Resumen: En el presente artículo se analizarán los murales que ejecutó José Renau en Halle-Neustadt para identificar los aspectos sociales, ideológicos y pedagógicos de la época, así como el impacto de la experiencia que tuvo Renau al pintar en México con David Alfaro Siqueiros y en el Casino de la Selva, entre otros elementos que nos permitirá comprobar los cambios y continuidades que se dieron entre las obras de ambos países. Además, identificar los murales como una herramienta que permitió reafirmar y legitimar a uno de los regímenes dictatoriales más duro del bloque soviético, al que Renau se adaptó sin problema debido a sus convicciones comunistas. En este sentido, se dará una aportación significativa a la historiografía de la obra mural de Renau en la RDA, rescatando su importancia como parte del patrimonio cultural alemán y como extensión del muralismo mexicano, así como las aportaciones que dio a esta corriente artística.

Abstract: This article analyzes the murals produced by José Renau in Halle-Neustadt to identify the social, ideological, and pedagogical aspects of the time, as well as the impact of Renau’s experience painting in Mexico with David Alfaro Siqueiros and in the Casino de la Selva, among other elements that will make it possible to identify the changes and continuities that occurred between the works of the two countries. It also identifies the murals as a tool that made it possible to reaffirm and legitimize one of the harshest dictatorial regimes of the Soviet bloc, to which Renau adapted easily as a result of his communist convictions. In this respect, the article makes a significant contribution to the historiography of Renau’s mural work in the GDR, highlighting its importance as part of German cultural heritage and as an extension of Mexican muralism, and its instrumental role in this artistic trend.

Resumen: En este artículo se publican por primera vez las pinturas murales de una cámara funeraria en el pequeño sitio de Chakjobon, en la Reserva Balam Ku, en el sur del estado de Campeche. Por razones estilísticas las pinturas murales deben considerarse contemporáneas a las de San Bartolo en Guatemala. La gran importancia de las pinturas de Chakjobon radica en que contienen dos textos jeroglíficos muy tempranos y, por tanto, complementan el limitado corpus de textos del Preclásico Tardío encontrados in situ. Los signos de escritura muestran fuertes paralelismos con los textos de San Bartolo, pero también con los de la Estela 10 de Kaminaljuyú, y sugieren que ya en el Preclásico Tardío debió existir una comunicación supraregional entre las comunidades de escribas sobre los signos y sobre la escritura en general. Se puede suponer que la escena del trono representada en la pintura, así como los textos escritos, se referían a la persona enterrada en la cámara funeraria.

Abstract: The wall paintings in a burial chamber in the small site of Chakjobon in the Reserva Balam Ku in the south of the state of Campeche are published for the first time. For stylistic reasons, the murals are contemporary with the murals of San Bartolo in Guatemala. The great importance of the Chakjobon paintings lies in the fact that they contain two very early hieroglyphic texts, thus adding to the very limited corpus of Late Preclassic texts found in situ. The signs show strong parallels with the texts from San Bartolo, but also from Kaminaljuyu Stela 10, and suggest that already in the Late Preclassic there must have been a transregional communication between scribal communities about signs and about writing in general. We can assume that the throne scene depicted in the painting as well as the written texts referred to the person that was originally interred in the burial chamber.

Abstract: The article analyzes an intense controversy in which prominent members of a conservative sector of the Aguascalientes society took part, who manifested themselves through the local press, regarding the fact that in the second courtyard of the Government Palace the Chilean artist Osvaldo Barra Cunningham made, in 1961, the mural painting Aguascalientes en la historia. Some subjects in which the historical evolution of the Catholic Church is represented caused sting in certain sectors of the population, who felt aggrieved for interpreting, that the faith, beliefs and religious sensibilities of Catholics were freely offended. Images of religion captured on the walls of a civic monument, in an atmosphere prior to the Second Vatican Council, is the object of study in this paper.

Resumen: El artículo analiza una intensa controversia en la que tomaron parte miembros prominentes de un sector conservador de la sociedad aguascalentense, quienes se manifestaron a través de la prensa local a propósito de la pintura mural Aguascalientes en la historia que el artista chileno Osvaldo Barra Cunningham realizó, en 1961, en el segundo patio del Palacio de Gobierno. Algunos temas en los que se representa el devenir histórico de la Iglesia católica causaron escozor en ciertos sectores de la población, quienes se sintieron agraviados, porque se ofendía gratuitamente la fe, creencias y sensibilidad religiosa de los católicos. Imágenes de lo religioso plasmadas en los muros de un monumento cívico, en una atmósfera previa al Concilio Vaticano II, son el objeto de estudio en este artículo.

