Resumo Parte da poesia de Abigael Bohórquez (1936-1995) pode ser lida como poesia de testemunho homossexual. Especificamente, sua última coletânea de poemas, seu testamento poético, Poesida (1996), permite essa leitura, pois esse documento cruel, mas solidário, busca envergonhar o discurso heteronormativo, aquele que reagiu condenando as práticas homossexuais no auge da pandemia Hiv/Aids nas décadas de 1980 e 1990 do século XX. A Poesida será estudada a partir da poética da deturpação, como proposta de análise para a resistência dissidente à normalização discursiva que a coletânea de poemas oferece, tanto no confronto da tradição literária, quanto no espaço poético e na autobiografia referências. Bohórquez constrói um mural, um testemunho, uma série de canções e retratos para não esquecer, dignificar e resistir à vergonha com que tentaram classificar aqueles que morreram com o peso do estigma e da culpa.

Resumen Parte de la poesía de Abigael Bohórquez (1936-1995) puede leerse como poesía de testimonio homosexual. Específicamente, su último poemario y testamento poético, Poesida(1996), avala esa lectura, puesto que se trata de un documento cruel pero solidario que busca poner la vergüenza del lado del discurso heteronormativo, aquel que reaccionó condenando las prácticas homosexuales en el apogeo de la pandemia de VIH/sida entre los años ochenta y noventa del siglo XX. Se estudiará Poesida desde la propuesta de una “poética del tergiversar”, con el objetivo de analizar las resistencias disidentes que ofrece el poemario a la normalización discursiva tanto en la confrontación con la tradición literaria, como en el espacio poético y en las referencias autobiográficas. Bohórquez construye un mural, un testimonio, una serie de cantos y retratos para no olvidar, para dignificar y resistir la vergüenza con la que se trató de encasillar a quienes murieron con el peso del estigma y de la culpa.

Abstract Part of the poetry of Abigael Bohórquez (1936-1995) can be read as poetry of homosexual testimony. Specifically, his last collection of poems, his poetic testament, Poesida (1996), allows for this reading, since this cruel but supportive document seeks to put shame on the side of the heteronormative discourse, the one that reacted by condemning homosexual practices at the height of the Hiv/Aids pandemic in the 1980s & 1990s of the 20th century. Poesida will be studied from the poetics of misrepresentation, as a proposal for analysis for the dissident resistance to the discursive normalization that the collection of poems offers, both in the confrontation of the literary tradition, as well as in the poetic space and in the autobiographical references. Bohórquez builds a mural, a testimony, a series of songs and portraits so as not to forget, dignify and resist the shame with which they tried to classify those who died with the weight of stigma and guilt.

ABSTRACT Religious discourse is multiple, challenging and inviting, especially when poetry and theological imagination find themselves expanding their boundaries. Carlos Nejar, poet member of the Brazilian Academy of Letters, in his novel Riopampa: o moinho das tribulações provides us with a wide variety of images, symbols and experiences that can be attributed, among other characteristics, to his involvement with the Sacred from of Pentecostality, since Nejar is a Pentecostal pastor. In this article, we will reflect on the Sacred whirlpool, among other metaphors used by Nejar, to try to answer the question: why can Nejar’s imagination in the novel Riopampa: o moinho das tribulações, within the spectrum of religious discourse, be considered Pentecostal? To this end, we will use the theoretical contribution of Discourse Analysis, under the auspices of Bakhtin and his dialogism, in addition to concise documentary research using the aforementioned Nejarian novel as a basis. multiple inviting boundaries Letters Riopampa images attributed characteristics Pentecostality pastor article whirlpool question Nejars s end Analysis dialogism basis

