Abstract: The article analyzes an intense controversy in which prominent members of a conservative sector of the Aguascalientes society took part, who manifested themselves through the local press, regarding the fact that in the second courtyard of the Government Palace the Chilean artist Osvaldo Barra Cunningham made, in 1961, the mural painting Aguascalientes en la historia. Some subjects in which the historical evolution of the Catholic Church is represented caused sting in certain sectors of the population, who felt aggrieved for interpreting, that the faith, beliefs and religious sensibilities of Catholics were freely offended. Images of religion captured on the walls of a civic monument, in an atmosphere prior to the Second Vatican Council, is the object of study in this paper.

Resumen: El artículo analiza una intensa controversia en la que tomaron parte miembros prominentes de un sector conservador de la sociedad aguascalentense, quienes se manifestaron a través de la prensa local a propósito de la pintura mural Aguascalientes en la historia que el artista chileno Osvaldo Barra Cunningham realizó, en 1961, en el segundo patio del Palacio de Gobierno. Algunos temas en los que se representa el devenir histórico de la Iglesia católica causaron escozor en ciertos sectores de la población, quienes se sintieron agraviados, porque se ofendía gratuitamente la fe, creencias y sensibilidad religiosa de los católicos. Imágenes de lo religioso plasmadas en los muros de un monumento cívico, en una atmósfera previa al Concilio Vaticano II, son el objeto de estudio en este artículo.

RESUMEN: El presente artículo explora y analiza una experiencia artística en una comunidad kichwa hablante perteneciente a la nacionalidad Saraguro, al sur de Ecuador; en el cual participé a través de un taller artístico de arte urbano, estructurado en tres fases: socialización, dibujo y pintura mural. Dicho taller se realizó con alumnos de la escuela “Tupak Yupanqui”, en la comunidad de Oñacápac; con quienes explore nociones sobre la filosofía y lengua kichwa; y permitieron hacer una valoración artística y pedagógica de las perspectivas culturales; por medio de estéticas del arte urbano aplicadas en el montaje de un mural artístico escolar. También se hace una exploración del concepto intercultural, a partir de su transitar histórico en el contexto indígena ecuatoriano, su influencia en el campo educativo, y su encuentro con el tema del arte urbano en la configuración de estrategias de preservación y fortalecimiento de prácticas y saberes culturales del pueblo Saraguro.

ABSTRACT: This paper explores and analyzes an artistic experience in a Kichwa-speaking community belonging to the Saraguro nationality, in southern Ecuador; in which I participated through an artistic workshop of street art, structured in three phases: socialization, drawing and mural painting. This workshop was held with students from the "Tupak Yupanqui" school, in the Oñacápac community; with those who explore notions about Kichwa philosophy and language; and made it possible to make an artistic and pedagogical assessment of cultural perspectives; through aesthetics of street art applied in the assembly of a school artistic mural. There is also an exploration of the intercultural concept, based on its historical transit in the Ecuadorian indigenous context, its influence on the educational field, and its encounter with the theme of street art in the configuration of strategies for the preservation and strengthening of cultural practices and knowledge of the Saraguro people.

Resumo No Alentejo existe um conjunto de técnicas tradicionais decorativas (esgrafito, stucco, pintura mural) que utilizaram a cal e os pigmentos locais como base, formando um património artístico bastante expressivo. De entre todas, a pintura mural foi a que mais marcou a imagem desta região, exigindo hoje, cada vez mais, um olhar interdisciplinar. Neste contexto, a documentação histórica torna-se uma ferramenta essencial. Através da sua consulta, levantamento e sistematização é possível reunir novos dados sobre os protagonistas das campanhas murais, bem como os materiais que utilizavam. Estas informações serão auxiliares importantes no momento de se traçarem intervenções de conservação e restauro ajustadas a cada caso. No presente artigo apresentaremos exemplos de campanhas de pintura mural documentadas, onde foram identificadas referências a materiais e a pintores, alguns dos quais desconhecidos. Pretendemos, assim, contribuir para a caracterização do contexto laboral dos pintores entre o final do século XVI e o início do século XIX.