Resumen El artículo tiene como objetivo desarrollar una reflexión sobre el uso del mural como artefacto de la memoria en la región de Las Altas Montañas en Veracruz, México. El texto se sustenta en el trabajo etnográfico realizado en dicha zona, donde se llevaron a cabo diversas entrevistas a los miembros del Colectivo Familias de Desaparecidos Orizaba-Córdoba, así como observación participante a pie de fosa y en la pinta del último mural en la ciudad de Orizaba. A modo de conclusión, se observa que los murales pueden activar de forma expresiva la memoria de los actores sociales en contextos de violencia, resignificando el pasado y desarrollando una conexión de sentidos con la experiencia presente y las expectativas de futuro.

Abstract The article aims to reflect on the use of the mural as an artifact of memory in the region Las Altas Montañas in Veracruz, Mexico. The investigation was based on ethnographic work. Interviews were conducted with the members of collective of families of the disappeared from the Orizaba-Córdoba region, and participant observation took part in clandestine graves and during the painting of a mural in the city of Orizaba. By way of conclusion, it is observed that murals expressively activate the actors’ memory in contexts of violence, resignifying the past and develop a connection of meanings with the present experience and future expectations.

Resumen En 1933, Diego Rivera comenzó a pintar El hombre en la encrucijada, un mural en el Rockefeller Center de la ciudad de Nueva York. Después de que Rivera incluyó un retrato del revolucionario bolchevique Vladimir Lenin y rechazó la demanda de Nelson Rockefeller de eliminarlo, el mural se cubrió primero y luego, en febrero de 1934, se destruyó. Ese mismo año, Rivera pintó un mural remodelado, Hombre, el controlador del universo, en el Palacio de Belles Artes de la Ciudad de México. El artículo actual examina esta controversia a través de la lente de la relación de Rivera con la izquierda comunista, en particular el Partido Comunista (pro Moscú), Liga Comunista de América (trotskista) y el Partido Comunista (Oposición) dirigido por Jay Lovestone, y argumenta que esta perspectiva proporciona un entendimiento más completo de los compromisos políticos del muralista y las políticas diversas expresadas en la obra de Rivera en aquel momento.

Abstract In 1933, Diego Rivera began painting Man at the Crossroads, a mural at Rockefeller Center in New York City. After Rivera included a portrait of Bolshevik Revolutionary Vladimir Lenin, and refused Nelson Rockerfeller’s demand to remove this, the mural was first covered up, and then in February 1934, destroyed. That same year, Rivera painted a refashioned mural, Hombre, el controlador del universo, at the Palacio de Belles Artes in Mexico City. The current article examines this controversy through the lens of Rivera’s relationship with the Communist left, in particular the pro-Moscow Communist Party, the Trotskyist Communist League of America, and the Lovestoneite Communist Party (Opposition), and argues that this provides a fuller understanding of Rivera’s evolving political commitments and the changing politics of his paintings in this period.

Resumo No Alentejo existe um conjunto de técnicas tradicionais decorativas (esgrafito, stucco, pintura mural) que utilizaram a cal e os pigmentos locais como base, formando um património artístico bastante expressivo. De entre todas, a pintura mural foi a que mais marcou a imagem desta região, exigindo hoje, cada vez mais, um olhar interdisciplinar. Neste contexto, a documentação histórica torna-se uma ferramenta essencial. Através da sua consulta, levantamento e sistematização é possível reunir novos dados sobre os protagonistas das campanhas murais, bem como os materiais que utilizavam. Estas informações serão auxiliares importantes no momento de se traçarem intervenções de conservação e restauro ajustadas a cada caso. No presente artigo apresentaremos exemplos de campanhas de pintura mural documentadas, onde foram identificadas referências a materiais e a pintores, alguns dos quais desconhecidos. Pretendemos, assim, contribuir para a caracterização do contexto laboral dos pintores entre o final do século XVI e o início do século XIX.