RESUMO O discurso religioso é múltiplo, desafiador e convidativo, especialmente quando poesia e imaginação teológica se encontram, expandindo suas fronteiras. Carlos Nejar, poeta e membro da Academia Brasileira de Letras, em seu romance Riopampa: o moinho das tribulações, fornece-nos ampla variedade de imagens, símbolos e experiências que podem ser atribuídas, dentre outras características, ao seu envolvimento com o Sagrado a partir da pentecostalidade, uma vez que Nejar é pastor pentecostal. No presente artigo, vamos refletir sobre o redemoinho Sagrado, dentre outras metáforas utilizadas por Nejar, para tentar responder à pergunta: por que a imaginação nejariana no romance Riopampa: o moinho das tribulações, dentro do espectro do discurso religioso, pode ser considerada pentecostal? Para esse fim, utilizaremos o aporte teórico da Análise do Discurso, sob os auspícios de Bakhtin e seu dialogismo, além de uma concisa pesquisa documental tendo o referido romance nejariano como base. múltiplo convidativo encontram fronteiras Letras Riopampa tribulações fornecenos fornece nos imagens atribuídas características pentecostalidade pentecostal artigo pergunta fim Discurso dialogismo base

Zimbabwean literature produced after the attainment of independence has been predominantly engrossed with thematisation of the postcolonial subaltern subjects' existential conditions, enunciated together with gender politics, religion and socio-economic environment that frame politics of difference, and sites of suffering or resistance. These tropes remain absorbing and critical even in contemporary female-authored novels that also engage with a deeply fractured modern-day Zimbabwe. Tsitsi Dangarembga's novel, This Mournable Body, offers important site to debate the enduring concerns of gender inequalities, politics, and religion. A stylistic approach is adopted to identify the semiotic construction of the text and discuss the different styles that are deployed to foreground central tropes in the novel. The adoption of stylistics as an underlying conceptual model locates this current study in the interdisciplinary research which brings together gender, applied linguistics, poetics, politics, and religion, in order to provoke new ways of reading the dialogic and polyphonic elements of the text. The study contends that the politics of difference is an unsettling subject that profoundly impacts on gender relations and religio-political practices in a milieu where precarity is a major defining feature of the subaltern sections comprising women and the marginalised poor. Thus, the novel's title figuratively foregrounds the (un)mournable bodies of the people, who are both dehumanised and heavily burdened by surviving at the margin. CONTRIBUTION: Tsitsi Dangarembga's novel, This Mournable Body demonstrates a deep concern with the plight of the subaltern people in a gendered society and how their conditions of the Othered bodies are further amplified by both religion and politics in present-day Zimbabwe. Thus the study contributes to the mounting discourses about politics of fragmentation and binary practices, and the ensuing agony suffered by the sidelined persons. The adopted stylistic reading of the focus novel underscores the interdisciplinary urgency to literary interpretative process

Abstract Piedra de sol (1957) by Mexican poet Octavio Paz is a long poem. From its publication to the present, it has been the subject of various readings. In this article an analysis of the poem is made and, above all, a description, analysis and classification of the readings provided by specialized critics with the aim of drawing a guideline that explains the logic and evolution of such interpretations. The theoretical concepts of immanence and transcendence are used to expose chronologically those readings that observe in Paz's text a poetic manifesto of a verbal structure or an extratextual discourse (philosophical, religious, anthropological, etc.), or the fusion of these two readings. All this to propose that the notion of rhythm (found in the last readings of the poem) is an analytical and interpretive key that unites the immanent and the transcendent, and represents, therefore, a high point of criticism.

Resumen Piedra de sol (1957) del poeta mexicano Octavio Paz es un poema extenso. Desde su publicación hasta la actualidad ha sido objeto de diversas lecturas. En el presente artículo se hace un análisis del poema y, sobre todo, una descripción, análisis y clasificación de las lecturas aportadas por la crítica especializada con el objetivo de trazar una directriz que explique la lógica y evolución de tales interpretaciones. Se utilizan los conceptos teóricos de inmanencia y trascendencia para exponer cronológicamente aquellas lecturas que observan en el texto de Paz un manifiesto poético de una estructura verbal o un discurso (filosófico, religioso, antropológico, etcétera) extratextual, o la fusión de estas dos lecturas. Todo esto para proponer que la noción de ritmo (encontrada en las últimas lecturas del poema) es una clave analítica e interpretativa que cohesiona lo inmanente y lo trascendente, y representa, por lo tanto, un punto cúspide de la crítica.