Abstract In Alentejo there is a set of traditional decorative techniques (esgrafito, stucco, mural painting) that used lime and local pigments as a base, forming a very expressive artistic heritage. Amongst all, mural painting was the one that most marked the image of this region, requiring an interdisciplinary look. In this context, the research, survey and systematization of historical documentation becomes an essential tool. Through it is possible to gather new data about the protagonists involved in the mural campaigns, as well as the materials they used. This information will be an important tool when designing conservation and restoration interventions, tailored to each case. In this article we will present examples of documented mural painting campaigns, where references to materials and painters have been identified, some of them unknown. Thus, we intend to contribute to the characterization of the work context of painters between late 16th century and the beginning of the 19th century.

RESUMEN El artículo reconstruye la historia del convento de San Agustín de Tunja, conocido por su pintura mural, construido sobre el cercado del zaque, donde se levantó la ermita de Santiago a partir de la cual se desarrolla el conjunto. Se revisa el papel de personajes como el profeso agustino Vicente de Requejada y la beata Antonia de Cabañas. A inicios del siglo XIX, fue posible contar con un inventario de la iglesia agustina, hoy vacía, realizado por la Orden de San Juan de Dios que ocupó el claustro luego de la supresión del convento agustino. Se logró identificar altares e imágenes de lienzo y bulto que en la espacio que fue diseñado para albergar actualidad se encuentran descontextua la ciudad de Dios terminó convertido en lizadas en otros lugares de la ciudad. Un terrena penitenciaría.

ABSTRACT The article reconstructs the history of the convent of San Augustin in Tunja, which is famous for its mural painting, built on the Zaque enclosure, where the hermitage of Santiago was raised, from which the whole ensemble was developed. The role of characters such as the professed Augustinian Vicente de Requejada and the blessed Antonia de Cabañas. At the beginning of the 19th century, an inventory of the Augustinian church, today empty, was carried out by the order of san Juan de Dios, who occupied the cloister after the abolition of the Augustinian convent. It was possible to identify altars and images of canvas and bulk that are currently decontextualized in other places of the city. A space that was designed to house The City of God, ended up turned into a penitentiary.

Resumen El presente ARTÍCULO DE INVESTIGACIÓN aborda, mediante técnicas analíticas no invasivas y no destructivas, el estudio material de una pintura mural perteneciente a la primera etapa decorativa del exconvento de Santo Domingo Tehuantepec, Oaxaca, México. El convento fue construido entre 1544 y 1545 por los frailes dominicos. Este estudio, que es parte del proyecto de restauración del inmueble y de sus acabados decorativos, afectados por el sismo del 7 de septiembre de 2017, se enfocó en la caracterización de la paleta pictórica mediante fluorescencia de rayos X (FRX) y microscopia óptica digital (MOD), y por medio de colorimetría se registró el color de la pintura mural recién liberada. Los resultados revelan el uso de pigmentos de costo, calidad y durabilidad muy altos, como cinabrio o bermellón, oropimente y negro de hueso, lo que demuestra la importancia histórica y material de las decoraciones del recinto.

Abstract The following RESEARCH ARTICLE discusses the application of non-invasive and non-destructive analytical techniques to study the materials used in a mural painting from the first decorative stage at the former convent of Santo Domingo Tehuantepec, in Oaxaca, Mexico. This convent was built between 1544 and 1545 by Dominican friars, and the study is part of the restoration project for this heritage site and its ornamental finishes impacted by the earthquake of September 7th, 2017. The study focuses on characterizing the pictorial palette of the mural using X-ray fluorescence (XRF) and digital microscopy and colorimetry to record the colors of the newly revealed mural painting. The results indicated that very costly pigments with a high level of quality and durability (such as cinnabar or vermilion, orpiment, and bone black) had been used, which speaks to the historic and material importance of the decorations in the building.

