Abstract Determinism states that everything that happens in the world is previously established in the laws that govern the cosmos. Such a view conflicts with the existence of freedom and free will since every action, decision or human work would be subjected to the laws governing the cosmos, determined by them. This would also inescapably affect our conception of the human practices of judging the actions of others and assigning responsibilities. This conflict seems especially clear in the case of the secondary world of Tolkien, where Eä is explicitly designed by God and his will is set upon the world through the Music of the Ainur. This paper is but a modest review of these issues under the light of J.R.R. Tolkien’s works and aims to recover a contemporary conception of determinism so that it becomes a secondary problem.

Resumen: El determinismo es la tesis que sostiene que en el mundo todo cuanto ocurre está preestablecido por las leyes que gobiernan el cosmos. Tal visión entra en conflicto con la existencia de la libertad y el albedrío, pues toda acción, decisión u obra humana estaría sujeta a las leyes que gobiernan el cosmos y determinan su proceder. De forma ineludible, ello impacta las prácticas de juzgar las acciones de otros y atribuir responsabilidades. Este conflicto es especialmente patente en el caso del mundo secundario de Tolkien, donde Eä es el producto directo de los designios de Dios preestablecidos en la Música de los Ainur. Este trabajo es un modesto repaso de estas cuestiones a propósito de la obra de J.R.R. Tolkien, y aspira a rememorar una concepción contemporánea de la cuestión del determinismo de manera que pase a ser un problema secundario.

ABSTRACT The Creation section has the objective of publish unpublished texts and materials by writers and/or artists, photographers, designers, as well as unpublished documents found in the USP IEB Archive. “Streets, houses, and gardens” brings together two stories about madness and death that explore the subtle zone of indistinctiveness between subjective life, urban transformations, and inherited objects. Rezende is a writer and a Music professor at the Universidade Federal da Integração Latino-Americana. “Um bairro para se perder” employs a narrator in the Machadian style (SCHWARTZ, 2000), apparently impartial, to narrate a love story set in a constantly changing neighborhood, while “O canteiro” freely elaborates on the concept of lack based on the works of Freud (2011) and Lacan (1995). andor or artists photographers designers Archive Streets, Streets “Streets houses gardens life transformations objects LatinoAmericana. LatinoAmericana Latino Americana. Americana Latino-Americana Um perder SCHWARTZ, SCHWARTZ (SCHWARTZ 2000, 2000 , 2000) impartial neighborhood O canteiro 2011 (2011 1995. 1995 . (1995) 200 201 (201 199 (1995 20 (20 19 (199 2 (2 1 (19 ( (1

RESUMO A seção Criação tem por objetivo publicar textos e materiais inéditos de escritores e/ou artistas, fotógrafos, desenhistas, além de documentos inéditos encontrados no Arquivo do IEB/USP. “Ruas, casas e jardins” reúne dois contos sobre a loucura e a morte que exploram a sutil zona de indiferenciação entre a vida subjetiva, transformações urbanas e objetos herdados. Rezende é escritor e professor de Música na Universidade Federal da Integração Latino-Americana. “Um bairro para se perder” se vale de um narrador ao estilo machadiano (SCHWARZ, 2000), aparentemente imparcial, para narrar uma história de amor ambientada em um local em constante transformação, enquanto “O canteiro” elabora livremente a figura da falta com base nas obras de Freud (2011) e Lacan (1995). eou ou artistas fotógrafos desenhistas IEBUSP IEB USP IEB/USP Ruas, Ruas “Ruas jardins subjetiva herdados LatinoAmericana. LatinoAmericana Latino Americana. Americana Latino-Americana Um perder SCHWARZ, SCHWARZ (SCHWARZ 2000, 2000 , 2000) imparcial transformação O canteiro 2011 (2011 1995. 1995 . (1995) 200 201 (201 199 (1995 20 (20 19 (199 2 (2 1 (19 ( (1