Resumen En este artículo se examina la figura de Gregorio Torres Quintero y el despliegue e instrumentalización de su discurso literario en el proceso de construcción de un Heimat narrativo y metalingüístico. Se documenta cómo su aproximación al ejercicio creativo y político de la literatura da vida a un corpus cuya voz amplifica las cualidades y atributos regionales de Colima. Este proceso, más allá de la exaltación de parámetros regionales, establece a Colima como región culturalmente autónoma en el contexto más amplio de la nación y los procesos de conformación que la caracterizaron durante etapas clave del siglo XIX y principios del XX. Con ese fin se explora la relevancia y particularidades dentro de la obra de Torres Quintero del vocablo Heimat, de raíces profundas en la historiografía romántica alemana, como vía de aproximación a su obra poética, cuentística y novelística. Se arguye que, a través de este, se fijan los parámetros de la creación de Colima como una entidad literaria e histórica. En ella, la historia de México y el mundo convergen en sus esferas literarias y geopolíticas. Igualmente, estas se presentan como evidencia de una autoconciencia singular, nutrida y definida por el aislamiento geográfico y un discurso letrado decimonónico en conflicto con dichos atributos. Finalmente, se postula que la literatura de Torres Quintero conlleva una proposición paradójica: la del regionalismo como universalismo, punto neural de la nación, si se considera en el contexto de lo que Ignacio Altamirano predicaba como la “literatura nacional” y la genealogía romántica a la que se afilia la literatura de Torres Quintero.

Abstract This article examines the figure of Gregorio Torres Quintero and the deployment and instrumentalization of his literary discourse in the process of articulating a narrative and metalinguistic Heimat. It is documented how his approach to the creative and political exercise of literature brings to life a corpus whose voice amplifies the regional qualities and attributes of Colima. This process, beyond the exaltation of regional parameters, establishes Colima as a culturally autonomous region within the broader context of nation-building and the processes that characterized it during key stages of the 19th and early 20th centuries. To this end, the relevance, and peculiarities of the term Heimat, deeply rooted in German romantic historiography, are explored as a means of approaching his poetic and narrative work. It is argued that, through this, the parameters for the creation of Colima as a literary and historical entity are set. In it, the history of Mexico and the world converge in its literary and geopolitical spheres. Similarly, these are presented as evidence of a unique self-consciousness, nourished, and defined by geographical isolation and a nineteenth-century lettered discourse in conflict with these attributes. Finally, it is posited that Torres Quintero's literature entails a paradoxical proposition: that of regionalism as universalism, a neural point of the nation if considered in the context of what Ignacio Altamirano preached as "national literature" and the romantic genealogy to which Torres Quintero's literature is affiliated.

Resumen Desde la Modernidad, un nuevo discurso conectado con la ciudad toma dimensión y se aleja de las imágenes superpuestas metafísicamente al hecho material de su existencia. Teniendo en cuenta una particular inversión del pathos de La Habana (devenida, ironizada, resemantizada, ocultada bajo, suplantada por el sintagma La Vana) en la poesía de Jamila Medina Ríos (Holguín, Cuba, 1981), el presente estudio pretende caracterizar a través del método hermenéutico las asunciones tropológicas de las relaciones de los sujetos líricos con un cosmos habanero ridiculizado a partir de un proceso de lexicalización. Si bien se toma como universo la obra poética de Medina es en Anémona (2013) y País de la siguaraya (2017) donde se recrea un poliédrico expediente sobre la capital cubana. Se concluye que las representaciones de La Habana en sus poemarios atentan contra el discurso nacional de ciudad maravilla e imponen una otredad relacionada a veces con lo voluptuoso, lo fisiológico y lo escatológico y a veces con la topofilia por espacios marginales y el road-poem y que revelan a su vez un yo lírico alienado.

Abstract Since Modernity, a new discourse emerges that is intricately connected to the city, moving away from metaphysical images superimposed on the material reality of its existence. Taking into account the specific inversion of the pathos of Havana (ironically transformed, resemantized, concealed under, and supplanted by the phrase “La Vana”) in the poetry of Jamila Medina Ríos (Holguín, Cuba, 1981), the present study aims to characterize, through of the hermeneutic method, the tropological assumptions underlying the relations of the lyrical subjects with a ridiculed Havana cosmos resulting from a process of lexicalization. Although Medina's poetic work is seen as a universe, it is in Anémona (2013) and País de la siguaraya (2017) where multifaceted dossier of the Cuban capital is recreated. The analysis concludes that the representations of Havana in her poetry collections challenge the national discourse of the wondrous city and impose an otherness that is sometimes linked to the voluptuous, the physiological, and the eschatological, and at other times to topophilia through marginal spaces and road poetry, ultimately revealing an alienated lyrical self.

