Resumo À medida que a sua estética, os seus métodos e o seu foco conceptual se fundiram em diversos aspetos com os da arte contemporânea convencional, os limites da media art tornaram-se menos claros do que quando a utilização da tecnologia na arte era ainda pouco frequente. Embora o termo "media art" possa ser útil na designação de uma esfera de atuação ou discurso específica, o seu atual significado sofreu uma alteração decorrente da evolução das circunstâncias inerentes à utilização da tecnologia na criação de arte. Devido à sua íntima associação, desde os seus primórdios enquanto campo, com os "novos média", como o computador, a internet, os meios de comunicação à base de ecrãs e sistemas interativos, este termo requer agora uma reavaliação face ao panorama de computação pervasiva com o qual estamos familiarizados na condição pós-digital. Sendo que muitas destas formas definidoras dos novos média deixaram de ser novidade e foram integradas em práticas artísticas convencionais, a media art poderá não se definir tanto pela sua interação com meios de comunicação específicos, mas sim pelos aspetos estilísticos e referenciais provenientes da sua linhagem histórica. Este trabalho estabelece comparações entre os primeiros debates acerca da media art e desenvolvimentos recentes na área, com o propósito de compreender se, e de que forma, a media art continua a ser relevante enquanto termo referente a práticas artísticas contemporâneas que utilizam a tecnologia. Considerando-a de tal perspetiva, esta investigação propõe repensar que aspetos poderão ser considerados inerentes a esta área e questiona a forma como esta reestruturação poderá beneficiar os profissionais e teóricos que abordam este tópico.

Abstract As its aesthetics, methods, and conceptual focus have, in many respects, merged with those of mainstream contemporary art, the boundaries of media art have become more unclear than when the use of technology in art was more of a rare occurrence. While the term "media art" may be helpful in designating a particular sphere of practice and discourse, its current meaning has shifted as a result of changing contexts surrounding the use of technology in art. From its close association with "new media" such as the digital computer, the internet, screen-based media, and interactive systems in the early days of media art as a field, this term now bears re-evaluation in light of the pervasive use of technology we are familiar with in the post-digital condition. As many of these defining forms of new media have lost their novelty and have also been adopted in mainstream artistic practices, media art may be defined less by its engagement with specific media than by stylistic and referential aspects derived from its historical lineage. This paper draws comparisons between early discussions on media art and recent developments in this area with the aim of developing insights into whether and in what capacity media art remains relevant as a term for addressing technologically engaged contemporary artistic practices. By considering media art in such terms, this investigation reconsiders what may be regarded as defining aspects of the field, enquiring into what potential this reframing may have for practitioners and theorists working with this topic.

Resumo Desde os seus primórdios, a visão artificial tem estado profundamente dependente de bases de dados fotográficas. Com a rápida evolução das máquinas visualmente “inteligentes”, esta ligação reforçou-se e inverteu a equação, com as imagens fotográficas contemporâneas a serem significativamente influenciadas pelas técnicas desenvolvidas nas ciências informáticas. Recorrendo a uma técnica conhecida como "histograma de gradientes orientados", Sometimes Your Eyes Do Not See (Às Vezes, os Teus Olhos Não Veem) explora o olhar maquínico que cada vez mais permeia as práticas artísticas contemporâneas e reflete sobre o impacto desse olhar na nossa perceção do mundo.

Abstract Since its early days, machine vision has been deeply dependent on photographic databases. As visually "intelligent" machines have rapidly advanced, this connection has strengthened and reversed the equation, with contemporary photographic imagery significantly influenced by the techniques developed in computer sciences. Using a technique called "histogram of oriented gradients", Sometimes Your Eyes Do Not See explores the machinic gaze that increasingly permeates contemporary artistic practices and reflects on the ways it affects our perception of the world.