Abstract: Traditional Chinese music had a long history, with rich and extensive aesthetic concepts. The integration of traditional music and aesthetic ideas has a significant impact on the formation of China’s traditional music system. This article explored the interactive influence of traditional music and aesthetic ideas, and elaborated on the musical ideas in traditional Chinese aesthetics. The content of musical aesthetic ideas of Confucianism, Taoism and Mohism was discussed, and the position of aesthetic ideas in traditional Chinese music was analyzed. By combing and analyzing the relevant literature, ancient books and historical materials, it is possible to understand the historical evolution and mutual influence of traditional music and aesthetic thought. Traditional aesthetic concepts not only played an important role in the development of Chinese music, but also played an undeniable role in promoting the development of Chinese music over thousands of years of history. This article aimed to explore the interaction between traditional music and aesthetic ideas, as well as the impact of traditional aesthetics on music, in order to promote the integration and development of traditional music and aesthetic ideas. In the evaluation of the interaction between traditional music and aesthetic thought, there may be a situation that the concept is too simplified. The relationship between traditional music and aesthetic thought is very complicated, involving many schools, historical periods and regions. It may not be able to fully cover all the influencing factors if it is only summarized by Confucianism, Taoism and Buddhism. It is suggested that the education and inheritance of traditional music and aesthetic ideas should be strengthened in music education. More traditional music artists and aesthetic theorists should be cultivated, so that they can pass on traditional music and aesthetic ideas to future generations and continue to develop and innovate in contemporary society. Abstract history Chinas China s system Confucianism discussed analyzed literature materials simplified complicated schools regions Buddhism cultivated society

Resumo: A música tradicional chinesa tem uma longa história, repleta de conceitos estéticos ricos e extensos. A integração da música tradicional e das ideias estéticas tem um impacto significativo na formação do sistema musical tradicional da China. Este artigo explora a influência interativa da música tradicional e das ideias estéticas, analisando as ideias musicais da estética tradicional chinesa, buscando promover a integração e o desenvolvimento da música tradicional e das ideias estéticas. Discute o conteúdo das ideias estéticas musicais do confucionismo, taoísmo e moísmo, bem como a posição das ideias estéticas na música tradicional chinesa. Ao combinar e analisar a literatura relevante, livros antigos e materiais históricos, é possível compreender a evolução histórica e a influência mútua da música tradicional e do pensamento estético. Os conceitos estéticos tradicionais não só desempenharam um papel importante no desenvolvimento da música chinesa, mas também na promoção do desenvolvimento da música chinesa, ao longo de milhares de anos de história. Na avaliação da interação entre a música tradicional e o pensamento estético, pode ocorrer uma situação em que o conceito seja demasiado simplificado. A relação entre a música tradicional e o pensamento estético é muito complicada, envolvendo muitas escolas, períodos históricos e regiões. Pode não ser capaz de cobrir totalmente todos os fatores de influência, se for resumido apenas pelo confucionismo, taoísmo e budismo. Sugere-se que a educação e a herança da música tradicional e das ideias estéticas sejam fortalecidas, na educação musical. Artistas musicais mais tradicionais e os teóricos da estética devem ser cultivados, a fim de poder transmitir a música tradicional e as ideias estéticas às gerações futuras e continuar a desenvolver-se e a inovar, na sociedade contemporânea. Resumo história extensos China confucionismo moísmo relevante simplificado complicada escolas regiões budismo Sugerese Sugere fortalecidas cultivados desenvolverse desenvolver inovar contemporânea

ABSTRACT: We aim to share processes and results of the work, which involved commented edition, publication, and phonographic recording of novel pieces for solo and four-hand piano by 15 renowned contemporary Brazilian composers. These were destined to be confrontation pieces to be interpreted in the Piano Contests “Prof. Abrão Calil Neto”, in the city of Ituiutaba in the state of Minas Gerais, performed from 2004 to 2019 in the mentioned town. This material was prepared for publication in four books (two for solo and two for four-hand piano), also recording a CD with some selected pieces of each author, and carried out some lecture recitals, with the objective of recording and spreading the contemporary Brazilian piano music. It is hoped that this article encourages that similar actions are realized. ABSTRACT work edition fourhand hand 1 composers Prof. Prof “Prof Neto, Neto , Neto” Gerais 200 201 town piano, piano) author recitals music realized 20 2