Résumé Les hétéronymes sont une manière poétique de rompre avec le mythe moderne d'un moi indivisible et unifié. La poétique du dandysme hétéronyme trouve dans sa multiplication de soi une poésie en dialogue démocratique avec le monde, loin des rapports hiérarchiques qui visent à juger du bien et du mal. Pour penser un moi hétéronyme, non plus fermé sur lui-même, mais poreux et ouvert à différentes façons de prétendre comprendre le monde, il faut s'appuyer sur des penseurs vitalistes comme Karl Marx, Friedrich Nietzsche, Henri Bergson, Vladimir Safatle, en plus de la philosophie hétéronyme, sensationniste, qui unit le corps à la pensée à travers un discours inquiet et anarchique, qui ne recherche pas l'harmonie, mais une position radicale, moderniste, du regard sur la vie. dun d unifié monde mal luimême, luimême lui même, même lui-même sappuyer s appuyer Marx Nietzsche Bergson Safatle sensationniste anarchique lharmonie, lharmonie l harmonie, harmonie l'harmonie radicale moderniste vie

Abstract Heteronyms are a poetic way to break with the modern myth of an indivisible and one self. The poetics of heteronymic dandyism finds in the multiplication of itself a poetry in democratic dialogue with the world, far removed from the hierarchical relationships that aim to judge right and wrong. In order to think of a heteronymic self, no longer closed in on itself, but porous and open to different ways of pretending to understand the world, it is necessary to draw on vitalist thinkers such as Karl Marx, Friedrich Nietzsche, Henri Bergson, Vladimir Safatle, added to heteronymic sensationalist philosophy, which unites the body and thought through a restless, anarchic discourse, which is not looking for harmony, but a radical, modernist position of looking at life. self world wrong Marx Nietzsche Bergson Safatle philosophy restless discourse harmony radical life

Resumo Os heterônimos são uma forma poética de romper com o mito moderno de um eu indivisível e uno. A poética do dandismo heteronímico encontra na multiplicação de si uma poesia em democrático diálogo com o mundo, afastada das relações hierárquicas que visam julgar o certo e o errado. Para pensar um eu heteronímico não mais encerrado em si mesmo, mas poroso e aberto para diversas formas de fingir compreender o mundo, é preciso basear-se em pensadores vitalistas como Karl Marx, Friedrich Nietzsche, Henri Bergson e Vladimir Safatle, somados à filosofia heteronímica, sensacionista, que une o corpo ao pensamento por meio de um discurso inquieto, anárquico, que não está procurando uma harmonia, mas uma posição radical, modernista, de olhar para a vida. uno mundo errado mesmo basearse basear se Marx Nietzsche Safatle heteronímica sensacionista inquieto anárquico harmonia radical modernista vida

Abstract If necropolitics, according to Achille Mbembe, involves “contemporary forms of subjugation of life to the powers of death,” necropoetics, as proposed here, involves the poetic and gestural interruption of necropolitics. Starting out from a gesture that simulates the act of killing, I ask what sort of anthropology and corresponding mode of writing would be entailed if one were to imaginatively align oneself with that gesture and others like it as they traverse temporal, contextual, and intertextual thresholds - including that between life and death - and the racialized histories recalled thereby. The counter-fabulatory approach taken herein, in pitting the poetic (Black) subtexts of the iterations of this gesture against the varied modes of discourse - ethnographic (part I), historical (part II) and anthropological (part III) - that would capture them, seeks to performatively interrupt the pretense of a neutral language through which necropolitics passes for the continuation of history as usual. Mbembe contemporary death, necropoetics here killing temporal contextual thereby counterfabulatory counter fabulatory herein Black (Black part I, , I) II III them usual