RÉSUMÉ Le présent essai vise deux objectifs : à la lumière des textes de Vygotskij sur le rapport imagination et réel (1930/2022) proposer une nouvelle interprétation de l’ouvrage Psychologie de l’art (1925/2005) définie comme action éducative. En contrepoint, nous situant dans un débat contemporain, nous proposons une possible conception vygotskienne des pratiques de la fiction par un va-et-vient entre considérations générales concernant l’art et réflexions sur la question de la fiction. Nous terminons par des ouvertures à travers les réflexions brechtiennes sur une catharsis non identificatoire. 1930/2022 19302022 1930 2022 (1930/2022 louvrage l ouvrage lart art 1925/2005 19252005 1925 2005 (1925/2005 éducative contrepoint contemporain vaetvient va vient identificatoire 1930/202 1930202 193 202 (1930/202 1925/200 1925200 192 200 (1925/200 1930/20 193020 19 20 (1930/20 1925/20 192520 (1925/20 1930/2 19302 1 2 (1930/2 1925/2 19252 (1925/2 1930/ (1930/ 1925/ (1925/ (1930 (1925 (193 (192 (19 (1 (

ABSTRACT This essay has two aims: in the light of Vigotski’s texts on the relationship between imagination and reality (in press), we propose a new interpretation of the work Psychology of Art (2005), defined as educational action. As a counterpoint, referring to contemporary debates, we propose a possible Vygotskian conception of fictional practices, moving back and forth between general considerations about art and reflections on the question of fiction. Finally, we conclude with a look at Brechtian reflections on non-identificatory catharsis. aims Vigotskis Vigotski s press, press , press) 2005, 2005 (2005) action counterpoint debates practices fiction Finally nonidentificatory non identificatory catharsis 200 (2005 20 (200 2 (20 (2 (

RESUMO Este ensaio tem dois objetivos: à luz dos textos de Vigotski sobre a relação entre imaginação e realidade (no prelo), propor uma nova interpretação da obra Psicologia da Arte (2005), definida como ação educativa. Em contraponto, e no contexto de um debate contemporâneo, elaboramos uma possível concepção vigotskiana da prática da ficção, transitando entre considerações gerais sobre a arte e reflexões relativas à questão da ficção. Por fim, concluímos com um olhar sobre as reflexões brechtianas sobre a catarse não identificatória. objetivos prelo, prelo , prelo) 2005, 2005 (2005) educativa contraponto contemporâneo ficção fim identificatória 200 (2005 20 (200 2 (20 (2 (

ABSTRACT: This essay analyzes the film Ratas, Ratones, Rateros (1999), by Ecuadorian director Sebastián Cordero, as a reflection of the social problems that affect contemporary Ecuador. Through a textual analysis of the work, it is examined how the main characters, two cousins who are dedicated to theft and crime, represent the Creole liveliness, social resentment and corruption that are some of the characteristic features of Ecuadorian society. Likewise, the film is contextualized with the political and economic scenario of the country at the end of the nineties, marked by the banking crisis, dollarization and government instability. The conclusion to be reached is that Ecuadorian cinema, more than a nationalist art, functions as a mirror of daily reality; as a reflection of the identity and social problems of Ecuadorians.

RESUMEN: En este trabajo se analiza la película Ratas, Ratones, Rateros (1999), del director ecuatoriano Sebastián Cordero, como un reflejo de las problemáticas sociales que afectan al Ecuador contemporáneo. A través de un análisis textual de la obra, se examina cómo los personajes principales, dos primos que se dedican al robo y la delincuencia, representan la viveza criolla, el resentimiento social y la corrupción, que son algunos de los rasgos característicos de la sociedad ecuatoriana. Asimismo, se contextualiza la película con el escenario político y económico del país a finales de los noventa, marcado por la crisis bancaria, la dolarización y la inestabilidad gubernamental. La conclusión a la se llegará es que el cine ecuatoriano, más que un arte nacionalista, funciona como un espejo de la realidad cotidiana; como un reflejo de la identidad y de los problemas sociales de los ecuatorianos.

