiva realizar uma reflexão acerca de como o cotidiano influencia as composições e as interpretações de Jackson do Pandeiro. Para isso, elegeram-se alguns traços da trajetória do músico paraibano. Para efeito do texto, recortam-se determinadas canções do artista com o intuito de demonstrar a importância do cotidiano para a obra do cantor. A título de considerações, o artigo documenta que a obra do músico, em relação dialética com a sociedade que o cria, possibilita que os receptores tenham acesso a uma potência crítica. Essa potencialidade dota os receptores de uma nova lente para interpretar o cotidiano, o qual, por sua vez, é o solo próprio de nascimento das inspirações musicais do artista. Esse conjunto de fatores levou o meio musical e parte da intelectualidade brasileira a considerar Jackson do Pandeiro o Rei do Ritmo da chamada Música Popular Brasileira (MPB). teórico fonográficodocumental, fonográficodocumental fonográfico documental, documental fonográfico-documental isso elegeramse elegeram se paraibano texto recortamse recortam cantor considerações cria crítica qual vez MPB. MPB . (MPB) (MPB

Resumen Este artículo tiene como objetivo analizar la construcción subjetiva de un rapero de Ciudad Autónoma de Buenos Aires en su obra artística y su vida cotidiana. Se plantea que la forma de elaborar su personaje público se relaciona con las categorías nativas de “jugársela” y “estar jugado”, lo que se conecta a corrientes de individualización más amplias asociadas al uso de las redes sociales, la espiritualidad de la Nueva Era, la psicologización y el propio dispositivo rapero. De esta forma -mediante el análisis de letras de canciones, video clips, posteos en Instagram, situaciones de campo y entrevistas-, se describe cómo Núcleo -el rapero en cuestión- presenta sus “fragilidades” y “fuerzas” enfatizando su activación personal y las relaciones con otros; extiende sus vínculos a las “energías”; se exhibe como alguien apegado a la “cultura hip-hop”; y como una persona responsable ante su familia. De tal modo, establece una particular relación entre lo individual y lo colectivo que permite indagar en una singular figura de individuo presente en las clases populares de la Argentina contemporánea, que se diferencia de un tipo de individualismo que se adjudica a las concepciones neoliberales.

Abstract This article aims to analyze the subjective construction of a Buenos Aires rapper, in his artistic work and his daily life. It is claimed that the way he elaborates his public character is related to the native categories of “jugársela” (“take a risk”) and “estar jugado” (“in a bind”), which are connected with the broader currents of individualization associated with the use of social networks, the spirituality of the New Age, psychologization, and the rapper device itself. In this way -through the analysis of song lyrics, video clips, Instagram posts, field situations and interviews- it is shown how Núcleo -the rapper in question- presents his “weaknesses” and “strengths”, emphasizing his personal activation and relationships with others; extends its links to “energies”; exhibits himself as someone attached to “hip-hop culture”; and describes himself as a person responsible for his family. In this way, it establishes a particular relationship between the individual and the collective that allows us to investigate a singular figure of the individual presents in the popular classes of contemporary Argentina, which is different from the type of individualism that is attributed to neoliberal conceptions.

Abstract The purpose of this article is to think about the circulation, reception and uses of popular song as instances that produce meaning, which can transform the discursive content of a song and even multiply it. In order to achieve this aim, we propose to reconstruct some traces of the personalized and social biography of the song «Uma casa portuguesa», from its composition in Mozambique in the 50s, its subsequent appropriation by a Salazarist Portugal, until its landing in Argentina. In particular, we will focus on the disagreements in the discursive decoding of the song. If for years many Portuguese fadistas refused to sing «Uma casa portuguesa» because they considered it a symbol of the mechanisms of numbing and publicity used by the Estado Novo, for the descendants of the Portuguese immigration in Argentina, this song acquired other connotations when it became an emblem of identity. We conceive popular songs as intermediary products, whose semiotic complexity converges from the interaction between lyrics, music, interpretation, circulation, mediation, edition and visual narrative.

Resumen La finalidad del presente artículo es reflexionar sobre la circulación, la recepción y los usos de la canción popular como instancias productoras de sentido, susceptibles de transformar su contenido discursivo y, en último término, multiplicar el objeto canción. Para ello, nos proponemos reconstruir algunos trazos de la biografía personalizada y social de la canción «Uma casa portuguesa», desde su composición en Mozambique en los años 50, su posterior apropiación por un Portugal salazarista, hasta su desembarco en Argentina. En particular nos detendremos en las disidencias en la decodificación discursiva de la canción: si durante años muchos fadistas portugueses se negaron a cantar «Uma casa portuguesa» por considerarla un símbolo de los mecanismos de adormecimiento y promoción del statu quo empleados por el Estado Novo, para los descendientes de la inmigración portuguesa en la Argentina dicha canción adquirió otras connotaciones al erigirse como emblema identitario. Partimos de la concepción de las canciones populares como productos intermediales cuya complejidad semiótica converge de la interacción entre letra, música, interpretación, circulación, mediación, edición y narrativa visual.

