Resumo Parte da poesia de Abigael Bohórquez (1936-1995) pode ser lida como poesia de testemunho homossexual. Especificamente, sua última coletânea de poemas, seu testamento poético, Poesida (1996), permite essa leitura, pois esse documento cruel, mas solidário, busca envergonhar o discurso heteronormativo, aquele que reagiu condenando as práticas homossexuais no auge da pandemia Hiv/Aids nas décadas de 1980 e 1990 do século XX. A Poesida será estudada a partir da poética da deturpação, como proposta de análise para a resistência dissidente à normalização discursiva que a coletânea de poemas oferece, tanto no confronto da tradição literária, quanto no espaço poético e na autobiografia referências. Bohórquez constrói um mural, um testemunho, uma série de canções e retratos para não esquecer, dignificar e resistir à vergonha com que tentaram classificar aqueles que morreram com o peso do estigma e da culpa.

Resumen Parte de la poesía de Abigael Bohórquez (1936-1995) puede leerse como poesía de testimonio homosexual. Específicamente, su último poemario y testamento poético, Poesida(1996), avala esa lectura, puesto que se trata de un documento cruel pero solidario que busca poner la vergüenza del lado del discurso heteronormativo, aquel que reaccionó condenando las prácticas homosexuales en el apogeo de la pandemia de VIH/sida entre los años ochenta y noventa del siglo XX. Se estudiará Poesida desde la propuesta de una “poética del tergiversar”, con el objetivo de analizar las resistencias disidentes que ofrece el poemario a la normalización discursiva tanto en la confrontación con la tradición literaria, como en el espacio poético y en las referencias autobiográficas. Bohórquez construye un mural, un testimonio, una serie de cantos y retratos para no olvidar, para dignificar y resistir la vergüenza con la que se trató de encasillar a quienes murieron con el peso del estigma y de la culpa.

Abstract Part of the poetry of Abigael Bohórquez (1936-1995) can be read as poetry of homosexual testimony. Specifically, his last collection of poems, his poetic testament, Poesida (1996), allows for this reading, since this cruel but supportive document seeks to put shame on the side of the heteronormative discourse, the one that reacted by condemning homosexual practices at the height of the Hiv/Aids pandemic in the 1980s & 1990s of the 20th century. Poesida will be studied from the poetics of misrepresentation, as a proposal for analysis for the dissident resistance to the discursive normalization that the collection of poems offers, both in the confrontation of the literary tradition, as well as in the poetic space and in the autobiographical references. Bohórquez builds a mural, a testimony, a series of songs and portraits so as not to forget, dignify and resist the shame with which they tried to classify those who died with the weight of stigma and guilt.

ABSTRACT Religious discourse is multiple, challenging and inviting, especially when poetry and theological imagination find themselves expanding their boundaries. Carlos Nejar, poet member of the Brazilian Academy of Letters, in his novel Riopampa: o moinho das tribulações provides us with a wide variety of images, symbols and experiences that can be attributed, among other characteristics, to his involvement with the Sacred from of Pentecostality, since Nejar is a Pentecostal pastor. In this article, we will reflect on the Sacred whirlpool, among other metaphors used by Nejar, to try to answer the question: why can Nejar’s imagination in the novel Riopampa: o moinho das tribulações, within the spectrum of religious discourse, be considered Pentecostal? To this end, we will use the theoretical contribution of Discourse Analysis, under the auspices of Bakhtin and his dialogism, in addition to concise documentary research using the aforementioned Nejarian novel as a basis. multiple inviting boundaries Letters Riopampa images attributed characteristics Pentecostality pastor article whirlpool question Nejars s end Analysis dialogism basis