Abstract: Classical composers such as Wagner, Mahler, Handel, and Debussy, among others, noticed that a space’s acoustic qualities affected their compositions, so they made intuitive arrangements to their performances to suit the space. Some contemporary musicians, on the other hand, incorporate those sonic characteristics as part of their composition. Pauline Oliveros, John Butcher, and Paul Bavister are some composers who produce site-specific works, compositions that include the site’s sound as part of their sound works. This project proposes site stimulation as a methodology to extract Basilica del Voto Nacional’s reverberation, a neo-gothic church in Quito, Ecuador, to produce a site-specific sound work: Composition for a Jazz Quartet and for a Basilica. This research aims not only to use spatial sonic qualities for music composition but also to propose a friendly, day-to-day activity, such as listening to music, as a learning method to acknowledge spatial sound phenomena.

Resumen: Compositores clásicos como Wagner, Mahler, Handel y Debussy, entre otros, identificaron que la acústica del espacio afectaba a sus obras durante su ejecución, entonces hicieron arreglos intuitivos en ellas para que se ajustaran al espacio de presentación. Por otro lado, compositores contemporáneos como Pauline Oliveros, John Butcher, y Paul Bavister, producen obras específicas del sitio, obras que incluyen al sonido del lugar como parte de ellas. Este proyecto usa la estimulación del sitio como metodología para extraer la reverberación de la Basílica del Voto Nacional, una iglesia neogótica en Quito, Ecuador, para producir una obra especifica de sitio: Composición para Cuarteto de Jazz y para Basílica. El propósito de esta investigación es, no solamente utilizar las cualidades sonoras del espacio como herramientas de composición musical, sino proponer una manera más amigable y cotidiana para aprender, como lo es el escuchar música.

RESUMO O artigo é uma tentativa de explorar como a convergência das tradições hermenêuticas orientais e ocidentais poderia ajudar a desenvolver uma metodologia teológica centrada na causa dos subalternos na Índia. Com esta intenção, o artigo tenta apontar a intersecção e a ressonância entre o método tradicional de interpretação “dhvani” e algumas das correntes hermenêuticas ocidentais contemporâneas. Com referência à tradição indiana, o artigo destaca o fato de a arte da interpretação não se limitar a seguir o texto, mas estar também envolvida na criação de uma pluralidade de textos. A liberdade com relação ao essencialismo do texto, que a tradição hermenêutica indiana incorpora, permite muito espaço aos subalternos não só para interpretarem os textos a partir dos seus pontos de vista, mas também para criarem novos, conduzindo a uma hermenêutica libertadora. Neste contexto, o artigo estuda a convergência da hermenêutica estrutural e pós-estrutural com as correntes hermenêuticas indianas clássicas e como estas podem ajudar a causa dos subalternos e a articulação de uma teologia a partir de sua perspectiva. Índia intenção dhvani “dhvani contemporâneas texto incorpora vista novos libertadora contexto pósestrutural pós perspectiva

ABSTRACT The article is an attempt to explore how a convergence of Eastern and Western hermeneutical traditions could help develop a theological methodology focused on the cause of the subalterns in India. With this intent, it tries to point out the intersection and resonance between the traditional “dhvani” method of interpretation and some of the contemporary Western hermeneutical currents. With reference to Indian tradition, the article highlights how the art of interpretation not only follows the text but is involved also in the creation of a plurality of texts. The freedom from textual essentialism, which the Indian hermeneutical tradition embodies, allows a lot of space for the subalterns not only to interpret texts from their standpoints but also create new ones, leading to a liberative hermeneutics. In this context, the article studies the convergence of structural and post-structural hermeneutics with classical Indian hermeneutical currents and how they can help the cause of the subalterns and the articulation of a theology from their perspective. India intent dhvani “dhvani essentialism embodies ones context poststructural post perspective