Resumo Se a necropolítica, segundo Achille Mbembe, envolve “formas contemporâneas de subjugação da vida aos poderes da morte”, a necropoética, como aqui proposta, envolve a interrupção poética e gestual da necropolítica. Tomando como ponto de partida um gesto que simula o ato de matar, pergunto que tipo de antropologia e modo de escrever estariam implicados se nós nos alinhássemos imaginativamente com aquele e outros gestos similares, na medida em que esses atravessam limiares temporais, contextuais e intertextuais - incluindo aqueles entre a vida e a morte - e as histórias racializadas que ali emergem. A abordagem contrafabulatória assumida aqui, ao opor os subtextos poéticos (negros) das iterações desse gesto aos vários modos de discurso - etnográfico (parte I), histórico (parte II), e antropológico (parte III) - que os capturam, busca assim interromper performaticamente a presunção de uma linguagem neutra através da qual a necropolítica se faz passar por uma continuação da história de sempre. Mbembe formas morte, , morte” necropoética proposta matar similares temporais emergem negros (negros parte I, I I) II, II II) III capturam sempre

ABSTRACT: In the following article we will analyze the work Relave: material particulado (2021) by Vicente Rivera in light of two conceptual discussions. First, the question of the ruins as an object of aesthetic observation that acquires particular importance during European romanticism and how it is linked with the question of the landscape. Second, poetry as a critical discourse, which will allow us to situate Rivera's work and its themes as a way of thinking about the damages of extractivism in the northern Chilean territory. In this way, we hope to account for the intersections between subjectivity, poetic writing, criticism and landscape that allows us to read other poetics of the country.

RESUMEN: En el siguiente artículo analizaremos la obra Relave: material particulado (2021) de Vicente Rivera a la luz de dos discusiones conceptuales. Primero, la cuestión de las ruinas como objeto de observación estética que adquiere particular importancia durante el romanticismo europeo y cómo se engarza con la cuestión del paisaje. Segundo, la poesía como discurso crítico, que nos permitirá situar la obra de Rivera y sus temas como un modo de pensar los daños del extractivismo en el territorio del norte chileno. De este modo, esperamos dar cuenta de las intersecciones entre subjetividad, escritura poética, crítica y paisaje que nos permita leer otras poéticas del país.

RESUMEN Entre las problemáticas del testimonio del siglo XX legitimado por Casa de las Américas, la crítica enfatizó en la mediación del letrado y su solidaridad con el informante. Algo de estos pasajes y sus traducciones operan en el testimonio andino contemporáneo. Sin embargo, producciones recientes como las del retablista y antropólogo ayacuchano Edilberto Jiménez Quispe, que introducen la imagen a la traducción entre voz y letra para decir dolores, replantean la genealogía del testimonio andino. En esta comunicación, pretendo trazar una serie literaria que emparenta la crónica y el testimonio de Jiménez Quispe con el universo andino en, al menos, dos direcciones: las producciones de Guaman Poma de Ayala y las de José María Arguedas. Del antecedente colonial retoma la imagen como el discurso chillón (Agnoli Quispe, 1998) que tramita un dolor indecible, y de Arguedas, la imbricación entre tarea etnográfica y mirada poética (Paoli, 1992) para construir un saber que excede disciplinas. En Chungui. Violencia y trazos de memoria (2005) y Nuevo coronavirus y buen gobierno. Memorias de la pandemia de COVID-19 en Perú (2021), rastreo una matriz cultural que actualiza el andar del autor colonial y del etnógrafo contemporáneo: el caminante que trajina los Andes, registra penas e injusticias, y traduce mundos.

ABSTRACT Among the problematics stated by the testimony genre of the 20th century legitimized by “Casa de las Américas”, the critic focused on the mediation of the intellectual and his solidarity with the informant. Something of these stories and their translations operates in the contemporary Andean testimony. However, recent artistic productions such as, those made by the Peruvian altarpiece artist and anthropologist from Ayacucho Edilberto Jiménez Quispe, introduce the image to the translation between the oral and the written to speak about sorrows and raise the genealogy of the Andean testimony. In this article, I pretend to trace a literary series which links the testimony of Jiménez Quispe with the Andean universe in, at least, two ways: the productions of both, GuamánPoma de Ayala and José MaríaArguedas. From the colonial antecedent, the series takes the introduction of the image as a squeaky discourse (AgnoliQuispe, 1998), which conveys an unspeakable pain, and, from Arguedas, the connection between the ethnographic area and the poetic view (Paoli, 1992), in order to build a knowledge which goes beyond the disciplines themselves. In Cungui, Violencia y trazos de memoria (2005) and Nuevo coronavirus y buen gobierno. Memorias de la pandemia de COVID-19 enPerú (2021), I track a cultural matrix which updates the journey of the colonial author and the contemporary ethnographer: the walker who comes and goes in the Andes, records sorrows and injustices, and translates worlds.