ABSTRACT In this paper we present a review about the murals located in the Temples of the Descending God (Temple 5) and the Frescos (Temple 16) at the pre-Columbian city of Tulum, Quintana Roo. We first study some of the characters dressed as gods, as Chahk, K'awil, Quetzalcóatl, and Xólotl. Secondly, we analyze the ritual paraphernalia, mostly composed of ceramic objects in the form of effigy urns, incense burners, idols, containers with offerings of corn in different preparations, and large jars used to contain liquids, presenting correspondences with the archaeological record. Afterwards, we analyze the intertwined serpents, as well as the vegetal elements that we identify with the flower and fruits of balché tree. Finally, these data are integrated in order to interpret the meaning of the Tulum murals in relation to the practice of bending over the maize stalks in the autumn, and also to the first fruits harvest, which coincides with the flowering of the balché tree and the beginning of the harvest of tajonal honey in Yucatán.

RESUMEN En este trabajo presentamos una revisión de los murales de los Templos del Dios Descendente (Templo 5) y de los Frescos (Templo 16) en la ciudad prehispánica maya de Tulum, Quintana Roo. En primer lugar, se analizan algunos de los personajes ataviados como deidades, en especial Chahk, K’awil, Quetzalcóatl y Xólotl. En segundo término, se estudia la parafernalia ritual, mayormente compuesta de objetos cerámicos en forma de urnas-efigie, incensarios, ídolos, contenedores con ofrendas de maíz en diferentes preparaciones o grandes ollas para contener líquidos, y se presentan sus contrapartes en el registro arqueológico de la época. Después se abordan los motivos zoomorfos y fitomorfos, como los marcos con grecas trenzadas rematadas en cabezas de serpiente, así como los elementos vegetales que identificamos con la flor y los frutos del árbol del balché. Finalmente se integran todos estos datos para interpretar el significado de los murales de Tulum con relación al periodo otoñal de dobla del maíz y cosecha de primicias, que coincide con la floración del balché y el inicio de la cosecha de la miel de tajonal.

Résumé: À Teotihuacán, au cours des XIXe et XXe siècles, de nombreux vestiges de peintures murales ont été retrouvés, dont l’archivage fait partie de la mémoire archéologique de la ville. Cet ouvrage retrace brièvement l’évolution des découvertes de la peinture murale dans la période classique de la ville jusqu’a l’aube du XXIe siècle. Grâce à ce registre détaillé, nous visualisons la présence constante d’une forme géométrique pouvant porter un symbolisme particulier: le cercle rouge. Une visite guidée de l’architecture qui a mis en lumière ce dessin est présentée, a fin de réaliser une première approche du motif visuel que les artistes de Teotihuacan ont élaboré avec cette forme et de la valeur iconographique des cercles rouges dans le discours mural de la ville.

Abstract: In Teotihuacan during the XIX and XX century many remains of wall paintings were recovered from the inside of houses and public buildings. The goal of this research paper is to give a brief account of the mural paintings discovered at the ancient city till the beginning of the XXI century, we have implemented a systematic registration project, which in the end will constititute one of the most complete memories of this artistic expression. Thanks to the detailed surveys, we have been able to recognize the constant presence of geometric shapes that could carry a particular symbolism: the Red Circle. There is then a tour of the architecture that held this design, whit the aim of achieving a first approach to visual pattern that Teotihuacan artists succeeded whit this form, and the possible iconographic value the red circles in the discourse mural in the city.

Resumen: En la pintura mural prehispánica se plasmaron símbolos, escenas reales y ficticias, que nos permiten penetrar el universo ideológico de sus creadores. En Teotihuacán, durante los siglos XIX y XX se recuperó una gran cantidad de vestigios de pintura mural cuyo registro forma parte de la memoria arqueológica de la ciudad. Este trabajo hace un breve recuento de los hallazgos de pintura mural en la urbe del Clásico, hasta los albores del siglo XXI. Gracias al registro detallado, visualizamos la presencia constante de una forma geométrica que podría portar un simbolismo particular: el círculo rojo. Se presenta entonces un recorrido por la arquitectura que ostentó este diseño, para lograr un primer acercamiento al patrón visual que los artistas teotihuacanos alcanzaron con esta forma y al posible valor iconográfico de los círculos rojos en el discurso mural de la ciudad.