Abstract Considering the cinematic work of Paz Encina and Raúl Ruiz, this article problematizes certain readings of Benjamin's concept of the politicization of art, focusing on cinema's potential to produce a sensory deposing. The politicization of art is reconsidered through the role of art in politics: as a device resisting the sensory narcosis imposed by post-dictatorial aestheticizing policies in the Southern Cone. Through a comparative analysis of contemporary readers of Benjamin and a reconsideration of Marx's influence, the article emphasizes the relevance of a «politicized conception of art», linked to a way of understanding images that seeks to alter our perceptual-sensory experience, shaping our historical notion.

Resumen A la luz del trabajo cinematográfico de Paz Encina y Raúl Ruiz, este artículo problematiza algunas lecturas del concepto benjaminiano de politización del arte, prestando especial atención a la capacidad del cine para producir una destitución sensorial. El problema de la politización del arte se piensa desde el rol del arte en la política: como un dispositivo que resiste la narcosis sensorial impuesta por políticas posdictatoriales estetizantes del Cono Sur. A través de un análisis comparado de lectores contemporáneos de la obra de Walter Benjamin y de una reconsideración de la influencia de Marx en este contexto, el artículo destaca la relevancia de una concepción «politizada del arte», en conexión con una comprensión de las imágenes que modifica nuestra experiencia perceptivo-sensorial como elemento clave de nuestra noción histórica.

Abstract: Preservationism and environmentalism appeared in Argentine cinema over forty years ago with the oeuvres of the filmmaker and politician Juan Schröder. The objective of this article is to analyze Inti Anti, Camino al Sol (Schröder, 1982) using contemporary theoretical concepts (such as Anthropocene, Capitalocene and anthropocentrism, among others). To describe and reflect on the place of human beings and their relationship with nature, with the production of works of art as a driving factor in raising awareness.

Resumen: El preservacionismo y ecologismo tuvo su aparición en el cine argentino hace poco más de cuarenta años con las obras del cineasta y político Juan Schröder. El objetivo de este artículo es analizar Inti Anti, camino al sol (Schröder, 1982) haciendo uso de conceptos teóricos contemporáneos como Antropoceno, Capitaloceno y antropocentrismo para describir y reflexionar sobre el lugar de los seres humanos y su relación con la naturaleza, con la producción de obras de arte como factor propulsor de sensibilización.

Abstract: Catalan Jesuit Andrés Febrés’ Art of the General Tongue of the Kingdom of Chile (1765) contains the earliest examples of two explicitly Mapuche discourse genres. These are the ‘dialogue between two chiefs’ or dungulun and the ‘discourse’ or coyaghtun. Despite the role they were given as exemplification or protreptic texts, it remains clear that religious biases and a gaze from linguistic and cultural othering have produced a reimagining of the interactions and communities they seek to portray. This ‘clean-up’ of the material raises questions about their value as testimonies to Mapuche language and culture of the time. In this article we propose a critical reading of the material in which we seek out without denying foreign influence - the linguistic threads that may, with a modicum of certainty, be identified as part of contemporary speakers’ repertoires. This task is particularly relevant in current efforts to strengthen the role of textual sources in Mapudungun historical linguistics, that is, in establishing a philological tradition for the tongue. The novel method we propose entails the verification of historical linguistic material by contemporary native speakers of the language. As such, we present the results of a shared reading of the target texts, conducted by a historical linguist and a contemporary speaker. As a result, we highlight a series of under-described linguistic structures (lexicon, morphology, phonology, discourse) which show parallels between contemporary usage or lived memory and materials from over a quarter of a millennium ago.