Resumo Análise da poesia de Adília Lopes e discussão sobre como o gesto de leitura, segundo a perspectiva do arquivo contemporâneo, desconstrói os significados originais para a criação de novos acontecimentos textuais. Nos processos de reescrituras adilianas, destacam-se as práticas de apropriação e desvio de arquivos que revelam modos distintos de leitura. O deslocamento de citações, o mosaico de fragmentos de discursos e de memórias constitui uma poética sampleada, bem como a figuração de uma poeta-colecionadora. Demonstração de como, em sua escrita, o gesto de remontagem e de reproposição citacional promove, por meio do desvio irônico, uma poética do “gênio não-original”, como analisa Marjorie Perloff, e/ou uma “escrita não-original”, na perspectiva de Kenneth Goldsmith, bem como um trabalho de leitura, como pensa Roland Barthes.

Abstract This paper presents an analysis of Adília Lopes’ poetry, arguing how the act of reading, from the perspective of the contemporary archive, deconstructs the original meanings to create new textual events. In Adília’s rewriting processes, the appropriation and deviation practices of archives that reveal many different ways of reading stand out. The displacement of quotations and the mosaic of discourse fragments and memories constitute a sampled poetic as well as a figuration of a collector poet. It demonstrates how, in her writing, the act of reassembling and repurposing quotations promotes, through ironic deviation, a poetics of “unoriginal genius”, as proposed by Marjorie Perloff, and/or a “uncreative writing”, as in Kenneth Goldsmith’s perspective, or or even a reading work, following Roland Barthes’ notion.

Resumen Análisis de la poesía de Adília Lopes discutiendo cómo el gesto de lectura, desde la perspectiva del archivo contemporáneo, pasa a hacer la desconstrucción de los significados originales para crear nuevos acontecimientos textuales. En los procesos de reescrituras adilianas, se subrayan las prácticas de apropiación y desvíos de archivos que revelan distintos modos de lectura. El desplazamiento de citaciones, el mosaico de fragmentos de discursos y de las memorias constituye una poética sampleada, así como la figuración de una poeta-coleccionista. Demostración de cómo, en su escrita, el gesto de reensamblaje y de reproposición citacional promueve, por medio de la desviación irónica, una poética del “genio no original” como muestra Marjorie Perloff, y/o una “escrita no-original”, de acuerdo con la perspectiva de Kenneth Goldsmith, así como un trabajo de lectura, como piensa Roland Barthes.

Resumen El poemario Bestiarium, de la poeta cubana Dulce María Loynaz y quien lo mantuvo inédito por décadas, entrega una fauna que se apropia de lo que luego se vería como un discurso contestatario para retar al poder que subestima a la poeta. Si como estudiante fue suspendida por no aportar información adicional, por este medio, los animales elegidos van, con su presencia, a desafiar la autoridad y, a su vez, a acercarse a la intimidad de la voz lírica. No parece ser tan solamente un ejemplo de zoolatría por parte de Loynaz; la particularidad de la selección fáunica adosada al sentimiento inscrito advierte que hay un motivo ulterior que urge develar. La palabra la poeta, transmutada en verso, se afirma en su originalidad y desplaza el centro del poder a la periferia. Bestiarium se suscribe, entonces, bajo tres registros diferentes: su función social, su función didáctica y, no menos importante, su función poética.

Abstract The collection of poems Bestiarium, by the Cuban poet Dulce María Loynaz and who kept it unpublished for decades, delivers a fauna that appropriates what would later be seen as a contestatory discourse to challenge the power that underestimates the poet. If as a student she was suspended for not providing additional information, by this means, the chosen animals go, with their presence, to challenge authority and, at the same time, to approach the intimacy of the lyrical voice. It does not seem to be just an example of zoolatry on the part of Loynaz; the particularity of the faunal selection attached to the inscribed feeling warns that there is an ulterior motive that needs to be revealed. The poet’s word, transmuted into verse, affirms its originality and shifts the center of power to the periphery. Bestiarium would be subscribed, then, under three different registries: its social function, its didactic function and, not least important, its poetic function.