RESUMO: Buscamos neste artigo compartilhar os principais processos e resultados de trabalhos que envolveram a edição e a publicação de partituras e a gravação fonográfica de obras inéditas para piano solo e piano a 4 mãos compostas por quinze reconhecidos compositores brasileiros da atualidade, destinadas à interpretação como peças de confronto nos Concursos de Piano “Prof. Abrão Calil Neto”, da cidade mineira de Ituiutaba, realizados naquela cidade, de 2004 a 2019. Esse material foi preparado para publicação em quatro cadernos de partituras (dois de piano solo e dois de piano a 4 mãos), tendo sido feita também uma gravação de CD (Compact Disc) com peças selecionadas de cada autor e realizados recitais-palestra, ações que visaram registrar e difundir a música brasileira contemporânea para piano. Espera-se que este texto estimule a realização de ações semelhantes. RESUMO atualidade Prof. Prof “Prof Neto, Neto , Neto” Ituiutaba 200 2019 mãos, mãos) Compact Disc recitaispalestra, recitaispalestra recitais palestra, palestra recitais-palestra Esperase Espera se semelhantes 20 201 2

Abstract In the field of Social Studies of the Arts, numerous studies investigate the sexuality and eroticism of different dances in Argentina (for example, tango, electronic music, cuarteto, etc.). However, we identify a vacancy area regarding Contemporary Dance. In this article, we investigate the native meanings of eroticisms in the field of independent contemporary dance in the Paravachasca Valley (Córdoba, Argentina) through a collaborative ethnographic methodology. We carried out observant participation work between 2018 and 2022, from a corporeal approach, and we interviewed eight dancers who perform different gender identities (cis, bisexual and trans). We employed a reflective and collaborative data construction process of co-interpretation and co-theorization, with the contribution of grounded theory. We identify an expanded notion of eroticism, characterized by plurality, pleasure and not reduced to sexuality. Analytically, we distinguish three types of eroticism (sexual, sensual and aesthetic), which are realized in a unique and dynamic way in each dancer. Eroticisms are organized under a regime of concealment and discretion, based on the ethos and micropolitics of this field of art, which makes up an affective culture. One of its composition lines is an ethics of care, related to a feminist ethics. Thus, this analysis seeks to contribute to the study of eroticism in contemporary dance, and does so from the interior of the province.

Resumen En el campo de los estudios sociales del arte, numerosas investigaciones indagan la sexualidad y el erotismo de distintas danzas en Argentina (por ejemplo, tango, música electrónica, cuarteto, etc.). Sin embargo, identificamos un área de vacancia respecto de la danza contemporánea. De este modo, en el siguiente trabajo reponemos los sentidos nativos de los erotismos en el mundo de la danza contemporánea independiente en el Valle de Paravachasca (Córdoba, Argentina), a partir de una investigación etnográfica colaborativa. Realizamos un trabajo de participación observante entre 2018 y 2022 desde un enfoque corpóreo. Asimismo, para el presente estudio entrevistamos a ocho bailarinas que performan diferentes identidades de género (cis, bisexual y trans). Empleamos un proceso de construcción de datos reflexivo y colaborativo de co-interpretación y co-teorización, con el aporte de la teoría fundamentada. Identificamos un erotismo ampliado que se caracteriza por la pluralidad, el placer y la no reducción a lo sexual. Distinguimos analiticamente tres tipos de erotismos (sexuales, sensuales y estéticos) que toman cuerpo de forma singular y dinámica en cada bailarina. Los erotismos se organizan bajo un régimen de ocultamiento y de discreción, en función del ethos y la micropolítica de este mundo del arte, que configura una cultura afectiva, donde una de las líneas de composición es una ética del cuidado relacionada a una ética feminista. Este análisis aporta al estudio del erotismo en la danza contemporánea, específicamente desde el interior provinciano.