Resumen: El Arte de la Lengua General del Reyno de Chile (1765), del jesuita Andrés Febrés, contiene los ejemplos más tempranos que poseemos de dos géneros discursivos explícitamente mapuches. Se trata del ‘diálogo entre dos caciques’ o dugulun y el ‘parlamento’ o coyaghtun. A pesar del rol ejemplificador o protréptico que se le da a este material, no cabe duda que el sesgo religioso y la mirada desde la otredad lingüística y cultural producen una reimaginación de la interacciones y las comunidades que se buscan caracterizar. Este ‘depuramiento’ del material pone en cuestión el valor del mismo en cuanto testimonio de la lengua y cultura mapuche de la época. En este artículo proponemos una lectura crítica del material en la cual buscamos, sin desmentir los elementos foráneos, seguir los hilos lingüísticos que podamos, con cierto grado de certeza, identificar como propios de los hablantes de la época. Esta tarea es particularmente relevante en los esfuerzos por fortalecer el rol del material textual en la lingüística histórica del mapudungun, esto es, de establecer una tradición filológica para la lengua. Proponemos como método innovador la verificación del material lingüísticos histórico por parte de los hablantes actuales. En tanto, presentamos los resultados de una lectura compartida de los dos textos en cuestión, realizada por un lingüista histórico y una hablante contemporánea. Destacamos una serie de elementos lingüísticos (léxico, morfología, fonología, discurso) poco descritos que muestran paralelos entre la usanza o memoria actual y los materiales de hace más de un cuarto de milenio.

ABSTRACT The following article explores the relationship between research/creation, the socio- constructivist perspective of learning and psychoanalytic ethics, with the goal of proposing key points for a debate on the education of contemporary performing artists. Considering that it is essential to build a space for critical and creative dialogue that facilitates learning from research, the article addresses and problematizes the so-called dogmatic image of art and the teacher/disciple model to approach research/creation as an educational strategy, which is generator of knowledge and, at the same time, a fertile space for ethical debate around the very limits of scenic practice.

RESUMEN El siguiente artículo explora la relación entre investigación/creación, la perspectiva socioconstructivista del aprendizaje y la ética psicoanalítica, con el objetivo de proponer coordenadas para un debate en torno a la formación de artistas escénicos contemporáneos. Desde una visión que considera central construir un espacio de diálogo crítico y creador que facilite el aprendizaje desde la investigación, el texto aborda y problematiza la llamada imagen dogmática del arte y del modelo maestro/discípulo para abordar la investigación/creación como una estrategia tanto formativa como generadora de conocimiento y, al mismo tiempo, un espacio fértil para promover el debate ético en torno a los propios límites de la práctica escénica.

ABSTRACT Linked to the Spanish Golden Age, to the Hispanic tradition and the America’s colonization, baroque was a solid conceptual category to analyze artistic and literary practices by the end of the 20th Century. More recently, Carlos Gamerro tries to create a distinction between a baroque writing and what he calls “baroque fictions”: the former responds to some characteristics on the phrasal level, and the latter refers to narrative structures. However, this link between fictional and referential levels, the construction of mirrored levels, and the tensions between sing and reference or art and life are features related to another conceptual category well known in the 80’s and 90’s and that seems to have entered today into the literary theory vocabulary: metafiction. It is a concept related to modern literature and procedures that exhibit or reveal the artificial nature of literary fictions, to question what we consider real or fictive. This article explores how is the tension between these two categories, how relevant they are today in literary studies and what critical distance can we stablish in front of them in our contemporary literary and critical context.

RESUMEN Ligado al Siglo de Oro, a la tradición hispánica y a la colonización de América, el barroco operó como una categoría conceptual robusta para analizar prácticas artísticas y literarias a finales del siglo XX. De manera más reciente, Carlos Gamerro busca crear una distinción entre una escritura barroca y lo que llama “ficciones barrocas”: la primera responde a esos rasgos en las frases, mientras que la segunda lo hace a estructuras narrativas. Sin embargo, esa relación entre planos ficcionales y referenciales, la construcción de planos especulares, las tensiones entre signo y referente o arte y vida son características atribuidas a otra categoría conceptual que ganó fama en los años 80 y 90 y que hoy parece ya haber entrado al vocabulario teórico literario: la metaficción. Se trata de un concepto ligado a la literatura moderna y a procedimientos que exacerban y develan el carácter artificial de las ficciones literarias, para poner en cuestión también lo que se considera real o ficticio. Este artículo busca explorar cómo se da la tensión entre estas dos categorías, cuál es la vigencia o relevancia de mantenerlas para los estudios literarios hoy y qué distancia crítica podemos tomar de ambas en un panorama literario y crítico contemporáneo.