Resumen Presentada como disertación de maestría en la Universidad de Brasilia, la novela Um rio sem fim (1998), de Verenilde Pereira, además de cuestionar las fronteras que separan el discurso poético del académico-científico, logra construir un marco decolonial sobre el cual se asienta una posición de resistencia a las fantasías fundantes de la idea moderna de utopía que, cinco siglos después de la llegada de los primeros colonizadores, siguen vivas en la región amazónica brasileña. En la novela, el lector verá una misión salesiana instalada en el norte del estado de Amazonas, un lugar que, comandado por un obispo italiano, pone al desnudo lo que muchos pueden desconocer o prefieren ignorar: en algunas partes de Brasil, aún sobreviven fantasías del Nuevo Mundo, sostenidas en ideales de modelos y racionalidades civilizatorias basadas en una perspectiva etnocéntrica. Sabiendo que tales fantasías están en la raíz del sentido moderno de la utopía, y conscientes de que la relación entre individuos y espacios es fundamental para la comprensión de las subjetividades y relaciones sociales en la construcción literaria, nos parece sugerente y fructífero observar y discutir la forma en que se articula el término utopía en Um rio sem fim a partir de las ramificaciones originadas en los deslizamientos propuestos por Thomas Morus entre la eutopía, “el lugar donde todo está bien”, y outopia, el “no lugar” (del griego ou = no + topos = lugar). Nos valemos de reflexiones que parten de una antropología del devenir, en articulación con los conceptos de testimonio y decolonialidad. Brasilia 1998, 1998 , (1998) Pereira académicocientífico, académicocientífico académico científico, científico académico-científico colonizadores brasileña Amazonas italiano ignorar Brasil Mundo etnocéntrica literaria eutopía bien, bien bien” outopia lugar. . lugar) devenir decolonialidad 199 (1998 19 (199 1 (19 (1 (

Abstract Presented as a M.A dissertation at the University of Brasília (UnB), the novel Um rio sem fim (1998), by Verenilde Pereira, in addition to questioning the thresholds that separate the poetic from the academic-scientific discourse, manages to build a decolonial framework in which it establishes a position of resistance to the founding fantasies of the modern idea of utopia that, five centuries after the arrival of the first colonizers, still resist in the Brazilian Amazon region. In the novel, the reader comes across a Salesian mission settled in the north of Amazonas, a place that, commanded by an Italian bishop, reminds what many may be unaware of or prefer to ignore: in some parts of Brazil, fantasies of the New World still survive, supported by ideals of civilizing models and rationalities, both based on an ethnocentric perspective. Knowing that such fantasies are at the roots of the modern sense of utopia, and aware that the relationship between individuals and spaces is fundamental for the understanding of subjectivities and social relations shown in literary construction, it seems to be instigating and fruitful to observe the way in which the term utopia is articulated in Um rio sem fim from the displacement proposed by Thomas Morus, between eutopia, “the place where everything is ok”, and outopia, the “non-place” (Gk ou = not + topos = place). In order to do so, we draw on an anthropology of becoming in conjunction with the concepts of testimony and decoloniality. MA M A UnB, UnB , (UnB) 1998, 1998 (1998) Pereira academicscientific academic scientific discourse colonizers region Amazonas bishop ignore Brazil survive rationalities perspective construction Morus eutopia ok, ok ok” outopia nonplace non “non-place Gk place. . place) so decoloniality (UnB 199 (1998 19 (199 1 (19 (1 (