RESUMO O discurso religioso é múltiplo, desafiador e convidativo, especialmente quando poesia e imaginação teológica se encontram, expandindo suas fronteiras. Carlos Nejar, poeta e membro da Academia Brasileira de Letras, em seu romance Riopampa: o moinho das tribulações, fornece-nos ampla variedade de imagens, símbolos e experiências que podem ser atribuídas, dentre outras características, ao seu envolvimento com o Sagrado a partir da pentecostalidade, uma vez que Nejar é pastor pentecostal. No presente artigo, vamos refletir sobre o redemoinho Sagrado, dentre outras metáforas utilizadas por Nejar, para tentar responder à pergunta: por que a imaginação nejariana no romance Riopampa: o moinho das tribulações, dentro do espectro do discurso religioso, pode ser considerada pentecostal? Para esse fim, utilizaremos o aporte teórico da Análise do Discurso, sob os auspícios de Bakhtin e seu dialogismo, além de uma concisa pesquisa documental tendo o referido romance nejariano como base. múltiplo convidativo encontram fronteiras Letras Riopampa tribulações fornecenos fornece nos imagens atribuídas características pentecostalidade pentecostal artigo pergunta fim Discurso dialogismo base

Abstract Piedra de sol (1957) by Mexican poet Octavio Paz is a long poem. From its publication to the present, it has been the subject of various readings. In this article an analysis of the poem is made and, above all, a description, analysis and classification of the readings provided by specialized critics with the aim of drawing a guideline that explains the logic and evolution of such interpretations. The theoretical concepts of immanence and transcendence are used to expose chronologically those readings that observe in Paz's text a poetic manifesto of a verbal structure or an extratextual discourse (philosophical, religious, anthropological, etc.), or the fusion of these two readings. All this to propose that the notion of rhythm (found in the last readings of the poem) is an analytical and interpretive key that unites the immanent and the transcendent, and represents, therefore, a high point of criticism.

Resumen Piedra de sol (1957) del poeta mexicano Octavio Paz es un poema extenso. Desde su publicación hasta la actualidad ha sido objeto de diversas lecturas. En el presente artículo se hace un análisis del poema y, sobre todo, una descripción, análisis y clasificación de las lecturas aportadas por la crítica especializada con el objetivo de trazar una directriz que explique la lógica y evolución de tales interpretaciones. Se utilizan los conceptos teóricos de inmanencia y trascendencia para exponer cronológicamente aquellas lecturas que observan en el texto de Paz un manifiesto poético de una estructura verbal o un discurso (filosófico, religioso, antropológico, etcétera) extratextual, o la fusión de estas dos lecturas. Todo esto para proponer que la noción de ritmo (encontrada en las últimas lecturas del poema) es una clave analítica e interpretativa que cohesiona lo inmanente y lo trascendente, y representa, por lo tanto, un punto cúspide de la crítica.

ABSTRACT This study observes oral poetry as an aesthetic manifestation and attention, especially to poems that recall childhood in which the inspiration is the oral collection. Coordinates favor following the poetic and creative properties of the aforementioned poetic genre, from which verses from the book Batata cozida, mingau de cará [Cooked Potato, Yam Porridge], written by Eloí Bocheco (2006), are analyzed. Thus, it can be said that the poetics for childhood understood by the writer’s proposal allows the little reader to transit, in the same creation, through the known, that is, throughout the elements of oral poetry almost always recovered from the popular tradition; and for what he knows at the same opportunity: the poem of declared authorship, which presupposes a work woven basically in writing. In addition, such verses can be understood as a variation of the oral tradition, renewed on the threshold between orality and writing, in a playful game with both codes. attention collection genre cozida Cooked Potato Porridge, Porridge , Porridge] 2006, 2006 (2006) analyzed Thus writers writer s transit creation known tradition opportunity authorship writing addition codes 200 (2006 20 (200 2 (20 (2 (