Jumping over the broom in African and African-American contexts symbolises the bride's commitment to clean the house and yard of the new home she is joining-to perform service through labour. In South Africa, a popular cultural song, Fiela Ngwanyana (sweep [the yard] girl), is often sung at traditional wedding ceremonies to usher the makoti (bride) into the groom's family and is laden with meanings. Through singing, dancing, and sweeping the path clean for their new makoti, the groom's family subtly inform her of the politics of household labour to come. I focus on a specific stanza in the song and make connections between the broom, the makoti and mamazala (mother-in-law)'s relationships, and the themes of femininity and domesticity. I argue how brooms are used as symbolic tools of othering and suppression within the marital home. I discuss how the broom - a docile, mundane, handmade object-transcends its original, functional use and becomes highly charged with meaning as a signifier of femininity, domesticity, and subservience. In order to unpack the broom's nuanced meanings, I refer to a selection of Usha Seejarim's works, in which she features brooms and transforms them into objects of transgression and reclaiming power.

Don't Make Me Over (2021) is a videographic piece by South African artist Farieda Nazier comprising performance, music, poetry, curated settings, and sculptural assemblages, which forms part of her Post(erity) Project. The title-Don't Make Me Over-is based on the 1962 song of the same name originally recorded by Dionne Warwick and later covered by Sybil in 1987. While an integral and fundamental component of the work, the artist emphasises that her interpretation of the popular hit is not a music video. Throughout this article, I discuss how Nazier enacts scenes of both compliance and defiance against the conflation of femininity and the domestic milieu, and the embodied violence of patriarchal norms dictating feminine 'beauty' and behaviours-the former exasperated by a history of racialised oppression and unequal power relationships in South Africa, which further conflate blackness with labour, but particularly domestic labour. Moreover, I examine how the video implies an abusive relationship dynamic in which the female subject appears entangled, set against the backdrop of The Forge theatre in Johannesburg, thereby implying the masquerade of gender identity and emphasising the narrative quality of the work as a whole.

Resumen En este artículo, se hace un acercamiento teórico-metodológico al reconocer que Colombia es un país suramericano en el que la palabra resistencia ha cobrado vigencia, como es en los casos de ¡Colombia resiste!, Puerto resistencia (en Cali), y Portal de la resistencia (en Bogotá). Un paro nacional surgido a raíz de una reforma a la ley tributaria (abril, 2021), llevó al enfrentamiento de amplios sectores de la población contra el gobierno; durante los meses de protesta circuló por las redes sociales un conjunto de video-canciones en el que se daba cuenta de la situación prevaleciente en diferentes regiones del territorio. El propósito de este texto es reconocer la trama de discursos narrativos y los significados culturales que se manifiestan a través de la música popular; estos causan impacto entre los participantes y simpatizantes del paro nacional, porque a través de las canciones convocan a la resistencia-insumisión (Todorov, 2016), por ejemplo, el rechazo a las formas que sustentan la política nacional (Ruiz, 2018) y avizoran un ideal compartido. Se seleccionaron seis canciones constitutivas de una semiosfera artística, de un texto musicalizado que guarda relación con la cultura y con un sistema de códigos (Lotman, 1996), que en este documento se considera objeto de estudio particular de un todo, no discreto y segmentado en rasgos distintivos que se representan mediante cadenas de símbolos factibles de interpretarse en el contexto sociocultural.

Ressumo Neste artigo de reflexão teórico-metodológica, reconhece-se que a Colômbia é um país sul-americano em que a palavra resistência ganhou força. Puerto Resistencia (em Cali), Portal de la Resistencia (em Bogotá). Uma greve nacional que surgiu como resultado de uma reforma tributária (abril de 2021) levou ao confronto de amplos setores da população contra o governo. Durante os meses de protesto, circulou nas redes sociais um conjunto de vídeos-músicas em que se noticiava a situação prevalecente em diferentes regiões do território. O objetivo deste estudo é reconhecer a trama dos discursos narrativos e os significados culturais que se manifestam por meio da música popular; estes causam impacto entre os participantes e simpatizantes da greve nacional, pois através das canções clamam pela resistência-recusa (Todorov, 2016), por exemplo, a rejeição das formas que sustentam a política nacional (Ruiz, 2018) e vislumbram uma ideal compartilhado. Foram selecionadas seis canções constitutivas de uma semiosfera artística, de um texto musicalizado que se relaciona com a cultura e com um sistema de códigos (Lotman y Escuela de Tartu, 1979); O conjunto dessas expressões artísticas é considerado objeto de estudo particular de um todo, não discreto e segmentado em traços distintivos que são representados por cadeias de símbolos. Da análise realizada, deduz-se que os símbolos presentes nas canções são viáveis de interpretar no contexto sociocultural da Colômbia, e que estes, através do uso de uma linguagem poética, dão conta de processos de recuperação da memória histórica.

