Abstract Composer and playwright Richard Wagner (1813-1883) undertook a gigantic project to receive the dramaturgy of ancient Greek theater. Taking as a basis the stage space in which the plays of Aeschylus, Sophocles and Euripides presented their texts, Wagner proposed transferring the functions of the chorus in the orchestra to the orchestra as a chorus. In his description of this transfer in Opera and Drama (1851), Wagner describes the orchestra of musicians as a body articulated with speech and gestures. This article will present and analyze Wagner's proposal, for which the concept of orchestra-chorus-gesture can clarify procedures for the reception of ancient Athenian drama. As we are dealing with a discontinuous, fragmentary tradition, creative solutions in reception are not limited to their immediate staging context. In Wagner's case, this is even more evident: the German musical playwright produced intense essays and reflections, especially around the Ring of the Nibelung project. In this way, Wagner's creative decisions dialog with a historical mediation that both addresses the partial data of tradition and redefines them in a new staging approach.

Resumo O compositor e dramaturgo Richard Wagner (1813-1883) empreendeu um gigantesco projeto de recepção da dramaturgia no teatro grego antigo. Tomando por base o espaço cênico em que as peças de Ésquilo, Sófocles e Eurípides apresentaram em seus textos, Wagner propõe a transferência das funções do coro na orquestra para a orquestra como um coro. Em sua descrição dessa transferência no livro Opera e Drama de 1851, Wagner qualifica a orquestra de músicos como um corpo articulado com falas e gestos. Neste artigo, será apresentada a analisada essa proposta de Wagner, para qual o conceito de orquestra-coro-gesto pode clarificar procedimentos de recepção da dramaturgia ateniense antiga. Como estamos diante de uma tradição descontínua, fragmentária, soluções criativas na recepção não se reduzem ao seu contexto imediato de encenação. No caso de Wagner isso é mais evidente: houve por parte do dramaturgo musical alemão a intensa produção de ensaios e reflexões, principalmente em torno do projeto do Anel do Nibelungo. Desse modo, as decisões criativas propostas por Wagner dialogam com uma mediação histórica que ao mesmo interpela os dados parciais da tradição e os redefine em nova abordagem de encenação.

Resumo A tendência do processo educativo global que visa o desenvolvimento de uma personalidade criativa universal está a levar os jovens a alargar o seu espetro profissional. O estudo da personalidade universal de um artista musical é uma questão proeminente no contexto das mudanças socioculturais na vida da sociedade moderna. O objetivo da investigação é estudar os traços específicos e característicos de uma personalidade criativa, bem como clarificar os aspectos da formação da personalidade universal de um músico. Este artigo utiliza os seguintes métodos científicos para estudar a questão da personalidade criativa universal de um estudante de música: descrição, análise, síntese, comparação, abstração e generalização. O artigo destaca as questões da formação e desenvolvimento da universalidade da personalidade criativa nos representantes da cultura musical. Os autores estudaram as funções das actividades principais e auxiliares no processo de formação da personalidade criativa de um músico, tendo em conta a motivação pessoal. O trabalho analisa e destaca os modos de formação e desenvolvimento dos aspectos criativos da personalidade de um músico. Este estudo também examina a tipologia da personalidade criativa universal, que resultou na formação dos seguintes tipos de personalidades musicais, em particular, o músico-mestre e o músico-criador e as diferenças entre eles. O artigo explora a estrutura e a atividade da personalidade criativa de um compositor, intérprete, musicólogo, professor e figura pública. O trabalho dos autores pode ser objeto de uma investigação mais aprofundada por parte de investigadores e professores que estudarão o tema da personalidade criativa universal dos estudantes de música.

Abstract The trend of the global educational process aimed at developing a universal creative personality is leading young people to expand their professional spectrum. The study of the universal personality of a musical artist is a prominent issue in the context of socio-cultural changes in modern society. The aim of the research is to study the specific and characteristic features of a creative personality as well as to clarify the aspects of the formation of a musician’s universal personality. This article uses the following scientific methods to study the issue of the universal creative personality of a music student: description, analysis, synthesis, comparison, abstraction, and generalisation. The paper highlights the issues of the formation and development of the universality of the creative personality among representatives of musical culture. The authors studied the functions of leading and auxiliary activities in the process of forming a musician’s creative personality in view of personal motivation. The work analyses and highlights ways of forming and developing the creative aspects of a musician’s personality. This study also examines the typology of the universal creative personality, which resulted in the formation of the following types of musical personalities, in particular, the musician-master and the musician-creator, and the differences between them. The article explores the structure and activity of the creative personality of a composer, performer, musicologist, teacher, and public figure. The authors’ work can be the subject of further investigation by researchers and teachers who study the topic of the universal creative personality of music students.