Abstract This article analyses the coming into being and the consolidation of Mexican wind bands, by highlighting the transit between the music whose harmonies had their roots in the viceroyalty, to modern music created with technically perfected instruments. The analysis is based on the idea that these musical ensembles were fundamental for the cultural development of the Mexican society of the nineteenth century, either due to their performing of a European repertoire, in accordance with their Hispanic heritage, or through the incorporation of hymns, marches, sones, and songs which boosted the creation of a musical nationalism, and with it a sense of identity and belonging. This is why it is of interest to examine the incursion of this music into the burgeoning phonographic industry, as well as looking into the first recordings, made between 1904 and 1910, focusing on three exceedingly important ensembles, which are: the band of the Artillery, the band of Zapadores, and the band of the Gendarmes of Mexico City. For the purpose of said examination, hermeneutics was the chosen method to study nineteenth-century press, references to sound archives, and the historiography related to the subject.

Resumen En el artículo se analiza el surgimiento y consolidación de las bandas de alientos mexicanas, haciendo evidente el tránsito de las músicas de armonía de antecedentes virreinales, a las modernas músicas conformadas por instrumentos técnicamente perfeccionados. Se parte de la idea de que ese particular conjunto musical fue fundamental en el propio desarrollo cultural de la sociedad mexicana decimonónica, ya sea por la ejecución de repertorio europeo siguiendo la herencia hispana o incorporando himnos y marchas, sones y canciones, que favorecían la construcción del nacionalismo musical y, con ello, un sentimiento de identidad y pertenencia. Esto justifica el interés por examinar la incursión de las músicas en la naciente industria fonográfica y por revisar las primeras grabaciones realizadas entre 1904 y 1910, mediante conjuntos sumamente significativos. Me refiero a las bandas de Zapadores, la de Artillería y la perteneciente a la Policía de la Ciudad de México. Para lograr el cometido, se usa la hermenéutica como método de estudio en el análisis de prensa decimonónica, así como referencias de archivos sonoros y de la historiografía relacionada con el objeto de estudio.

Abstract Electronica is characterized by the use of electronical instruments and equipment to produce synthesized and unnatural sounds and harmonies. It was originated from the changes in the aesthetical and epistemological paradigms occurred in the end of XIXth and the beginning of XXth Centuries. Also, e-music reflects the representational crisis of the objects of Art. Using this background as a standpoint, this essay aims to investigate the production of contemporary art and, specifically, electronical music, under two keys: the technical images of Flusser and Benjamin and the Freudian concept of “unheimlich”. The question that drives this investigation can be resumed hereinafter: the sum of its characteristics (its layered construction, use of noises, samples, experimental and non-human resources) enables electronic music to generate sensations of discomfort or displacement to evoke a familiar and warm atmosphere? If so, it is necessary to establish relations between Aesthetics, Psychoanalysis and Philosophy of Technique.

Resumo A música eletrônica (e-music) caracteriza-se pela produção de sonoridades sintetizadas a partir do uso de equipamentos e instrumentos eletrônicos e tem suas raízes nas mudanças de paradigmas estéticos e epistemológicos ocorridas durante o século XIX e XX, refletindo também, a crise representativa e ontológica dos objetos artísticos. A partir deste postulado, pode-se refletir sobre a produção da arte contemporânea e, principalmente, da música eletrônica sob duas chaves da estética e da subjetividade atuais: as imagens técnicas de Flusser e Benjamin e o infamiliar freudiano. Como os elementos que destacam a e-music enquanto gênero são a sua construção “em camadas” e a utilização de recursos experimentais e não-humanos, como o ruído e os samples, a soma de tais elementos seria capaz de provocar sensações de desconforto e, simultaneamente, evocar elementos familiares, remetendo aos debates que relacionam Estética, psicanálise e filosofia da técnica?

Abstract Through a panoramic analysis of the presence of dance in cinema, from the beginning to the contemporary production, we realize that it can emerge sometimes as an integral and structuring part of the film, in the musical genre, and sometimes as a contrasting and disruptive element, in non-musical films. While sketching an aesthetic of corporeal movements in audiovisual works, we assume that sound cinema, in a way, silences the body dynamics on the screen, by focusing on speech and the meaning of words, eliminating or considerably reducing all the visual and semantic powers contained in the incredible expressive rhetoric of bodies. Can dance, the natural shelter of a certain irrational gestural impulse, serve, as Béla Balázs proposed, to make us be affected by a film in a direct and unequivocal way, as if it were music? cinema production genre element nonmusical non films works way screen words bodies impulse serve proposed music