ABSTRACT Introduction: The military medicine used to be adapted at the history and social life of each epoch. At the same time, it also lies over the traditions of the different countries. For the more to be expression at the same time of the medicine and the military sciences, it is also a reflex of the culture of each nation. Enrique Garcia Cabrera was a Cuban's painter who left us a group of attractive work that assumes the military medicine as the motivation, spotted on five esthetics and decorative pictures connected by common history. Objective: The present paper shows this group of pictures which form one composition about the military medicine in Cuba and its history showing in these splendid pictures its patriotic feeling. Methods: A bibliographic review was carried out. The analytical - synthetic, the historiography and chronological methods were used to data on the evolution of Cuban's military medicine in order to situate these pictures in their own historic context. Conclusions: These results contribute to enrich the historiography of Cuban's military medicine. In addition, the beautiful composition making by Enrique Garcia Cabrera offers a useful resource to the artistic appreciation teaching and it also can contribute to the education of the health professional just about integrity cultural. The present-day and future generation must guard and study deeply this composition made by Enrique Garcia Cabrera, in admiration of its author and too for all persons who have contributed to develop the Cuban's military medicine.

RESUMEN Introducción: La medicina militar se contextualiza al carácter histórico y social de cada época, fundamentándose al mismo tiempo en las tradiciones de cada país. Por eso, además de ser expresión simultánea de la ciencia médica y militar, es también reflejo de la cultura de cada nación. En el legado cultural del maestro Enrique García Cabrera hay una obra que tomó la medicina militar como tema de inspiración, plasmado en un mural decorativo. Objetivos: Mostrar la serie de pinturas que componen la admirable obra artística, con sus cinco pinturas al fresco cronológicamente ordenadas de modo que permiten recorrer etapas características de la medicina militar en Cuba, exaltando lo estético y patriótico de la obra. Métodos: Se emplean los métodos analítico-sintético, cronológico y el iconográfico-iconológico. Se hace referencia historiográfica al contexto que el autor representa en estas. Conclusiones: Los resultados de este trabajo ponen a disposición de la docencia un material para la apreciación artística, con una hermosa obra alegórica a la medicina militar cubana. Resultan útiles además como recurso didáctico para la el trabajo educativo dirigido a la formación cultural integral de los profesionales de la salud. Corresponde a la presente y futuras generaciones conservar y estudiar con mayor profundidad esta obra, como un homenaje a su autor y a los que han aportado al desarrollo de la medicina militar cubana.

ABSTRACT This work presents the Mural Workshop that emerged in 1969 at the Art Institute of the Catholic University of Valparaíso, which was led by the painter, architect and professor Francisco Méndez Labbé, with the collaboration of Eduardo Pérez, Eduardo Vilches and Nemesio Antúnez. During its almost four years of existence, the project was responsible for the creation of more than sixty murals in different parts of Valparaíso, all of which have disappeared, with the exception of two that are cur rently part of the Open-Air Museum circuit in Cerro Bellavista. This article aims to demonstrate that this project, interrupted by the dictatorship in 1973 and reconfigured in the form of the Open-Air Museum in 1991, was an innovative proposal that did not compare with other mural projects with a political orientation that developed in Chile during the same period. The focus of the Mural Workshop was pictorial and artistic, defined by strategies of collective and pedagogical participation in the public space that Méndez linked to his theoretical thinking and to the influence of the School of Architecture at the Catholic University of Valparaíso.

RESUMEN Este trabajo presenta el Taller de Murales surgido en 1969 en el Instituto de Arte de la Universidad Católica de Valparaíso, liderado por el pintor, arquitecto y profesor Francisco Méndez Labbé y en el que también participaron Eduardo Pérez, Eduardo Vilches y Nemesio Antúnez. Durante los casi cuatro años en que el proyecto se llevó a cabo, se concretaron más de sesenta murales en distintos puntos de la ciudad (hoy desaparecidos, a excepción de dos que forman parte del actual circuito del Museo a Cielo Abierto). Se propone que este proyecto, interrumpido por la dictadura en 1973 y reconfigurado bajo la forma del Museo a Cielo Abierto en 1991, fue una propuesta innovadora que no tuvo comparación con otros proyectos muralistas de orientación política desarrollados en Chile durante el mismo periodo. En este caso, el interés era pictórico y artístico, definido por estrategias de participación colectivas y pedagógicas en el espacio público, que Méndez vinculó a su pensamiento teórico y a la influencia de la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica de Valparaíso.