Resumo Este artigo analisa o sistema de interação entre a composição musical, a execução e a pedagogia. O estudo utilizou uma metodologia multifacetada que incorpora a análise histórica de fontes, a observação da atividade musical, a comparação de abordagens composicionais/performativas e a modelação estrutural para elucidar a tríade interligada "compositor-performer-professor" na música. Determinou-se que a composição, a execução e a educação musical interagem entre os domínios da música, da pedagogia, dos professores e dos alunos e dos contactos entre o pessoal criativo e educativo, tendo como pano de fundo a cultura global e ucraniana. A atualização e expansão dos currículos modernos através da aplicação dos princípios da trindade "compositor-intérprete-professor" melhora as interacções dos músicos profissionais com o público e os estudantes. Isto cria condições para formar pessoal musical de alto nível e sensibilizar para a igual importância de cada componente desta tríade. Chamar a atenção para esta questão pode aumentar o envolvimento das comunidades ucranianas de música/pedagogia. A aplicação do modelo da trindade cria oportunidades para renovar as abordagens educativas. Também realça a natureza multifacetada da atividade musical, que abrange a criação, a interpretação e a instrução.

Abstract This article considers the interaction system between musical composition, performance, and pedagogy. The main purpose is to bring attention to this issue for Ukrainian musical and pedagogical communities and comprehend the triune role complex's significance. The study employed a multifaceted methodology incorporating historical analysis of sources, observation of musical activity, comparison of compositional/performative approaches, and structural modelling to elucidate the interconnected "composer-performer-teacher" triad in music. It was determined composition, performance, and music education interact between domains of music, pedagogy, teachers and students, and creative/educational staff contacts against the backdrop of global and Ukrainian culture. Updating and expanding modern curricula by applying “composer-performer-teacher” trinity principles enhances professional musician interactions with audiences and students. This creates conditions to train top-level musical personnel and build awareness of each component's equal importance in this triad. Bringing attention to this issue can increase engagement from Ukrainian music/pedagogy communities. Applying the trinity model creates opportunities to revamp educational approaches. It also highlights the multifaceted nature of musical pursuit spanning creation, interpretation, and instruction.

RESUMEN El intenso desarrollo de la interpretación del saxofón en el siglo XX está orgánicamente relacionado con la producción de composiciones para este instrumento, que, además de una improvisación altamente profesional, que es el punto central del uso de este instrumento en el jazz, están diseñadas para mantener el carácter académico. estatus del arte del saxofón en su conjunto como indicador de pertenencia a la máxima manifestación profesional de la música. Tomada para el análisis, Fantasía fija, por así decirlo, "puntos" obligatorios del repertorio del saxofonista, ya que las obras de François Born determinan la "tarjeta de presentación" del saxofón académico en su conjunto. La fantasía de Born representa este género a nivel de combinatoria de la poesía como un signo del instrumentalismo del pasado siglo XIX y de la variabilidad de los clásicos del rococó francés, que para el representante de la nación Francois Couperin el Grande es el Lugar santísimo de las prerrogativas estéticas. Las aleaciones estructurales y estilísticas en la estructura de Fantasía (suite francesa, poesía alemana, junto con métodos de expresión neoclásicos e impresionistas o prorománticos) indican líneas interpretativas de interpretación del conjunto, dependiendo de la experiencia estilística del músico intérprete.

ABSTRACT The intensive development of saxophone performance in the twentieth century is organically connected with the production of compositions for this instrument, which, in addition to highly professional improvisation, which is the central point of the jazz use of this instrument, are designed to maintain the academic status of saxophone art as a whole as an indicator of belonging to the highest professional manifestation of music. Taken for analysis, Fantasia fixes, as it were, obligatory “points” of the saxophonist’s repertoire, since the works of François Born determine the “calling card” of the academic saxophone as a whole. Born's fantasy represents this genre at the level of combinatorics of poetry as a sign of the instrumentalism of the past 19th century and the variation-suiteness of the classics of French Rococo, which for the representative of the nation Francois Couperin the Great is the holy of holies of aesthetic prerogatives. Structural and stylistic alloys in the structure of Fantasia (French suite, German poetry, coupled with neoclassical and impressionistic or pro-romantic methods of expression) indicate interpretive lines of interpretation of the whole, depending on the stylistic experience of the interpreting musician.