Resumo Por meio de uma análise panorâmica da presença da dança no cinema, desde os primórdios até a produção contemporânea, percebemos que ela pode emergir ora como parte integrante e estruturante do filme, no gênero musical, ora como um elemento contrastante e disruptivo, em filmes não musicais. Ao esboçarmos uma estética da movimentação dos corpos em obras audiovisuais, partimos do pressuposto de que o cinema sonoro de certo modo silencia a dinâmica corporal na tela ao concentrar seu foco na fala e no sentido das palavras, eliminando ou reduzindo consideravelmente toda a potência (plástica, mas também semântica) contida na incrível retórica expressiva dos corpos. Será que a dança, abrigo natural de certa pulsão gestual irracional, pode servir, como propunha Béla Balázs, para que sejamos atingidos por um filme de maneira direta e inequívoca, como se fosse uma música? contemporânea musical disruptivo musicais audiovisuais palavras plástica, plástica (plástica semântica irracional servir Balázs inequívoca música

Resumen La exposición de una voz que se desintegra, se desprovee de su carácter comunicativo y se hunde en un estrato precultural y protolingüístico, vertebra la obra vocal de Meredith Monk. Con su trabajo, la creadora (desde un modelo estético plural que abarca la actividad dramática, poética, musical y audiovisual( explora el terreno de la antropología de la cultura. La voz, en este modelo compositivo, se repliega tanto sobre su raíz musical como sobre técnicas expandidas: susurros, gritos, risas. En las siguientes páginas se ofrece una visión sintética de esta propuesta creativa desde una base epistemológica vertebrada por medio de motivos como el juego, la mímesis, la dialéctica entre composición y descomposición y el concepto de musilenguaje. Este último, trabajado por autores como Robert N. Bellah, Steven Brown o Steven Mithen, comprende la música como base del habla.

Abstract Meredith Monk’s vocal music is defined by the presence of a disintegrated language -a language which has abandoned its normative nature- The voice, accompanied by a thorough gestural language, falls into a precultural, protolinguistic stratum. With his work, Monk -from a wide variety of aesthetics proposals: music, poetry, dramaturgy, audiovisual- gets into the area of Cultural Anthropology. In her compositions, the voice emerges always as music, but this music, first and foremost, seeks refuge in different human expressions as sighs, moans, screams or laughs. Throughout the following pages a synthetic view of Monk’s aesthetics from an epistemological basis will be shown, a basis where notions like game or mimesis play an axial role, as well as some others notions related to those, especially the dialectics between creation and decreation, or the concept musilanguage (as proposed by Robert N. Bellah, Steven Brown and Steven Mithen). This last term refers to music as basis of language.

Resumen El presente texto aborda tres cuentos de La música interior de los leones (2019), de Martín Cristal, en una lectura que se interroga sobre el carácter conspirativo de las ficciones narrativas actuales, desde la perspectiva de la hermenéutica dialéctica. En "Vivir a la sombra", "Farmagedón" y "Ofrenda", el policial se amplía hasta poner en cuestión las fobias sociales, reescribe las coordenadas del terror y extiende la incertidumbre a los paradigmas cognitivos vigentes mediante la alusión a la ciencia ficción. Así, la conspiración se dibuja en el tejido discursivo como red de redes, forma totalizante privilegiada, invisible y conflictiva que permite leer los núcleos de dominación.

Abstract This paper analyzes three short stories from La Música Interior de los Leones (2019), by Martin Cristal. It focuses on the conspiratorial nature of current narrative fictions from the perspective of dialectical hermeneutics. In the imaginary worlds of "Vivir A La Sombra", "Farmagedón", and "Ofrenda", the detective genre expands to question social phobias, rewrites the coordinates of terror, and extends uncertainty to scientific paradigms through the allusion to science fiction. Thus, the conspiracy is drawn from the discursive organization as a network of networks, a privileged, invisible, and conflictive totalizing form that allows the nuclei of domination to be read.