Resumen Tradicionalmente, el arte namban ha sido visto como un simple producto de intercambios entre Japón, Portugal y España. La historiografía tiende a centrarse únicamente en las contribuciones artísticas de la Compañía de Jesús por establecer una escuela de pintura en Japón. De este modo, se ha enfatizado la relevancia de la ruta indo-portuguesa en la historia intercultural. Sin embargo, los avances de investigación en las últimas décadas identifican que las obras namban se conforman de herencias artísticas de diversas regiones del mundo que estaban conectadas a través de las rutas transoceánicas portuguesa y española. De igual modo, el arte namban japonés influyó en las producciones artísticas del otro lado del mundo. En resumen, el arte namban no puede entenderse sin tener en cuenta sus implicaciones globales. Este artículo dilucida los cambios en la comprensión epistemológica del arte namban y sus redeiniciones mediante una revisión historiográica. También resalta la importancia de América hispánica en los mecanismos de intercambio artístico. Estas interacciones se dieron de manera mutua, ya que el Nuevo Mundo es una de las regiones donde el arte japonés tuvo una influencia significativa en las producciones locales. Para ejemplificar este fenómeno, este trabajo aborda la influencia del arte namban en la pintura mural El gran martirio de Japón en 1597 en Cuernavaca, Morelos, México.

Abstract Traditionally, nanban art has been seen as a simple product of exchanges between Japan, Portugal and Spain. The historiography tends to solely focus on artistic contributions of the Society of Jesus due to the foundation of a painting school in Japan. Thereby, the relevance of the Indo-Portuguese route in the cross-cultural history has been emphasized. However, the research advances of the last decades identify that nanban works consist of artistic inheritances from diverse regions of the world which were connected through the Portuguese and Spanish transoceanic routes. Similarly, Japanese nanban art influenced the artistic productions on the other side of the world. In summary, nanban art cannot be understood without taking into account its global implications. This paper clarifies the changes in epistemological understanding of nanban art, and its redefinitions through a historiographical review. This work also shows the important role of Spanish America in the artistic exchange mechanisms; these interactions occurred reciprocally. Therefore, the New World was one of the regions where Japanese art significantly influenced local productions. To exemplify this phenomenon, we address the influence of nanban art on the mural painting The great martyrdom of Japan in 1597 in Cuernavaca, Morelos, Mexico.

Resumo Tradicionalmente, a arte namban tem sido vista como um simples produto de intercâmbios entre Japão, Portugal e Espanha. A historiografia tende a se centrar unicamente nas contribuições artísticas da Companhia de Jesus por estabelecer uma escola de pintura no Japão. Deste modo, tem sido enfatizada a relevância da rota indo-portuguesa na história intercultural. Não obstante, os avanços nas pesquisas das últimas décadas identiicam que as obras namban se conformam como herança artística de diversas regiões do mundo que estavam conectadas através das rotas transoceânicas portuguesas e espanholas. De igual modo, a arte namban japonesa influiu nas produções artísticas do outro lado do mundo. Em resumo, a arte namban não pode ser entendida sem ter em conta suas implicações globais. Este artigo clariica as mudanças na compreensão epistemológica da arte namban e suas redeinições mediante uma revisão historiográica. Também ressalta a importância da América hispânica nos mecanismos de intercâmbio artístico. Estas interações se deram de forma mútua, já que o Novo Mundo é uma das regiões onde a arte japonesa teve uma influência significativa nas produções locais. Para exemplificar este fenómeno, este trabalho aborda a influência da arte namban na pintura mural O grande martírio do Japão em 1597 em Cuernavaca, Morelos, México.