RESUMO Neste estudo, a poesia oral é observada enquanto manifestação estética e a atenção se volta aos poemas que rememoram a infância cuja inspiração é o acervo oral. Apresentam-se coordenadas que favorecem a observação das propriedades poéticas e criativas do referido gênero poético, a partir das quais são analisados poemas da obra Batata cozida, mingau de cará (2006), de Eloí Bocheco. Desse modo, pode-se afirmar que a poética para a infância compreendida pela proposta da escritora permite ao pequeno leitor transitar, na mesma criação, pelo conhecido, isto é, pelos elementos da poesia oral quase sempre recuperados da tradição popular; e pelo que ele conhece na mesma oportunidade: o poema de autoria declarada, que pressupõe um trabalho urdido basicamente na escrita. Além disso, tais poemas podem ser compreendidos como variação dos poemas da tradição oral, que se renovam no limiar entre a oralidade e a escrita, num jogo lúdico com os dois códigos. estudo Apresentamse Apresentam poético cozida 2006, 2006 , (2006) Bocheco modo podese pode transitar criação conhecido popular oportunidade declarada escrita disso códigos 200 (2006 20 (200 2 (20 (2 (

ABSTRACT This article explores the principles of poetic art exposed by César Vallejo’s Trilce. The idea that guides this study is that, in the poems “XIV”, “XLV” and “LXXIII”, the poetic images show the relevance of the absurd in the expression of Vallejian poetics. For this purpose, first, we highlight the aesthetic intuitions of the first readers of the collection of poems and we make a balance of the critical sieges focused on the study of the absurd; then, from the proposal of Rafael Lapesa and Gaston Bachelard, we analyze and interpret the poetic images in the mentioned poems; Finally, it reflects on the relationship between the poetic image, the absurd and poetic creation for the understanding of Trilcic poetics.

RESUMEN El presente artículo explora los principios del arte poética expuestas en Trilce de César Vallejo. La idea que guía este estudio es que, en los poemas “XIV”, “XLV” y “LXXIII”, las imágenes poéticas muestran la relevancia del absurdo en la expresión de la poética vallejiana. Para tal propósito, primero, resaltamos las intuiciones estéticas de los primeros lectores del poemario y realizamos un balance de los asedios críticos enfocados en el estudio del absurdo; luego, desde la propuesta de Rafael Lapesa y Gaston Bachelard, analizamos e interpretamos las imágenes poéticas en los poemas mencionados; finalmente, se reflexiona sobre la relación entre imagen poética, absurdo y creación poética para la comprensión de la poética trílcica.

Resumen Presentada como disertación de maestría en la Universidad de Brasilia, la novela Um rio sem fim (1998), de Verenilde Pereira, además de cuestionar las fronteras que separan el discurso poético del académico-científico, logra construir un marco decolonial sobre el cual se asienta una posición de resistencia a las fantasías fundantes de la idea moderna de utopía que, cinco siglos después de la llegada de los primeros colonizadores, siguen vivas en la región amazónica brasileña. En la novela, el lector verá una misión salesiana instalada en el norte del estado de Amazonas, un lugar que, comandado por un obispo italiano, pone al desnudo lo que muchos pueden desconocer o prefieren ignorar: en algunas partes de Brasil, aún sobreviven fantasías del Nuevo Mundo, sostenidas en ideales de modelos y racionalidades civilizatorias basadas en una perspectiva etnocéntrica. Sabiendo que tales fantasías están en la raíz del sentido moderno de la utopía, y conscientes de que la relación entre individuos y espacios es fundamental para la comprensión de las subjetividades y relaciones sociales en la construcción literaria, nos parece sugerente y fructífero observar y discutir la forma en que se articula el término utopía en Um rio sem fim a partir de las ramificaciones originadas en los deslizamientos propuestos por Thomas Morus entre la eutopía, “el lugar donde todo está bien”, y outopia, el “no lugar” (del griego ou = no + topos = lugar). Nos valemos de reflexiones que parten de una antropología del devenir, en articulación con los conceptos de testimonio y decolonialidad. Brasilia 1998, 1998 , (1998) Pereira académicocientífico, académicocientífico académico científico, científico académico-científico colonizadores brasileña Amazonas italiano ignorar Brasil Mundo etnocéntrica literaria eutopía bien, bien bien” outopia lugar. . lugar) devenir decolonialidad 199 (1998 19 (199 1 (19 (1 (