Resumo Apresentado como parte de uma dissertação de mestrado da Faculdade de Comunicação da Universidade de Brasília, o romance Um rio sem fim (1998), de Verenilde Pereira, para além de colocar em xeque as fronteiras que apartam o poético do discurso acadêmico-científico, logra construir um arcabouço decolonial sobre o qual se assenta uma posição de resistência às fantasias fundadoras da moderna ideia de utopia que, passados cinco séculos desde a chegada dos primeiros colonizadores, seguem vivas na região da Amazônia brasileira. No romance, o leitor depara com uma missão salesiana instalada no norte do estado do Amazonas, local que, comandado por um bispo italiano, vem a desnudar o que muitos talvez desconheçam ou prefiram ignorar: em algumas partes do Brasil ainda sobrevivem fantasias do Novo Mundo, sustentadas por ideais de modelos civilizatórios e racionalidades fundadas na perspectiva etnocêntrica. Sabendo que tais fantasias estão na raiz do sentido moderno de utopia e que a relação entre indivíduos e espaços é fundamental para a compreensão das subjetividades e relações sociais que se mostram na construção literária, parece-nos instigante e proveitoso observar e debater a maneira como o termo utopia se articula no interior de Um rio sem fim, com base nos desdobramentos originados nos deslizamentos propostos por Thomas Morus, entre eutopia, “o lugar onde tudo está bem”, e outopia, o “não lugar” (ou = não + topos = lugar). Para tanto, lançamos mão de reflexões amparadas em uma antropologia do devir, em articulação com os conceitos de testemunho e decolonialidade. Brasília 1998, 1998 , (1998) Pereira acadêmicocientífico, acadêmicocientífico acadêmico científico, científico acadêmico-científico colonizadores brasileira Amazonas italiano ignorar Mundo etnocêntrica literária parecenos parece Morus eutopia bem, bem bem” outopia lugar. . lugar) tanto devir decolonialidade 199 (1998 19 (199 1 (19 (1 (

RESUMEN Examinamos la novela Cien botellas en una pared de la escritora cubana Ena Lucía Portela a partir de la presencia de distintas formas de la ruina en el territorio cubano, lo que se vincula con una sociedad arruinada en su materialidad y en sus valores, ideales y utopías. De esta manera, la novela de Portela constituye una poética en torno a las ruinas a través de la coexistencia de una nostalgia reflexivo-crítica, articulada como discurso crítico prospectivo, y la ironía como discurso de disidencia que desacredita el proyecto utópico y permite la sobrevivencia cotidiana.

ABSTRACT We examine the novel Cien Botellas en una pared by the Cuban writer Ena Lucía Portela based on the presence of different forms of ruin in the Cuban territory, which is linked to a ruined society in its materiality and in its values, ideals, and utopias. In this way, Portela’s novel constitutes a poetic around the ruins through the coexistence of a reflexive-critical nostalgia, articulated as a prospective critical discourse, and irony as a discourse of dissidence that discredits the utopian project and allows survival daily.

ABSTRACT The article studies the work of two peruvian poets from the seventies’ generation, through their initial books. In that sense, the article proposes a comparative analysis between Álbum de familia (1971) and Arte de navegar (1974), through the ekphrasis. Therefore, it is maintained as a thesis that the paintings of Chagall and Van Gogh are both intertextual elements that interact through the ekphrasis with the poetic discourse of the locutors in the poems mentioned above, structuring antithetical relations between them that question modernity and the instrumental rationality in which they are located. Likewise, the project will study the poems “Chagall” and “Acerca de la libertad” of Watanabe; as well as “Van Gogh en Arles” of Juan Ojeda. In this study, we will use the concept of Comparative Rhetoric.

RESUMEN Este estudio permite contrastar la obra de dos autores peruanos de la generación del setenta a través de sus obras iniciales. En ese sentido, se propone un análisis comparativo de Álbum de familia (1971) y Arte de navegar (1974) de José Watanabe y Juan Ojeda, respectivamente, por medio de la écfrasis. Por consiguiente, se sostiene como tesis que los cuadros de Chagall y Van Gogh, respectivamente, son elementos intertextuales que a través de la écfrasis interactúan con el discurso poético de los locutores en los poemarios mencionados anteriormente, estructurando relaciones antitéticas que cuestionan a la modernidad y a la racionalidad instrumental en la que se enmarcan. Analizaremos los poemas “Chagall” y “Acerca de la libertad”, pertenecientes al primer libro, y “Van Gogh en Arles” del segundo. Para ello, aplicaremos el marco teórico de la Retórica Comparada.