Abstract In Alentejo there is a set of traditional decorative techniques (esgrafito, stucco, mural painting) that used lime and local pigments as a base, forming a very expressive artistic heritage. Amongst all, mural painting was the one that most marked the image of this region, requiring an interdisciplinary look. In this context, the research, survey and systematization of historical documentation becomes an essential tool. Through it is possible to gather new data about the protagonists involved in the mural campaigns, as well as the materials they used. This information will be an important tool when designing conservation and restoration interventions, tailored to each case. In this article we will present examples of documented mural painting campaigns, where references to materials and painters have been identified, some of them unknown. Thus, we intend to contribute to the characterization of the work context of painters between late 16th century and the beginning of the 19th century.

Abstract This article asks whether there were, in post-dictatorship Chile, limitations of the autonomy of cultural and artistic production addressing the memory of traumatic events. In particular, the article analyzes the content and history of the production of some relevant sections of the mural painting Memoria Visual de una Nación by the Chilean artist Mario Toral. The article demonstrates that public art was an arena of struggle for the meaning of democracy during the postdictatorship period. To do this, he uses concepts from post-structuralist political theory, cultural studies, the philosophy of memory, and memory studies. The article also offers an interpretation of cultural production as an open and contingent process. It concludes that the transition via transaction in Chile had a negative influence on the field of artistic production, reducing its autonomy and divergence from the dominant political discourse in the period.

Resumen Este artículo se pregunta si hubo, en el Chile de la posdictadura, limitaciones a la autonomía de la producción cultural y artística sobre la memoria de eventos traumáticos. En particular, se analiza el contenido y la historia de la producción de secciones relevantes del mural Memoria Visual de una Nación del artista chileno Mario Toral. El artículo demuestra que el arte público fue una arena de lucha por los sentidos de la democratización durante la posdictadura. Para ello usa conceptos de la teoría política posestructurlista, los estudios culturales, la filosofía de la memoria y los estudios de la memoria. El artículo ofrece también una interpretación de la producción cultural como un proceso abierto y contingente. Concluye que la transición vía transacción en Chile influyó negativamente sobre el campo de producción artístico reduciendo su autonomía y divergencia respecto del discurso político dominante en el período.

Resumen El presente ARTÍCULO DE INVESTIGACIÓN aborda, mediante técnicas analíticas no invasivas y no destructivas, el estudio material de una pintura mural perteneciente a la primera etapa decorativa del exconvento de Santo Domingo Tehuantepec, Oaxaca, México. El convento fue construido entre 1544 y 1545 por los frailes dominicos. Este estudio, que es parte del proyecto de restauración del inmueble y de sus acabados decorativos, afectados por el sismo del 7 de septiembre de 2017, se enfocó en la caracterización de la paleta pictórica mediante fluorescencia de rayos X (FRX) y microscopia óptica digital (MOD), y por medio de colorimetría se registró el color de la pintura mural recién liberada. Los resultados revelan el uso de pigmentos de costo, calidad y durabilidad muy altos, como cinabrio o bermellón, oropimente y negro de hueso, lo que demuestra la importancia histórica y material de las decoraciones del recinto.

Abstract The following RESEARCH ARTICLE discusses the application of non-invasive and non-destructive analytical techniques to study the materials used in a mural painting from the first decorative stage at the former convent of Santo Domingo Tehuantepec, in Oaxaca, Mexico. This convent was built between 1544 and 1545 by Dominican friars, and the study is part of the restoration project for this heritage site and its ornamental finishes impacted by the earthquake of September 7th, 2017. The study focuses on characterizing the pictorial palette of the mural using X-ray fluorescence (XRF) and digital microscopy and colorimetry to record the colors of the newly revealed mural painting. The results indicated that very costly pigments with a high level of quality and durability (such as cinnabar or vermilion, orpiment, and bone black) had been used, which speaks to the historic and material importance of the decorations in the building.

Résumé: À Teotihuacán, au cours des XIXe et XXe siècles, de nombreux vestiges de peintures murales ont été retrouvés, dont l’archivage fait partie de la mémoire archéologique de la ville. Cet ouvrage retrace brièvement l’évolution des découvertes de la peinture murale dans la période classique de la ville jusqu’a l’aube du XXIe siècle. Grâce à ce registre détaillé, nous visualisons la présence constante d’une forme géométrique pouvant porter un symbolisme particulier: le cercle rouge. Une visite guidée de l’architecture qui a mis en lumière ce dessin est présentée, a fin de réaliser une première approche du motif visuel que les artistes de Teotihuacan ont élaboré avec cette forme et de la valeur iconographique des cercles rouges dans le discours mural de la ville.