ABSTRACT: When analyzing the band music repertoire, which includes works composed for wind ensemble as well as arrangements from orchestral compositions, an increase in the incorporation of body percussion as a compositional resource has been observed. This article focuses on the work La corrida de toros by Mario Bürki. The Swiss composer, in his descriptive symphonic poem, is dedicated to presenting the different parts of a Spanish bullfight, also called tercios if we stick to bullfighting terminology. Starting with the paseillo that leads the bullfighters into the arena, up to the tercio de muerte (third of death) in the final part. The composition includes sounds and rhythms combined with the percussion of different parts of the body. This paper presents a complete musicological analysis that contemplates structural, organological, harmonic and rhythmic parameters. Special attention is given to the aspects related to the musical function that body percussion plays in this composition. ABSTRACT repertoire compositions observed Bürki composer poem bullfight terminology arena third death part structural organological parameters

RESUMO: Ao analisar o repertório de música de banda, que inclui obras compostas para conjunto de sopros, bem como arranjos de composições orquestrais, observou-se um aumento na incorporação da percussão corporal como recurso composicional. Este artigo enfoca a obra La corrida de toros de Mario Bürki. O compositor suíço, em seu poema sinfônico descritivo, dedica-se a apresentar as diferentes partes de uma tourada espanhola, também chamadas de tercios, se nos atermos à terminologia das touradas. Começando com o paseillo que leva os toureiros à arena, até o tercio de muerte (terço da morte) na parte final. A composição inclui sons e ritmos combinados com a percussão de diferentes partes do corpo. Este texto apresenta uma análise musicológica completa que contempla parâmetros estruturais, organológicos, harmônicos e rítmicos. É dada atenção especial aos aspectos relacionados à função musical que a percussão corporal desempenha nesta composição. RESUMO banda sopros orquestrais observouse observou composicional Bürki suíço descritivo dedicase dedica espanhola tercios touradas arena terço morte final corpo estruturais organológicos rítmicos

ABSTRACT: This article proposes to reveal a connection between José Siqueira and the Russian cellist Mstislav Rostropovich through musical elements present in the II Sonata for Cello and Piano (1972). We’ve explored the cello literature from that period, as well as elements that came to influence Siqueira in his compositional process. Based on Siqueira (1981), Aquino (2006), Santos (2016), and Silva (2023), we suggest the presence of sonorities that are similar to musical gestures from Britten’s First and Third Solo Suites - Siqueira’s contemporary and Rostropovich’s personal friend. Through a comparative study of excerpts, it is possible to perceive important compositional traits in Siqueira’s output, in addition to those from the cultural manifestations of the music of the Brazilian Northeast, as a dualism between regionalism and elements from the European concert music. Thus, we present a more comprehensive perspective of Siqueira’s compositional style, denoting that the connection between Siqueira and Rostropovich goes beyond a dedicatory. ABSTRACT 1972. 1972 . (1972) Weve We ve period process 1981, 1981 , (1981) 2006, 2006 (2006) 2016, 2016 (2016) 2023, 2023 (2023) Brittens Britten s Siqueiras Rostropovichs friend excerpts output Northeast Thus style dedicatory 197 (1972 198 (1981 200 (2006 201 (2016 202 (2023 19 (197 (198 20 (200 (201 (202 1 (19 2 (20 (1 (2 (

RESUMO: Este trabalho propõe demonstrar a relação entre o compositor José Siqueira e o violoncelista russo Mstislav Rostropovich através de elementos musicais presentes na II Sonata para Violoncelo e Piano (1972). Assim, exploramos a literatura do violoncelo daquele período, bem como elementos que influenciaram Siqueira em seu processo composicional. A partir de Siqueira (1981), Aquino (2006), Santos (2016) e Silva (2023), sugerimos a presença de sonoridades similares a gestos da Primeira e Terceira Suítes para Violoncelo Solo de Benjamin Britten, contemporâneo de Siqueira e amigo pessoal de Rostropovich. Desta forma, através do processo comparativo de excertos, percebem-se outros importantes traços composicionais em Siqueira, além das manifestações culturais da música do Nordeste brasileiro. Ademais, constamos um dualismo entre o regionalismo e elementos da música europeia de concerto na obra do compositor paraibano. Deste modo, apresentamos uma perspectiva abrangente de seu estilo composicional, ao mesmo tempo em que se demonstra que a ligação entre Siqueira e Rostropovich vai muito além da dedicatória. RESUMO 1972. 1972 . (1972) Assim período composicional 1981, 1981 , (1981) 2006, 2006 (2006) 2016 (2016 2023, 2023 (2023) Britten forma excertos percebemse percebem brasileiro Ademais paraibano modo dedicatória 197 (1972 198 (1981 200 (2006 201 (201 202 (2023 19 (197 (198 20 (200 (20 (202 1 (19 2 (2 (1 (