Resumen A través de un análisis comparativo -entre estrategias narrativas producidas en un mismo contexto; entre contextos distintos pero cuyos procesos de construcción cultural dependen de una reformulación de la visualidad en la modernidad temprana; y entre medios y dispositivos visuales que producen, pero también reorganizan el conocimiento- este artículo propone una nueva interpretación de las célebres pinturas murales de las casas tunjanas de finales del siglo XVI y la primera parte del siglo XVII, en el marco de un Renacimiento global. En este proceso, se reconsideran los conceptos que han sido utilizados en interpretaciones anteriores, tales como originalidad, identidad y exotismo, matizando así el enfoque tradicional de los estudios iconográficos que han predominado en la interpretación de estos murales. Dicha perspectiva permite salirse del paradigma binario en el que suelen inscribirse las interpretaciones del uso de las fuentes grabadas; así, se redimensiona el problema de las fuentes y de las relaciones habitualmente establecidas entre texto e imagen. Finalmente, se contextualizan dichas pinturas en su entorno específico, pero en un marco global, que a su vez redistribuye el modelo de centro y periferia.

Abstract Based on a comparative analysis -between narrative strategies created within the same context; between different contexts in which processes of cultural construction depended on the reformulation of visual culture in the Early Modern period; and between media and devices that produce but also reorganize knowledge- this article proposes a new interpretation of the renowned late-sixteenth and early-seventeenth-century wall paintings in a series of houses in Tunja, as seen within the framework of a Global Renaissance. In this process, concepts that have been used in earlier interpretations, such as originality, identity and exoticism, are reconsidered, thus nuancing the traditional iconographic focus that has predominated in the studies of these paintings. This perspective goes beyond the binary paradigm usually used to interpret the use of printed sources; in this way, the problem of sources and of the relationship usually established between text and image is reconsidered. Finally, these paintings are contextualized in their specific surroundings, but within a global frame, which serves to redistribute the model of center and periphery.

Resumo Através de uma análise comparativa -entre estratégias narrativas produzidas em um mesmo contexto; entre contextos diferentes, mas cujos processos de construção cultural dependem de uma reformulação da visualidade na primeira época moderna; entre meios e dispositivos visuais que produzem conhecimento, mas também o reorganizam- este artigo propõe uma nova interpretação das célebres pinturas das casas de Tunja do final do século XVI e da primeira metade do século XVII no contexto de um Renascimento global. Neste processo, reconsideram-se os conceitos que foram utilizados em interpretações anteriores, tais como originalidade, identidade e exotismo, matizando, assim, o enfoque tradicional dos estudos iconográficos que predominaram na interpretação desses murais. Esta perspectiva permite sair do paradigma binário no qual costumam inscrever-se as interpretações do uso das fontes gravadas; assim, redimensiona-se o problema das fontes e das relações habitualmente estabelecidas entre texto e imagem. Finalmente, contextualizase essas pinturas em seu meio específico, mas em um contexto global, o qual, por sua vez, redistribui o modelo de centro e periferia.

Abstract: In this paper we propose a line of research that joins historical and visual documents in order to explain the profusion and validity throughout centuries of several different iconographic programs in the archdiocese of Colonial Cusco. Some characteristics of mural painting associated to evangelizing contexts will be analyzed, as well as the link that existed between two specific types of indigenous confraternities in Colonial times, and the vigor of a recurring series of evangelization topics, such as heaven and hell, proper of the Andean baroque.

Resumen: En el presente trabajo se propone una línea de investigación que aúna los documentos históricos con los visuales en pro de explicar la profusión y vigencia, a través de los siglos, de distintos programas iconográficos en la zona del Obispado del Cusco colonial. Se revisarán las características de la pintura mural asociada al contexto evangelizador, para finalmente indagar sobre el vínculo que existió entre dos tipos específicos de cofradías de naturales durante la Colonia y la vigorosidad de una serie recurrente de temas evangelizadores como el cielo y el infierno, característicos del barroco andino.

Abstract The Painted Temple is one of the most important buildings of the Sanctuary of Pachacamac, a center of pilgrimage during the pre-Hispanic era. Although its preservation was initiated by Albert Antonhy Giesecke Parthymüeller in 1938, little is known about the work he did in the Painted Temple. This RESEARCH will present, through the review of publications and unpublished documents from the archive of Albert Giesecke, the activities that he carried out during his intervention in Pachacamac, listed in various letters and writings. Thus, the documents offered and analyzed testify to one of the first preservation works of that building, which allows constructing the history of preservation in Pachacamac and other archaeological monuments in Peru.