ABSTRACT The article analyses the way the conflict over visual hegemony takes place in contemporary art, specifically concerning marginalized beliefs and religions. To do this, the series "Divinidades" by Argentine artist Mirta Toledo, consisting of paintings, sculptures, and collages, and "Aceita?" by Brazilian artist Moisés Patrício, composed of photographs, are studied. The analysis focuses on how the contemporary artistic practices of Moisés Patrício and Mirta Toledo elaborate on the conflict and contribute to the visibility and vindication of images of beliefs and religions historically persecuted and denied by Western cultural dominance. From a decolonial perspective, the article explores the strategies both artists used to challenge visual hegemony and how these strategies relate to their personal, familial, and collective experiences. It concludes that both series are part of a "battle for images" in which, through different strategies, they seek to generate alternative significations of the world and contribute to the production of collective memories by rescuing gods and popular religious entities.

RESUMEN En el artículo se examina la forma que adquiere el conflicto por la hegemonía visual en el arte contemporáneo, específicamente en torno a creencias y religiones marginalizadas. Para ello, se estudian las series "Divinidades" de la artista argentina Mirta Toledo, formada por pinturas, esculturas y collages, y "Aceita?" del brasileño Moisés Patrício, compuesta por fotografías. Así, se analiza cómo las prácticas artísticas contemporáneas de Moisés Patrício y Mirta Toledo elaboran el conflicto y contribuyen a la visibilización y reivindicación de imágenes de creencias y religiones históricamente perseguidas y negadas por el dominio cultural occidental. Desde una perspectiva de-colonial, se indaga acerca de las estrategias que ambos artistas utilizaron para disputar el orden visual y cómo se vinculan con sus experiencias vitales, familiares y colectivas. Se concluye que ambas series se insertan en una "batalla por las imágenes" en la que, con diferentes estrategias, buscan generar otras significaciones del mundo y contribuyen a la producción de memorias colectivas a partir del rescate de dioses y entidades religiosas y populares.

Abstract This study delves into the artistic and symbolic appropriations of the indigenous Tupinambá cloak through the work of three Brazilian women artists: Glicéria Tupinambá, Lívia Melzi and Lygia Pape. Based on a visual analysis of their poetics and juxtaposing their creations with the iconographic dimension of the artefact in key historical milestones, we intend to understand the interconnectedness of these artists' works with contemporary art practices. In doing so, we seek to recognise the role of interdisciplinary studies in understanding this pivotal moment in art history, characterised by a paradigm shift influenced by the decolonial movement. This movement has notably elevated the political and activist dimensions of the aesthetic field. Besides discussing the repatriation of objects of ethnographic interest, this case study traces the artistic trajectories of these three artists, whose poetics are examined through the lens of art criticism. This analysis is underpinned by a multidisciplinary theoretical framework that draws from various authors from fields such as art theory and history, as well as cultural and decolonial studies. There is no doubt that the return of the cloak has significantly reignited debates about the return of artefacts expropriated during Brazil's colonial period. However, we intend to point out the importance of recovering the techniques and gestures used by the artists to create and symbolically re-appropriate new cloaks, which is congruent with the reflection on political making in the fields of aesthetics and museology.