Abstract: In Teotihuacan during the XIX and XX century many remains of wall paintings were recovered from the inside of houses and public buildings. The goal of this research paper is to give a brief account of the mural paintings discovered at the ancient city till the beginning of the XXI century, we have implemented a systematic registration project, which in the end will constititute one of the most complete memories of this artistic expression. Thanks to the detailed surveys, we have been able to recognize the constant presence of geometric shapes that could carry a particular symbolism: the Red Circle. There is then a tour of the architecture that held this design, whit the aim of achieving a first approach to visual pattern that Teotihuacan artists succeeded whit this form, and the possible iconographic value the red circles in the discourse mural in the city.

Resumen: En la pintura mural prehispánica se plasmaron símbolos, escenas reales y ficticias, que nos permiten penetrar el universo ideológico de sus creadores. En Teotihuacán, durante los siglos XIX y XX se recuperó una gran cantidad de vestigios de pintura mural cuyo registro forma parte de la memoria arqueológica de la ciudad. Este trabajo hace un breve recuento de los hallazgos de pintura mural en la urbe del Clásico, hasta los albores del siglo XXI. Gracias al registro detallado, visualizamos la presencia constante de una forma geométrica que podría portar un simbolismo particular: el círculo rojo. Se presenta entonces un recorrido por la arquitectura que ostentó este diseño, para lograr un primer acercamiento al patrón visual que los artistas teotihuacanos alcanzaron con esta forma y al posible valor iconográfico de los círculos rojos en el discurso mural de la ciudad.

Abstract This article presents various approximations to the practice of urban mural ainting in San Cristobal de Las Casas. The analysis of the characteristics of graphic-pictorial urban intervention and creative processes through talks and interviews with artists and examination of their works made it possible to glimpse the projects, ideas, and discourse that flow from the creativity in this city. In this way, we can approach some of the senses and meanings that allow us to conceive urban mural painting as a youthful, artistic-social, collective, and community practice.

Resumen En este artículo se presentan algunas aproximaciones al fenómeno del muralismo urbano en San Cristóbal de Las Casas, Chiapas. Se efectuó un análisis de las características generales de la intervención urbana gráfico-pictórica y de los procesos creativos a través de entrevistas a los creadores y del acercamiento a sus obras, lo que hizo posible vislumbrar los proyectos, ideas y discursos que emanan de la práctica creativa n esta ciudad, para así aproximarse a algunos de los sentidos y significados que permiten concebir el muralismo urbano como práctica juvenil, artístico-social, colectiva y comunitaria.

ABSTRACT This work presents the Mural Workshop that emerged in 1969 at the Art Institute of the Catholic University of Valparaíso, which was led by the painter, architect and professor Francisco Méndez Labbé, with the collaboration of Eduardo Pérez, Eduardo Vilches and Nemesio Antúnez. During its almost four years of existence, the project was responsible for the creation of more than sixty murals in different parts of Valparaíso, all of which have disappeared, with the exception of two that are cur rently part of the Open-Air Museum circuit in Cerro Bellavista. This article aims to demonstrate that this project, interrupted by the dictatorship in 1973 and reconfigured in the form of the Open-Air Museum in 1991, was an innovative proposal that did not compare with other mural projects with a political orientation that developed in Chile during the same period. The focus of the Mural Workshop was pictorial and artistic, defined by strategies of collective and pedagogical participation in the public space that Méndez linked to his theoretical thinking and to the influence of the School of Architecture at the Catholic University of Valparaíso.

RESUMEN Este trabajo presenta el Taller de Murales surgido en 1969 en el Instituto de Arte de la Universidad Católica de Valparaíso, liderado por el pintor, arquitecto y profesor Francisco Méndez Labbé y en el que también participaron Eduardo Pérez, Eduardo Vilches y Nemesio Antúnez. Durante los casi cuatro años en que el proyecto se llevó a cabo, se concretaron más de sesenta murales en distintos puntos de la ciudad (hoy desaparecidos, a excepción de dos que forman parte del actual circuito del Museo a Cielo Abierto). Se propone que este proyecto, interrumpido por la dictadura en 1973 y reconfigurado bajo la forma del Museo a Cielo Abierto en 1991, fue una propuesta innovadora que no tuvo comparación con otros proyectos muralistas de orientación política desarrollados en Chile durante el mismo periodo. En este caso, el interés era pictórico y artístico, definido por estrategias de participación colectivas y pedagógicas en el espacio público, que Méndez vinculó a su pensamiento teórico y a la influencia de la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica de Valparaíso.