Abstract Presented as a M.A dissertation at the University of Brasília (UnB), the novel Um rio sem fim (1998), by Verenilde Pereira, in addition to questioning the thresholds that separate the poetic from the academic-scientific discourse, manages to build a decolonial framework in which it establishes a position of resistance to the founding fantasies of the modern idea of utopia that, five centuries after the arrival of the first colonizers, still resist in the Brazilian Amazon region. In the novel, the reader comes across a Salesian mission settled in the north of Amazonas, a place that, commanded by an Italian bishop, reminds what many may be unaware of or prefer to ignore: in some parts of Brazil, fantasies of the New World still survive, supported by ideals of civilizing models and rationalities, both based on an ethnocentric perspective. Knowing that such fantasies are at the roots of the modern sense of utopia, and aware that the relationship between individuals and spaces is fundamental for the understanding of subjectivities and social relations shown in literary construction, it seems to be instigating and fruitful to observe the way in which the term utopia is articulated in Um rio sem fim from the displacement proposed by Thomas Morus, between eutopia, “the place where everything is ok”, and outopia, the “non-place” (Gk ou = not + topos = place). In order to do so, we draw on an anthropology of becoming in conjunction with the concepts of testimony and decoloniality. MA M A UnB, UnB , (UnB) 1998, 1998 (1998) Pereira academicscientific academic scientific discourse colonizers region Amazonas bishop ignore Brazil survive rationalities perspective construction Morus eutopia ok, ok ok” outopia nonplace non “non-place Gk place. . place) so decoloniality (UnB 199 (1998 19 (199 1 (19 (1 (

Resumo Apresentado como parte de uma dissertação de mestrado da Faculdade de Comunicação da Universidade de Brasília, o romance Um rio sem fim (1998), de Verenilde Pereira, para além de colocar em xeque as fronteiras que apartam o poético do discurso acadêmico-científico, logra construir um arcabouço decolonial sobre o qual se assenta uma posição de resistência às fantasias fundadoras da moderna ideia de utopia que, passados cinco séculos desde a chegada dos primeiros colonizadores, seguem vivas na região da Amazônia brasileira. No romance, o leitor depara com uma missão salesiana instalada no norte do estado do Amazonas, local que, comandado por um bispo italiano, vem a desnudar o que muitos talvez desconheçam ou prefiram ignorar: em algumas partes do Brasil ainda sobrevivem fantasias do Novo Mundo, sustentadas por ideais de modelos civilizatórios e racionalidades fundadas na perspectiva etnocêntrica. Sabendo que tais fantasias estão na raiz do sentido moderno de utopia e que a relação entre indivíduos e espaços é fundamental para a compreensão das subjetividades e relações sociais que se mostram na construção literária, parece-nos instigante e proveitoso observar e debater a maneira como o termo utopia se articula no interior de Um rio sem fim, com base nos desdobramentos originados nos deslizamentos propostos por Thomas Morus, entre eutopia, “o lugar onde tudo está bem”, e outopia, o “não lugar” (ou = não + topos = lugar). Para tanto, lançamos mão de reflexões amparadas em uma antropologia do devir, em articulação com os conceitos de testemunho e decolonialidade. Brasília 1998, 1998 , (1998) Pereira acadêmicocientífico, acadêmicocientífico acadêmico científico, científico acadêmico-científico colonizadores brasileira Amazonas italiano ignorar Mundo etnocêntrica literária parecenos parece Morus eutopia bem, bem bem” outopia lugar. . lugar) tanto devir decolonialidade 199 (1998 19 (199 1 (19 (1 (

ABSTRACT The article studies the work of two peruvian poets from the seventies’ generation, through their initial books. In that sense, the article proposes a comparative analysis between Álbum de familia (1971) and Arte de navegar (1974), through the ekphrasis. Therefore, it is maintained as a thesis that the paintings of Chagall and Van Gogh are both intertextual elements that interact through the ekphrasis with the poetic discourse of the locutors in the poems mentioned above, structuring antithetical relations between them that question modernity and the instrumental rationality in which they are located. Likewise, the project will study the poems “Chagall” and “Acerca de la libertad” of Watanabe; as well as “Van Gogh en Arles” of Juan Ojeda. In this study, we will use the concept of Comparative Rhetoric.