Abstract In this theoretical-methodological approach, it is recognized that Colombia is a South American country in which the word resistance has become active, such as Colombia resists! Puerto Resistencia (in Cali), Portal de la Resistencia (in Bogotá). A national strike that arose as a result of a tax law reform (April 2021) led to the confrontation of broad sectors of the population against the government. During the months of protest, a set of video songs circulated on social networks in which the prevalent situation in different regions of the territory was reported. The purpose of this study is to recognize the plot of narrative discourses and the cultural meanings that are manifested through popular music. These discourses cause an impact on the participants and supporters of the national strike because through the songs they call for resistance-insubordination (Todorov, 2016), for example, the rejection of the forms that support national politics (Ruiz, 2018) and envision a shared ideal. Six constitutive songs of an artistic semi spheres were selected, of a musicalized text that is related to the culture and a system of codes (Lotman, 1996), which in this exhibition is considered an object of study and representative of a whole, not discreet and segmented into distinctive features that are represented by chains of symbols that can be interpreted in the sociocultural context.

Resumen Aceptando la invitación que nos realiza el proyecto de los estudios culturales y dentro del seminario Literatura y Estudios Culturales de la Maestría en Pedagogía de la Literatura de la Universidad del Tolima, la pesquisa del presente artículo reflexivo se enmarca en la recreación de una minga literaria, académica y musical en donde, por medio de la disección de la canción La cucharita de Jorge Velosa y su diálogo con algunas ilustraciones bajo la técnica de collage, nos aproximemos a las construcciones culturales populares con relación a la ruralidad y algunas de las tensiones que allí se desenvuelven. Así mismo, el artículo que el lector y la lectora tiene ante sí, se presenta a manera de denuncia, memoria, voz e invitación para los y las que se encuentran al margen, generando de manera transversal y tejida con la palabra, una posible propuesta educativa que permita ampliar el horizonte de sentido desde las literaturas otras y su diálogo con los escenarios de educación popular, campesina y formal. Es necesario advertir que, con la lectura del presente artículo reflexivo, se abre la posibilidad del des-encuentro y el des-ajuste en torno a nuestros lugares cotidianamente habitados, sin embargo, lo que se busca es precisamente des-ubicarnos de aquellos lugares de enunciación.

Resumo Aceitando o convite que nos realiza o projeto dos estudos culturais e dentro do seminário de Literatura e Estudos Culturais da Universidad del Tolima, a pesquisa do presente artigo reflexivo se enquadra na recreação de uma Minga literária, acadêmica e musical onde, por meio da dissecação da canção la cucharita de Jorge Veloza, e o diálogo com algumas ilustrações criadas usando a técnica do colagem, nos aproximemos das construções culturais populares com relação à ruralidade e algumas das tensões sociais que ali se desenvolvem. Da mesma forma, o artigo que o leitor e a leitora têm diante, apresenta-se uma como denúncia, memória, voz e convite para aquelas pessoas que se encontram à margem, gerando de maneira transversal e tecida com a palavra, uma possível proposta educativa que permita ampliar o horizonte de sentido a partir das "literaturas outras" e seu diálogo com os cenários de educação popular, camponesa e formal. É necessário advertir que, com a leitura do presente artigo reflexivo, abre-se a possibilidade do desencontro e o desajuste em torno de nossos lugares cotidianamente habitados, porém, o que se busca é precisamente deslocalizar-nos de aqueles lugares de enunciação.

Abstract Accepting the invitation made by the project of cultural studies and the Literature and Cultural Studies seminar, taken in the master's degree program in Pedagogy of Literature of Universidad del Tolima, the present article attempts to create a literary, academic, and musical Minga by analyzing the song La cucharita, composed by Jorge Velosa, and setting up a dialogue with some illustrations created using the collage technique. Those analysis will lead to an understanding of popular cultural creations related to the countryside life and all the social tensions lived there. Furthermore, it attempts to be a denunciation, a reminiscence, a voice, and an invitation for all the ones that are working transversally on a new educative proposal that strives to broaden a new horizon, based on the "other literature" and its dialogue with popular, rural, and formal education. It is also crucial to mention that this article will be an opportunity to disengage ourselves and relocate us from our places of enunciation.