The preservation of Cultural Heritage is undoubtedly important for the society, and Conservation Science must dedicate itself to attempts to minimize the inherent processes of degradation to which cultural assets are susceptible. In this context, the evaluation of the chemical aspects of the composition of the objects and their relation with the environment where they are located are essential for the understanding of the decay signs observed, supporting the establishment of effective conservation strategies. These characteristics are demonstrated here by vibrational spectroscopy, scanning electron microscopy and microbiological analysis of efflorescences observed in two types of paintings: a tempera on canvas painting ("Barco com bandeirinhas e pássaros", Alfredo Volpi, 1955) and an oil mural painting of the Throne Room of the National Palace of Mafra (18th-19th century, Mafra, Portugal). The challenges involved in the investigation of the efflorescences are demonstrated in both cases, suggesting the occurrence of degradation processes of different origins: in Alfredo Volpi's tempera on canvas painting, the migration of substances from the preparation layer to the surface of the pictorial layer and microbiological colonization; and in the mural painting the migration of calcium salts from the constituent materials of plaster and of neoformation, besides associated microbiological colonization.

Resumen Tradicionalmente, el arte namban ha sido visto como un simple producto de intercambios entre Japón, Portugal y España. La historiografía tiende a centrarse únicamente en las contribuciones artísticas de la Compañía de Jesús por establecer una escuela de pintura en Japón. De este modo, se ha enfatizado la relevancia de la ruta indo-portuguesa en la historia intercultural. Sin embargo, los avances de investigación en las últimas décadas identifican que las obras namban se conforman de herencias artísticas de diversas regiones del mundo que estaban conectadas a través de las rutas transoceánicas portuguesa y española. De igual modo, el arte namban japonés influyó en las producciones artísticas del otro lado del mundo. En resumen, el arte namban no puede entenderse sin tener en cuenta sus implicaciones globales. Este artículo dilucida los cambios en la comprensión epistemológica del arte namban y sus redeiniciones mediante una revisión historiográica. También resalta la importancia de América hispánica en los mecanismos de intercambio artístico. Estas interacciones se dieron de manera mutua, ya que el Nuevo Mundo es una de las regiones donde el arte japonés tuvo una influencia significativa en las producciones locales. Para ejemplificar este fenómeno, este trabajo aborda la influencia del arte namban en la pintura mural El gran martirio de Japón en 1597 en Cuernavaca, Morelos, México.

Abstract Traditionally, nanban art has been seen as a simple product of exchanges between Japan, Portugal and Spain. The historiography tends to solely focus on artistic contributions of the Society of Jesus due to the foundation of a painting school in Japan. Thereby, the relevance of the Indo-Portuguese route in the cross-cultural history has been emphasized. However, the research advances of the last decades identify that nanban works consist of artistic inheritances from diverse regions of the world which were connected through the Portuguese and Spanish transoceanic routes. Similarly, Japanese nanban art influenced the artistic productions on the other side of the world. In summary, nanban art cannot be understood without taking into account its global implications. This paper clarifies the changes in epistemological understanding of nanban art, and its redefinitions through a historiographical review. This work also shows the important role of Spanish America in the artistic exchange mechanisms; these interactions occurred reciprocally. Therefore, the New World was one of the regions where Japanese art significantly influenced local productions. To exemplify this phenomenon, we address the influence of nanban art on the mural painting The great martyrdom of Japan in 1597 in Cuernavaca, Morelos, Mexico.

Resumo Tradicionalmente, a arte namban tem sido vista como um simples produto de intercâmbios entre Japão, Portugal e Espanha. A historiografia tende a se centrar unicamente nas contribuições artísticas da Companhia de Jesus por estabelecer uma escola de pintura no Japão. Deste modo, tem sido enfatizada a relevância da rota indo-portuguesa na história intercultural. Não obstante, os avanços nas pesquisas das últimas décadas identiicam que as obras namban se conformam como herança artística de diversas regiões do mundo que estavam conectadas através das rotas transoceânicas portuguesas e espanholas. De igual modo, a arte namban japonesa influiu nas produções artísticas do outro lado do mundo. Em resumo, a arte namban não pode ser entendida sem ter em conta suas implicações globais. Este artigo clariica as mudanças na compreensão epistemológica da arte namban e suas redeinições mediante uma revisão historiográica. Também ressalta a importância da América hispânica nos mecanismos de intercâmbio artístico. Estas interações se deram de forma mútua, já que o Novo Mundo é uma das regiões onde a arte japonesa teve uma influência significativa nas produções locais. Para exemplificar este fenómeno, este trabalho aborda a influência da arte namban na pintura mural O grande martírio do Japão em 1597 em Cuernavaca, Morelos, México.