RESUMEN Este estudio permite contrastar la obra de dos autores peruanos de la generación del setenta a través de sus obras iniciales. En ese sentido, se propone un análisis comparativo de Álbum de familia (1971) y Arte de navegar (1974) de José Watanabe y Juan Ojeda, respectivamente, por medio de la écfrasis. Por consiguiente, se sostiene como tesis que los cuadros de Chagall y Van Gogh, respectivamente, son elementos intertextuales que a través de la écfrasis interactúan con el discurso poético de los locutores en los poemarios mencionados anteriormente, estructurando relaciones antitéticas que cuestionan a la modernidad y a la racionalidad instrumental en la que se enmarcan. Analizaremos los poemas “Chagall” y “Acerca de la libertad”, pertenecientes al primer libro, y “Van Gogh en Arles” del segundo. Para ello, aplicaremos el marco teórico de la Retórica Comparada.

Abstract The Latin American poetry of the second half of the 20th century was developed in a context whose complexity is given by multiple social and political processes, one of the most emblematic is the military dictatorships of the southern cone. In this scenario, a significant list of writers turned to new strategies to account for the violence exerted by the regime. For the purposes of this work, we will analyze some of the formal resources that Juan Gelman's poetic discourse follows to represent and criticize the violence resulting from the Argentine dictatorship.

Resumen La poesía latinoamericana de la segunda mitad del siglo XX se desarrolló en un contexto cuya complejidad está dada por múltiples procesos sociales y políticos, uno de los más emblemáticos es las dictaduras militares del cono sur. En este escenario, una nómina importante de escritores acudió a nuevas estrategias para dar cuenta de la violencia ejercida por el régimen. Para efectos de este trabajo, analizaremos algunos de los recursos formales que sigue el discurso poético de Juan Gelman para representar y criticar la violencia producto de la dictadura argentina.

Resumen Desde su primer libro, la obra de Aldo Oliva recupera discursos históricos para intervenir críticamente y rescatar el potencial disruptivo sepultado por la Historia. En este marco, analizamos unos pocos versos de su última serie poética, “Ese General Belgrano”, donde la figura del prócer argentino es recuperada contra el discurso hegemónico que sedimenta sentidos y cristaliza el derrotero de la Revolución en una teleología predeterminada, para evidenciar cómo el encabalgamiento de voces (la de Belgrano y la del propio Oliva) polemiza y subvierte discursos y símbolos fosilizados: la tesis de la “preexistencia de la Nación” de Mitre y la bandera argentina. El paso siguiente es incluir esta intervención en el contexto histórico-político y poético de producción, para identificar su toma de posición diferencial. A modo de coda presentamos un conjunto de poemas de diversos autores que, a su turno, releen el poema sobre Manuel Belgrano.

Resumo Desde o primeiro livro, a obra de Aldo Oliva resgata discursos históricos para intervir criticamente e resgatar o potencial disruptivo soterrado pela História. Nesse quadro, nós analisamos cuidadosamente alguns versos da sua última série poética, “Ese General Belgrano”, onde a figura do herói argentino é recuperada contra o discurso histórico hegemônico que sedimenta sentidos e cristaliza o curso da Revolução em uma teleologia predeterminada, para mostrar como a sobreposição de vozes (a de Belgrano e a do próprio Oliva) polemiza e subverte discursos e símbolos fossilizados: a tese da “preexistência da Nación” de Mitre e a bandeira argentina. O próximo passo é incluir essa intervenção no contexto histórico-político e poético da produção, para identificar sua posição diferencial. Por fim, como coda, apresentamos um conjunto de poemas de diversos autores que, por sua vez, releem o poema sobre Belgrano.