Resumo Este trabalho analisa as apropriações artísticas e simbólicas em torno do manto indígena tupinambá por meio do trabalho de três artistas brasileiras: Glicéria Tupinambá, Lívia Melzi e Lygia Pape. A partir da análise visual de suas poéticas, e estabelecendo uma reflexão entre estas criações e a dimensão iconográfica do artefato em determinados marcos históricos, pretendemos entender como as obras destas artistas estão entrelaçadas à lógica da arte contemporânea, levando em conta a contribuição que os estudos interdisciplinares podem ter para a compreensão deste momento em que as artes vêm sendo atravessadas por uma mudança de paradigma associada ao movimento decolonial, o que tem se reverberado na potencialização da natureza política e ativista do campo estético. Para além do debate sobre a repatriação de objetos de interesse etnográfico, apresentamos um estudo de caso envolvendo o percurso destas três artistas, cujas poéticas são analisadas a partir da metodologia da crítica da arte e de uma base teórica multidisciplinar, englobando autores da teoria e da história da arte, além dos estudos culturais e decoloniais. Não há dúvidas que a devolução do manto reacendeu de forma bastante expressiva os debates sobre a devolução de artefatos expropriados durante o período colonial brasileiro. Porém, nossa intenção é apontar para a importância do resgate das técnicas e dos gestos implementados pelas artistas, que permitem que novos mantos sejam realizados e reapropriados simbolicamente, fato congruente com a reflexão acerca do fazer político nos campos da estética e da museologia.

RESUMEN Son varios los enfoques desde donde podemos abordar la popular festividad eucarística del Corpus Christi. El artículo se inclina por el arte festivo, sin soslayar todo lo que conlleva esta fiesta especial en los poblados tutelados por jesuitas, donde se creaba para la ocasión un escenario de marcada heterogeneidad, que en cierta forma lo diferenciaba de otro tipo de núcleos urbanos. Los tradicionales arcos de follajes, flores y pájaros cortando calles pavimentadas con esteras, son algunos de los elementos comunes en América que se pretenden narrar a través de documentos y relatos de contemporáneos y que reafirman el sincretismo de estas comunidades que dejaron testimonios del tridentino, a pesar de ubicarse en un rincón remoto del mundo. Se enfatiza en esta complejidad, en la participación exclusiva de los guaraníes, significativamente permeables al cristianismo impuesto por los jesuitas con su marcada empatía por la otredad.

ABSTRACT The popular Eucharistic festivity of Corpus Christi can be approached from various angles. We are inclined towards festive art, without ignoring all that this special feast entails in the towns under the tutelage of the Jesuits, where a markedly heterogeneous scenario was created for the occasion, which to some extent differentiated it from other types of urban centers. The traditional arches of foliage, flowers and birds decorating streets with mats are some of the common elements in America that we intend to narrate through documents and contemporary accounts, reaffirming the syncretism of these communities, which have left testimonies of the Tridentine tradition despite being located in a remote corner of the world. We seek to emphasize this complexity on which we focus, highlighting the exclusive participation of the Guarani, significantly permeable to the Christianity imposed by the Jesuits with their marked empathy for otherness.

Abstract This article analyzes the thematic dimension of the myth of the Minotaur according to its most visible features based on mythical material from Greek Antiquity in "Hombre con minotauro en el pecho", a short story by Enrique Serna, with the aim of establishing some of the complex links between the starting point of the myth and the reception in the short story of the Mexican writer, that is, the mediations that exist between both literary spaces, the ancient Greek and the contemporary Mexican of the present within the framework of the Classical Tradition.

Resumen En este artículo se analiza la dimensión temática del mito del Minotauro de acuerdo con sus rasgos más visibles a partir de material mítico de la Antigüedad griega en “Hombre con minotauro en el pecho”, un cuento de Enrique Serna, con la finalidad de establecer algunas de las relaciones complejas entre el punto de partida del mito y la recepción en el relato del escritor mexicano, esto es, las mediaciones que existen entre ambos espacios literarios, el griego antiguo y el mexicano del presente en el marco de la Tradición clásica.