Resumen A través de un análisis comparativo -entre estrategias narrativas producidas en un mismo contexto; entre contextos distintos pero cuyos procesos de construcción cultural dependen de una reformulación de la visualidad en la modernidad temprana; y entre medios y dispositivos visuales que producen, pero también reorganizan el conocimiento- este artículo propone una nueva interpretación de las célebres pinturas murales de las casas tunjanas de finales del siglo XVI y la primera parte del siglo XVII, en el marco de un Renacimiento global. En este proceso, se reconsideran los conceptos que han sido utilizados en interpretaciones anteriores, tales como originalidad, identidad y exotismo, matizando así el enfoque tradicional de los estudios iconográficos que han predominado en la interpretación de estos murales. Dicha perspectiva permite salirse del paradigma binario en el que suelen inscribirse las interpretaciones del uso de las fuentes grabadas; así, se redimensiona el problema de las fuentes y de las relaciones habitualmente establecidas entre texto e imagen. Finalmente, se contextualizan dichas pinturas en su entorno específico, pero en un marco global, que a su vez redistribuye el modelo de centro y periferia.

Abstract Based on a comparative analysis -between narrative strategies created within the same context; between different contexts in which processes of cultural construction depended on the reformulation of visual culture in the Early Modern period; and between media and devices that produce but also reorganize knowledge- this article proposes a new interpretation of the renowned late-sixteenth and early-seventeenth-century wall paintings in a series of houses in Tunja, as seen within the framework of a Global Renaissance. In this process, concepts that have been used in earlier interpretations, such as originality, identity and exoticism, are reconsidered, thus nuancing the traditional iconographic focus that has predominated in the studies of these paintings. This perspective goes beyond the binary paradigm usually used to interpret the use of printed sources; in this way, the problem of sources and of the relationship usually established between text and image is reconsidered. Finally, these paintings are contextualized in their specific surroundings, but within a global frame, which serves to redistribute the model of center and periphery.

Resumo Através de uma análise comparativa -entre estratégias narrativas produzidas em um mesmo contexto; entre contextos diferentes, mas cujos processos de construção cultural dependem de uma reformulação da visualidade na primeira época moderna; entre meios e dispositivos visuais que produzem conhecimento, mas também o reorganizam- este artigo propõe uma nova interpretação das célebres pinturas das casas de Tunja do final do século XVI e da primeira metade do século XVII no contexto de um Renascimento global. Neste processo, reconsideram-se os conceitos que foram utilizados em interpretações anteriores, tais como originalidade, identidade e exotismo, matizando, assim, o enfoque tradicional dos estudos iconográficos que predominaram na interpretação desses murais. Esta perspectiva permite sair do paradigma binário no qual costumam inscrever-se as interpretações do uso das fontes gravadas; assim, redimensiona-se o problema das fontes e das relações habitualmente estabelecidas entre texto e imagem. Finalmente, contextualizase essas pinturas em seu meio específico, mas em um contexto global, o qual, por sua vez, redistribui o modelo de centro e periferia.

Abstract: In this paper we propose a line of research that joins historical and visual documents in order to explain the profusion and validity throughout centuries of several different iconographic programs in the archdiocese of Colonial Cusco. Some characteristics of mural painting associated to evangelizing contexts will be analyzed, as well as the link that existed between two specific types of indigenous confraternities in Colonial times, and the vigor of a recurring series of evangelization topics, such as heaven and hell, proper of the Andean baroque.

Resumen: En el presente trabajo se propone una línea de investigación que aúna los documentos históricos con los visuales en pro de explicar la profusión y vigencia, a través de los siglos, de distintos programas iconográficos en la zona del Obispado del Cusco colonial. Se revisarán las características de la pintura mural asociada al contexto evangelizador, para finalmente indagar sobre el vínculo que existió entre dos tipos específicos de cofradías de naturales durante la Colonia y la vigorosidad de una serie recurrente de temas evangelizadores como el cielo y el infierno, característicos del barroco andino.