Abstract In his poetic work, Aldo Oliva recovers historical discourses to intervene critically in them and rescue their disruptive potential buried by History. Within this frame, we analyze a few verses of his last poetic series, “Ese General Belgrano”, where the Argentinian hero is set against the hegemonic historical discourse that petrifies meanings and solidifies the course of the Revolution in a predetermined teleology. The verses show how the enjambment of voices(that of Belgrano and that of Oliva himself) discuss and subvert fossilized discourses and symbols: the thesis of the “preexistence of the Nation” defended by Mitre, and the Argentinian flag. Then, we situate this intervention in the particular (historical, political and poetic) context of production, in order to identify Oliva’s position. As a coda, we present the work of poets whose verses, in turn, reread Oliva's poem on Belgrano.

Resumen: En la última década, la esfera pública chilena se ha vitalizado con las múltiples voces de autoras mapuche. Este histórico proceso está profundamente influenciado por el carácter oral, colectivo y comunitario de su cultura, en la que conviven lo poético, lo político y lo espiritual. En el presente artículo llevo a cabo un análisis históricamente crítico de la poesía de Karla Guaquin, María Huenuñir y Faumelisa Manquepillan, todas coautoras de las antologías Hilando en la memoria (2006) e Hilando en la memoria. Epu Rupa (2009). Analizo críticamente cómo desde el lenguaje poético sus voces no solo enuncian un discurso, sino que crean un lugar propio en disputa con el espacio de silencio y de exclusión que tradicionalmente les ha otorgado el discurso hegemónico de la República de Chile. Mediante la poesía irrumpen en la esfera pública para poner en circulación nuevos lugares transformadores, que, como “tretas del débil”, tejen estética, ética y políticamente una memoria comunitaria y resistente frente a la cultura patriótica chilena. Propongo que su poesía, a través la performatividad de su marcada oralidad, opera como un trawun (encuentro o asamblea), un escenario que posibilita la creación de nuevas agencias e imaginarios, tanto para el pueblo mapuche como para otros pueblos, incluido el chileno. Se trata de un ejercicio de creatividad, resistencia y transformación capaz de subvertir el discurso patriótico chileno que, durante los últimos doscientos años, ha buscado subyugar todo lo mapuche, su enemigo interno constitutivo, con el fin de apropiarse de su cultura como un insumo para la constitución de la República. Veremos cómo, en su quehacer poético, las autoras movilizan el horror traumático vivido por generaciones, tanto mapuche como chilenas (especialmente a partir de la dictadura cívico-militar), transformándolo en un ethos colectivo en torno al küme felen o mogen (estar bien o buen vivir).

Abstract: In the last decade, the Chilean public sphere has been vitalized by the multiple voices of a chorus of Mapuche authors. This historical process is profoundly marked by the oral, collective, and communal character of their culture, a culture in which the poetic, the political and the spiritual coexist. In this essay I query through a historically critical analysis of the poetry of Karla Guaquin, María Huenuñir y Faumelisa Manquepillan, all of them co-authors in the Hilando en la memoria (2006) e Hilando en la memoria. Epu Rupa (2009) anthologies, how the emergence and entry of voices of Mapuche women impacts the Chilean public sphere. Specifically, I focus on how their poetry creates and circulates new knowledge, and functions like “tricks of the weak” enabling communities to weave their own inclusive, diverse, and collective memory, from an aesthetical, ethical, and political standpoint. I claim that their writings not only enunciate a new discursivity, but also, through the performance of their poetic writing, they create a place of resistance and contestation to the hegemonic discourse of the Republic of Chile, whose violence has sought to erase the Mapuche people and their culture. Indeed, their poetry performs the act of subverting the Chilean patriotic discourse that for the last 200 years has sought to erase everything Mapuche, its constitutive internal enemy. We will see how in their poetic language, full of orality and performativity, operates as a trawun (meeting or assembly), a stage that mobilizes the traumatic horror experienced by generations, both Mapuche and Chilean (especially since the civic-military dictatorship), transforming it into a collective ethos around küme felen / mogen (to be well / good living and in equilibrium with nature).