Resumo O texto aborda três histórias de La música interior de los leones (2019), de Martin Cristal, em uma leitura que se interroga sobre o caráter conspirativo das ficções narrativas atuais, desde a perspectiva da hermenêutica dialética. Em "Vivir a la sombra", "Farmagedón" e "Ofrenda", o policial se amplia até colocar em questão as fobias sociais, reescreve as coordenadas do terror e estende a incerteza aos paradigmas científicos por meio da alusão à ciência de ficção. Dessa maneira, a conspiração se desenha como uma teia de redes, de forma totalizadora e privilegiada, invisível e conflitiva que nos permite entender os núcleos de sua dominação.

ABSTRACT Noting the inadequacy of the understanding of music as a mere superficial phenomenon of a sociopolitical expression, the article presents how Fado Bicha emphasizes the importance of performativity in an improbable resistance founded in fado. It seeks to demonstrate how the performances and songs of Fado Bicha assume themselves as producers of denunciation and protest and, above all, as (re)creators of gender themes/problems. Their manifest insurgence in the Portuguese reality is based in provoking agitation and change through their reading of it, as it constitutes an integral element of a collective identity reconfigured by artivism. Thus, we sought to break with the fact that music, as a medium that reaches a large number of people on a trans-global scale, has still been little studied in its political impact, that is, as an instrument of refutation of hegemonies, of resistance and of articulation of new alternatives - and, precisely, where it was least expected - in fado. expression fado all recreators re creators themesproblems themes problems themes/problems artivism Thus transglobal trans global scale impact hegemonies precisely

RESUMO Notando a desadequação do entendimento da música como mero fenómeno superficial de uma expressão sociopolítica, mostraremos, neste artigo, como os Fado Bicha enfatizam a importância da performatividade numa improvável resistência fundada no fado. Na verdade, procuramos demonstrar como as performances e as canções do Fado Bicha se assumem como produtores de denúncia e de protesto e, sobretudo, são (re)criadoras de temáticas/problemáticas de género. A sua insurgência manifesta na realidade portuguesa, ao provocar-lhe agitação e mudança pela leitura que dela fazem, constitui-se em elemento integrante de uma identidade coletiva reconfigurada pelo artivismo. Assim, procurou-se romper com o facto de a música, enquanto meio que atinge um elevado número de pessoas a uma escala transglobal, ter sido ainda pouco estudada no seu impacto político, isto é, como instrumento de refutação de hegemonias, de resistência e de articulação de novas alternativas - e, justamente, onde menos se esperava - no fado. sociopolítica mostraremos artigo fado verdade sobretudo recriadoras re criadoras temáticasproblemáticas temáticas problemáticas género portuguesa provocarlhe provocar lhe fazem constituise constitui artivismo Assim procurouse procurou transglobal político é hegemonias justamente

Resumo O projeto que se apresenta propôs-se a explorar os efeitos do recurso a elementos extramusicais do Minho na abordagem pedagógica de repertório contemporâneo português, numa escola de música de ensino artístico especializado localizada nessa região. A fim de evitar a descontextualização da escola de música, alheia ao seu local e ao seu tempo, o projeto procurou aliar o europeu, o nacional e, sobretudo, o local, por entre sonoridades vanguardistas contextualizadas pelos significados extramusicais que lhes serviram de inspiração. Combinando metodologias de investigação-ação e estudo de caso, o projeto envolveu a observação detalhada do processo de aprendizagem de peças evocativas de elementos extramusicais minhotos do compositor contemporâneo português Amílcar Vasques-Dias, por dois alunos de piano do ensino secundário. A metodologia incluiu (1) a análise musical das peças focada nos elementos extramusicais, para a fase do planeamento; e (2) aulas centradas no cruzamento entre o musical e o extramusical e ainda um concerto final, para a fase da intervenção. Os resultados indicaram que os elementos extramusicais promoveram a ‘compreensão’ (ou apreciação) da linguagem musical contemporânea por parte dos alunos intervencionados, desempenhando assim uma função de mediação técnica, interpretada segundo Albèra (2007). Ademais, contribuíram para a melhoria de aspetos técnicos, interpretativos e expressivos. Por outro lado, o recurso a estes elementos ajudou a promover a valorização da cultura regional, tendo ocorrido inclusivamente um caso de contextualização curricular, em que os elementos minhotos se aproximaram das vivências pessoais da aluna.