Resumen Este artículo se centra en la letra de la canción popular titulada “Baracunátana” para describir y analizar la cultura machista en las relaciones de género. La historia narrada en la canción, con su entramado machista, a un nivel microsocial, es el punto de partida de una exploración sobre los conflictos de género. A continuación, el artículo examina las consecuencias macrosociales de la cultura machista y, en especial, su influencia en la violencia de género. Esas problemáticas, micro y macro, son las bases para emprender una revisión crítica de las principales políticas y acciones de control penal desarrolladas para combatir la violencia en las relaciones de género en el sistema jurídico colombiano. Como resultado, se identifican varios nodos críticos que neutralizan e impiden un manejo adecuado de este tipo ascendente de violencia. Esto permite demostrar que las políticas en materia penal han derivado, con preocupante ineficacia, pese al sensacionalismo y la algarabía política que hacen, en un inoficioso populismo penal. En contraposición, el artículo propone dar prioridad al desarrollo de políticas sociales contra el machismo, cuyo objetivo sería afectar las disposiciones de poder, porque el problema de Baracunátana no es de amor, ni de celos, es una cuestión de poder.

Abstract This article focuses on the lyrics of the popular song “Baracunátana” to describe and analyze the machista culture in gender relations. The story narrated in the song, with its machista framework, at a micro-social level, is the starting point for an exploration of gender conflicts. The article then examines the macro-social consequences of macho culture and, in particular, its influence on gender violence. These micro and macro issues are the basis for a critical review of the main policies and criminal control actions developed to combat violence in gender relations in the Colombian legal system. As a result, several critical nodes are identified that neutralize and impede an adequate management of this ascending type of violence. This allows demonstrating that criminal policies have derived, with worrying ineffectiveness, despite the sensationalism and political hullabaloo they make, in an ineffective criminal populism. In contrast, the article proposes to give priority to the development of social policies against machismo, whose objective would be to affect the dispositions of power, because the problem of Baracunátana is not one of love or jealousy, it is a question of power.

Resumo Este artigo enfoca a letra da canção popular “Baracunátana” para descrever e analisar a cultura machista nas relações de gênero. A história contada na canção, com sua estrutura machista, em nível micro-social, é o ponto de partida para uma exploração dos conflitos de gênero. O artigo examina então as conseqüências macro-sociais da cultura machista e, em particular, sua influência sobre a violência baseada no gênero. Essas questões micro e macro são a base para uma revisão crítica das principais políticas e ações de controle penal desenvolvidas para combater a violência nas relações de gênero no sistema jurídico colombiano. Como resultado, são identificados vários nós críticos que neutralizam e impedem uma gestão adequada deste tipo de violência. Isto torna possível demonstrar que as políticas de justiça criminal se tornaram, com preocupante ineficácia, apesar do sensacionalismo e do alarido político que geram, um populismo criminoso ineficaz. Em contraste, o artigo propõe dar prioridade ao desenvolvimento de políticas sociais contra o machismo, cujo objetivo seria afetar as disposições de poder, pois o problema de Baracunátana não é de amor ou ciúme, é uma questão de poder.

Resumen: Este texto propone una reflexión acerca de la asimilación que el músico británico David Bowie hizo de la ciencia ficción, específicamente en su canción de 1969, “Space Oddity” a partir de un análisis comparativo entre la canción y las obras literarias y cinematográficas que le sirvieron de inspiración. Este artículo propone una lectura sobre la forma en que una creación pop puso en evidencia el tema de la soledad y el desarraigo que implicaban los nacientes viajes espaciales. Bowie, en su propuesta musical, explora la nostalgia y el distanciamiento que experimenta el viajero espacial y los estados psíquicos y emocionales que pueden surgir en un mundo que se ve por primera vez expuesto a un nuevo tipo de soledad: la soledad cósmica. En este cruce entre ciencia ficción y pop surgen líneas de reflexión sobre los límites entre alta cultura y cultura popular, la legitimación de los discursos artísticos y la masificación del arte.

Abstract: This text proposes a reflection on the assimilation that the British musician David Bowie made of Science Fiction, specifically in his 1969 song, “Space Oddity”. Based on a comparative analysis between the song and the literary and cinematographic works that serve as his inspiration, this article proposes a reading of how a pop creation brought to light the theme of loneliness and uprootedness implied by nascent space travel. Bowie, in his musical proposal, explores the nostalgia and estrangement experienced by the space traveler. He also explores the psychic and emotional states that can arise in a world that is, for the first time, exposed to a new type of loneliness: cosmic loneliness. At this crossroads between science fiction and pop, reflection lines emerge on the limits between high culture and popular culture, as well as the legitimization of artistic discourses and the massification of art.