Summary In this article, we focus on an anthropological reading of the text “Tenants in the hacienda of His Excellency" by the Chilean writer Tancredo Pinochet Le Brun. We see here an anthropology and specifically an intuitive ethnography, but one that appeals to the contemporary principles of literary anthropology and to the origins of national anthropological discourse prototypically defined by the work of Rodolfo Lenz and Nicolás Palacios.

Resumen En este artículo nos centramos en una lectura de corte antropológico del texto Inquilinos en la hacienda de Su Excelencia, del escritor chileno Tancredo Pinochet Le Brun. Vemos aquí una antropología y específicamente una etnografía intuitiva, pero que apela a los principios contemporáneos de la antropología poético literaria y a los orígenes del discurso antropológico nacional definidos prototípicamente por la obra de Rodolfo Lenz y Nicolás Palacios.

Abstract: Before her exile in Mexico (1974), for three whole decades, Ida Vitale (Montevideo, 1923) published a small set of poems. Some in magazines or anthologies. The pressure of everyday life (crises of all kinds, the weight of the Cuban Revolution, etc.) fell, at times, on its modality of writing. However, her poems resisted triumphant colloquialism and the identification of facts with words. Vitale dropped several of those pieces, many took them up with a lot of corrections. This work investigates certain cases. Some of them not compiled in any volume yet, even now that, as a result of her multiple awards, there are more extensive editions of her poetic work in verse and prose. About this problems, combining a philological, historical and cultural reading, this article seeks to contribute with new pieces and reading possibilities.

Resumen: Antes de su exilio en México en 1974, durante tres exactas décadas Ida Vitale (Montevideo, 1923) publicó un breve conjunto de poemas. Algunos en revistas o antologías. La presión de lo cotidiano (crisis de toda clase, el peso de la Revolución cubana, etc.) gravitó, a veces, sobre su modalidad de escritura. Sin embargo, sus poemas resistieron al coloquialismo triunfante y la identificación de los hechos con las palabras. Vitale dejó caer varias de esas piezas, muchas las retomó con firmes correcciones. Este trabajo se propone indagar ciertos casos, algunos no compilados en volumen, incluso ahora que, a consecuencia de sus múltiples premios, se cuenta con ediciones más amplias de su obra poética en verso y en prosa. Sobre estas últimas, combinando una lectura filológica, histórica y cultural, se busca contribuir con nuevas piezas y posibilidades de lectura.

RESUMEN Amarilis es una égloga perteneciente al último período de la producción de Lope de Vega. El artículo siguiente se focaliza en el discurso de Elisio, con el objetivo de vislumbrar la forma en la que se consolidan las matrices discursivas del sujeto poético y el objeto de enunciación, en torno a los tratamientos lingüísticos e ideológicos del Renacimiento y el Barroco españoles. A su vez, se hace hincapié en cómo el texto poético permite establecer una multiplicidad de cruces genéricos con la elegía, el teatro y la ficción biográfica que son favorecidos por la estructura de la égloga. En este sentido, se pone de manifiesto de un complejo entramado textual tanto al nivel semántico y conceptual -la presentación del discurso amoroso- como estructural -las variaciones retóricas y genéricas-. Así se vislumbran los mecanismos de construcción de un hablante lírico barroco que, por un lado, elabora la pérdida y desidealización de la amada y que, por el otro, sostiene una concepción amorosa esperanzadora.

ABSTRACT Amarilis is an eclogue belonging to the last period of Lope de Vega's production. The following article focuses on Elisio's speech, with the aim of glimpsing the way in which the discursive matrices of the poetic subject and the object of enunciation are consolidated, around the linguistic and ideological treatments of the Renaissance and the Spanish Baroque. At the same time, emphasis is placed on how the text allows establishing a multiplicity of generic crosses with the elegy, the theater and the biographical fiction that are favored by the structure of the eclogue. In this sense, a complex textual framework is revealed both at the semantic and conceptual level -the presentation of the love discourse- and structurally -the rhetorical and generic variations. This is how the construction mechanisms of a baroque lyrical speaker are glimpsed who, on the one hand, elaborates the loss and de-idealization of the beloved, and who, on the other, supports a hopeful love conception.