Abstract The present case study aimed to explore the possible advantages of using extra-musical elements from the region of Minho in the pedagogical approach of contemporary Portuguese repertoire, in an official music school located in that region. To avoid the decontextualization of the music school, the project aimed to unite the European element to the national element and, above all, to the local element, through modern sounds contextualized by the extra-musical meanings which inspired the composition. Following an action research framework, two participant students of the secondary level were asked to study musical pieces, which evocated elements from Minho, of the contemporary Portuguese composer Amílcar Vasques-Dias. Combined with case study methodologies, the project involved a detailed observation of the learning process of those musical pieces. The methodology included: (1) a musical analysis focused on extra-musical elements and (2) an action implementation, with classes focused on the establishment of bridges between the musical and the extra-musical elements and a final concert. The results indicated that the extra-musical elements promoted the 'understanding' (or appreciation) of contemporary musical language, thus playing a role of technical mediation, interpreted according to Albèra (2007). Besides, they contributed to the improvement of several performative aspects, at the technical and musical levels. On the other hand, the use of these elements helped to promote the local culture. In one case, those elements were familiar to the student's personal experiences, constituting thus an example of curricular contextualization.

Résumé L'étude de cas présentée a eu pour but d'explorer les avantages possibles de l'utilisation d'éléments extramusicaux de la región du Minho dans l'approche pédagogique du répertoire portugais contemporain, dans une école officielle de musique située dans cette région. Afin d'éviter la décontextualisation de l'école de musique, étrangère à son lieu et à son époque, le projet a cherché à unir l'européen, le national et surtout le local, entre sonorités modernes contextualisés par les significations extramusicales qui ont servi d'inspiration à la composition. Dans un cadre de recherche-action, il a été demandé à deux élèves du secondaire d’étudier des pièces pour piano évocatrices d'éléments du Minho du compositeur portugais contemporain Amílcar Vasques-Dias. Combiné avec des méthodologies d'étude de cas, le projet a impliqué une observation détaillée du processus d'apprentissage de ces pièces musicales. La méthodologie a compris (1) une analyse musicale axée sur des éléments extramusicaux, pour la planification et (2) des cours basés sur l'intersection entre le musical et l’extramusical et un concert final, pour l'intervention. Les résultats ont indiqué que les éléments extramusicaux ont favorisé la «compréhension» (ou l'appréciation) du langage musical contemporain chez les étudiants interventionnels, jouant ainsi un rôle de médiation technique, interprété selon Albèra (2007). De plus, ils ont contribué à l'amélioration des aspects techniques, interprétatifs et expressifs. D'autre part, l'utilisation de ces éléments a contribué à promouvoir l'appréciation de la culture régionale. Enfin, les éléments du Minho se sont rapprochés des expériences personnelles de l‘une des étudiants, constituant ainsi un cas de contextualisation curriculaire.

Resumen Desde sus inicios, la pedagogía vocal de la música comercial contemporánea (término utilizado para referirse a la música popular, no lírica), se ha visto enfrentada a una serie de desafíos, dado a que inicialmente su canto fue enseñado de acuerdo con la técnica lírica, a pesar de contar con diferencias sustanciales en cuanto a la forma de emplear la voz, los recursos y registros vocales, propios de cada género musical, la amplificación externa, la formación y conocimientos necesarios para entrenar la voz, la evaluación y detección de problemas vocales, las herramientas pedagógicas necesarias para enseñar canto, entre otras distinciones. Lo anterior exige un replanteamiento de la pedagogía vocal y sus metodologías correspondientes para promover el aprendizaje de estudiantes de canto de música comercial contemporánea.