Resumen El Templo Pintado es uno de los edificios más importantes del Santuario de Pachacamac, centro de peregrinación durante la época prehispánica. Si bien su conservación fue iniciada por Albert Antonhy Giesecke Parthymüeller en 1938, poco se conoce sobre los trabajos que realizó en el Templo Pintado. El presente texto de INVESTIGACIÓN expondrá, mediante la revisión de publicaciones y documentos inéditos del archivo de Albert Giesecke, las actividades que realizó durante su intervención en Pachacamac, relacionadas en cartas y escritos diversos. Así, los documentos que se ofrecen y analizan testifican una de las primeras labores de conservación de ese edificio, lo que permite construir la historia de la conservación en Pachacamac y de los monumentos arqueológicos en el Perú.

The following article seeks, departing from a genre scene taken from the mural painting of the church of Pachama, to demonstrate that, despite its secular nature, it shares the general spirit of the iconographic program. The rest of the walls are dedicated to scenes and characters which are typical from Christian iconography, while the scene we are interested in is taurine. We believe that bullfighting was a troubled dimension, since both secular and ecclesiastical authorities thought it was a cruel spectacle which brought people to hotly contested moral practices. In this church, which was part of the so called Silver Route, the genre scene is part of a whole strategy aiming the formation of good Christians. This phenomena can be temporarily placed in the context of eighteenth century missionary efforts, specially the Limense Concilio of 1772, fighting against vices and bad habits.

El siguiente artículo pretende, a partir de una escena costumbrista de pintura mural en la iglesia de Pachama (Altos de Arica), demostrar que, a pesar de su naturaleza secular, esta escena participa del espíritu general del programa iconográfico de esta iglesia surandina. Las paredes de la iglesia están dedicadas a personajes y escenas propias del panteón cristiano, mientras que la escena que me interesa es de naturaleza taurina. Creo que las corridas de toros constituían un espacio festivo conflictivo, ya que algunos representantes del poder secular y otros del eclesiástico lo consideraban un espectáculo cruel y que llevaba a malas prácticas, reñidas con la moral. En esta iglesia que formó parte de la llamada Ruta de la Plata, la escena costumbrista se suma a otras en la búsqueda de la formación de buenos cristianos y en la respuesta indígena específica a esa necesidad. Este fenómeno, en términos temporales, se sitúa en los nuevos impulsos evangelizadores del siglo XVIII y la especial preocupación del Concilio Limense de 1772 por luchar contra los vicios y malas costumbres y la barbarie en particular.

Abstract This text presents a historical and technical study of the mural painting of the former convent of San Juan Bautista Tlayacapan (state of Morelos, Mexico). Its purpose is to reconstruct the changes and alterations that the pictorial programs have experienced over time, focusing on the recent damage caused by the earthquake of September 19th, 2017, which modified the already precarious state of conservation of the spaces, bringing the murals to a point of “instability” bordering on ruin. Following an inverse itinerary, that goes from the collapsed fragment to the integral knowledge of the original spaces, we have developed a methodology derived from “technical art history” and material studies, based on the interrelation of the results obtained during the scientific analysis of the painting, along with the examination of historical sources and iconographic statements related to the meaning, function and evolution of images.

Resumen Este texto presenta el estudio histórico y técnico de la pintura mural del ex convento de San Juan Bautista Tlayacapan (estado de Morelos, México), con el propósito de reconstruir los cambios y alteraciones que han sufrido los programas pictóricos a lo largo del tiempo. Se ha puesto énfasis en los recientes daños provocados por el sismo del 19 de septiembre de 2017 que han modificado el precario estado de conservación de los espacios, llevándolos hasta un punto de “inestabilidad” más cercano a la ruina. En un itinerario inverso que va del fragmento colapsado al conocimiento integral de los espacios originales, hemos desarrollado una metodología propia de los estudios sobre la técnica y los materiales del arte, que se origina en la interrelación de los resultados obtenidos durante el análisis científico de la pintura con las fuentes históricas y las propuestas iconográficas sobre el significado, función y devenir de las imágenes.