Abstract: The purpose of this paper is to contrast the configuration of the topic of death in the poems by Javier Heraud belonging to pure poetry, «Las moscas»[Flies] and «Las cucarachas» [Cockroaches], with those belonging to social poetry, «Balada del guerrillero que partió» [Ballad of the departed guerrilla fighter] and «Ellos»[They], respectively. The study argues that, in the poems of pure poetry, a bisemic symbology is represented by the figure of the «insect», which alludes to capitalism and death; while in the poems of social poetry, a monosemic symbology is represented by the figure of the «river», which refers to life.

Résumé: Le présent article a pour but de comparer la configuration du topique de la mort dans les poèmes de Javier Heraud appartenant à la poésie pure, «Las moscas» et «Las cucarachas», et dans ceux qui font partie de la poésie sociale, «Balada del guerrillero que partió» et «Ellos». Notre recherche soutient que, dans les poèmes de la poésie pure, il se manifeste une symbologie bisémique portée par la figure de «l’insecte», qui fait allusion au capitalisme et à la mort; tandis que dans les poèmes de la poésie sociale, on observe une symbologie monosémique représentée par la figure du «fleuve», qui renvoie à la vie.

Resumen: El presente artículo tiene como fin contrastar la configuración del tópico de la muerte en los poemas de Javier Heraud que pertenecen a la poesía pura, «Las moscas» y «Las cucarachas», frente a los que forman parte de la poesía social, «Balada del guerrillero que partió» y «Ellos». El estudio sostiene que, en los poemas de la poesía pura, se manifiesta una simbología bisémica representada mediante la figura del insecto, la cual alude al capitalismo y a la muerte; mientras que, en los poemas de la poesía social, se evidencia una simbología monosémica representada mediante la figura del río, que refiere a la vida.

Abstract: This work deals with the component of comparatism and the phenomenon of intertextuality in The Divine Comedy of Dante and in the production of the Chilean poet Raúl Zurita, Zurita. On the basis of what in this article has been called “Rhetoric of the look”, the study of the relations of thematological, aesthetic-argumental, social, cultural, ethical and historical proximity between the classical source and Zurita’s work legitimizes not only the importance of language and its points of contact with man and the world, but also attends to the amplitude of the act of looking (seeing) and being watched (being seen) for the vindication of a fundamentally intercultural writing practice capable to connect and solidarize times, spaces and relationships between human beings (others) in society. Furthermore, considering the approaches of the Literary anthropology and The Anthropological literature, we deepen into the concept of interculturality and also in the nature of the Chilean discourse of postmodernity (interdisciplinarily integrating), to finally lead to the zuritian willingness of a poetic and vital project to get over the underestimation of identity and the hope of language beyond the imposition and conflict totalitarian logic’s.

Resumen: Este trabajo aborda el componente de comparatismo y el fenómeno de la intertextualidad en La Divina Comedia de Dante y en la obra del poeta chileno Raúl Zurita, Zurita. Sobre la base de lo que en este artículo se ha denominado “Retórica de la mirada”, el estudio de las relaciones de proximidad tematológica, estético-argumental, sociocultural, ética e histórica entre la fuente clásica y la producción de Zurita legitima no solo la importancia del lenguaje y de sus puntos de contacto con el hombre y el mundo, sino que atiende también a la amplitud del acto de mirar (ver) y de ser mirado (ser visto) en aras de la vindicación de una práctica de escritura fundamentalmente intercultural capaz de conectar y de solidarizar tiempos, espacios y relaciones entre los seres humanos (otros) en sociedad. Considerando asimismo los enfoques de la antropología literaria y de la literatura antropológica, se ahonda en el concepto de interculturalidad y en la naturaleza del discurso chileno de la postmodernidad (interdisciplinarmente integrador), para desembocar finalmente en la sazón zuritiana de un proyecto poético y vital de superación del socavamiento de la identidad y de la esperanza del lenguaje más allá de la lógica totalitarista de la imposición y del conflicto.