Abstract Contemporary commercial music vocal pedagogy has faced a number of challenges. This term is used to refer to popular or "non-lyrical" music. From its beginnings, the singing of contemporary commercial music was related and was taught based on lyrical technique, despite having substantial differences in the way of using the voice, such as the use of vocal registers, external amplification, and vocal resources of each musical genre, among other distinctions. Other challenges mentioned will be the training and knowledge necessary to train the voice, the evaluation and detection of vocal problems, and the pedagogical tools necessary to teach singing are challenges. Due to the aforementioned, there must be a rethinking of vocal pedagogy and its corresponding methodologies to promote the learning of contemporary commercial music singing students.

Resumen Introducción: La forma tradicional de facilitar una buena voz para cantar se ha logrado mediante un riguroso entrenamiento de la voz. Sin embargo, en la actualidad, existen aspectos de la voz cantada que pueden mejorarse mediante el procesamiento digital. Aunque en el pasado las manipulaciones de frecuencia o intensidad tenían que lograrse a través de las diversas técnicas de canto del cantante, la tecnología actual permite ahora mejorar la voz del canto desde los instrumentos dentro de los estudios de grabación. En esencia, la pedagogía de la voz tradicional y la evolución del procesamiento de audio digital se esfuerzan por lograr una mejor calidad de la voz cantada, pero con métodos diferentes. No obstante, los principales aspectos de cómo se puede manipular la voz cantada no se comunican entre los profesionales de cada campo respectivo. Objetivo: Este artículo ofrece información sobre cómo la calidad de la voz cantada se puede cambiar fisiológicamente a través de las formas tradicionales del entrenamiento de la voz, y también digitalmente a través de varios instrumentos que ahora están disponibles en los estudios de grabación. Reflexión: Las formas en que los cantantes entrenan su voz deben estar mediadas por la tecnología de audio que está disponible en la actualidad. Aunque hay aspectos en los que la tecnología digital puede ayudar a la voz del cantante, quedan áreas en las que los cantantes deben entrenar su sistema de canto a nivel fisiológico para producir una mejor voz al cantar.

Abstract Introduction: The traditional way of facilitating a good singing voice has been achieved through rigorous voice training. In the modern days, however, there are some aspects of the singing voice that can be enhanced through digital processing. Although in the past, the frequency or intensity manipulations had to be achieved through the various singing techniques of the singer, technology today allows the singing voice to be enhanced from the instruments within recording studios. In essence, the traditional voice pedagogy and the evolution of digital audio processing both strive to achieve a better quality of the singing voice, but with different methods. Nevertheless, the major aspects of how the singing voice can be manipulated are not communicated among the professionals in each field. Objective: This paper offers insights as to how the quality of the singing voice can be changed physiologically through the traditional ways of voice training, and also digitally through various instruments that are now available in recording studios. Reflection: The ways in which singers train their voice must be mediated with the audio technology that is available today. Although there are aspects in which the digital technology can aid the singer’s voice, there remain areas in which the singers must train their singing system in a physiological level to produce a better singing voice.

This article analyzes the creation and consolidation of the Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez from the field theory of Pierre Bourdieu. This event which takes place annually in Mexico and whose purpose is to present current concert music has been a musical reference scenario from 1979 to date. Therefore, throughout this paper the advent and development of this space is studied trying to understand the context in which it took place, its foundation and how it came to be consolidated in the Mexican music scene, while discerning the importance that had Manuel had Enríquez as the architect of the Forum. For this, a historical line is generated through which it is possible to understand an important part of its operation, that is, to observe how it is constituted, what its dynamics are and what kind of habitus it has generated.

El estudio analiza la creación y consolidación del Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez desde la teoría de campo de Pierre Bourdieu. Dicho certamen, que anualmente tiene lugar en México y cuya finalidad es la de presentar música de concierto actual, ha constituido un escenario musical de referencia para dicho país de 1979 a la fecha. Por tanto, a lo largo de este escrito se estudia el surgi- miento y desarrollo de este espacio intentando comprender el contexto en que tuvo lugar, su fundación y cómo llegó a consolidarse en el panorama musical mexicano, a la vez que discernir la importancia que tuvo Manuel Enríquez en tanto artífice del Foro. Para ello se genera un trazo histórico por el que es posible comprender una parte importante de su funcionamiento, esto es, observar cómo está constituido, cuáles son sus dinámicas y qué tipo de habitus ha generado.