RESUMO O compositor francês Maurice Ravel, no ápice de sua carreira, mostrou sinais de uma desordem progressiva que afetou sua capacidade de funcionar com linguagem verbal e musical, como notado pelo neurologista Théophile Alajouanine. O agravamento de sua condição levou a uma craniotomia, efetuada em 1937, que deixou de revelar a causa de sua doença, tendo ele falecido pouco depois. A ausência de evidência neuropatológica pós-morte impediu o diagnóstico definitivo da doença, que permaneceu enigmático. Especulações sobre o diagnóstico preciso da doença neurológica de Ravel foram baseadas sobretudo nas observações de Alajouanine, que compreendiam afasia e amusia, predominantemente expressiva, e também apraxia, enquanto o julgamento, gosto e memória musicais permaneceram relativamente intactos, implicando diferentes substratos neuroanatômicos. A possibilidade de uma subforma do complexo da degenearação lobar frontotemporal foi a sugestão diagnóstica de muitos autores. A sua morte prematura privou o mundo desse notável músico e da música que permaneceu presa em sua mente. carreira musical Alajouanine craniotomia 1937 depois pósmorte pós enigmático amusia expressiva apraxia julgamento intactos neuroanatômicos autores mente 193 19 1

ABSTRACT The French composer, Maurice Ravel, at the peak of his career, showed signs of a progressive disorder that affected his ability to function with verbal and musical language, as noted by the neurologist Théophile Alajouanine. The worsening of the disease led to a craniotomy, performed in 1937, which failed to reveal the cause of his illness, and he died shortly thereafter. A lack of post-mortem neuropathological evidence precluded a definitive diagnosis of the illness, which remained enigmatic. Speculations about the precise diagnosis of Ravel's neurological disease have been largely based on Alajouanine's observations, which included aphasia and amusia, mostly expressive, and ideomotor apraxia, while musical judgement, taste, and memory remained relatively intact, implying different neuroanatomical substrates. A possible subform of frontotemporal lobar degeneration complex was the diagnostic suggestion of many authors. His untimely death deprived the world of this remarkable musician, and the music that remained trapped in his mind. composer Ravel career language Alajouanine craniotomy 1937 illness thereafter postmortem post mortem enigmatic Ravels s Alajouanines observations amusia expressive apraxia judgement taste intact substrates authors musician mind 193 19 1

RESUMO: Neste artigo, focaremos em um dos aspectos que julgamos passível de interpretações em relação ao compositor Flausino Valle (1894-1954), que seria o referente à sua linguagem musical, mais especificamente em características onomatopaicas contidas nos Prelúdios. Essas características aparecem ora de forma evidente, como no título, ora de uma forma menos explícita. Com isso, nosso objetivo foi analisar os Prelúdios sob o viés da Semiologia Tripartite Musical de Molino/Nattiez com o apoio adicional da ideia dos “espaços associados” como entendido por Dominique Maingueneau. Como resultado, chegamos à conclusão de que em alguns dos Prelúdios certas evocações exigem um conhecimento a respeito de Valle e/ou de seu “Catálogo de Imitação de Vozes da Natureza” e um estudo mais detido para serem identificadas, pois não são evidentes. Chegamos também à conclusão que, analisando dessa forma, as referências a outros instrumentos, mais especificamente a viola caipira, podem ser considerados recorrentes. RESUMO artigo 18941954, 18941954 1894 1954 , (1894-1954) musical evidente título explícita isso MolinoNattiez Molino Nattiez espaços associados Maingueneau resultado eou ou Catálogo Natureza identificadas evidentes instrumentos caipira recorrentes 1894195 189 195 (1894-1954 189419 18 19 (1894-195 18941 1 (1894-19 (1894-1 (1894- (1894 (189 (18 (1 (

ABSTRACT: In this article we will focus on one of the aspects that we deem open to interpretation regarding the composer Flausino Valle (1894-1954), which would be referring to its musical language, more specifically in onomatopoeic characteristics contained in the Preludes. These characteristics appear sometimes in an obvious way, as in the title, sometimes in a less explicit way. With this, our objective was to analyze the Preludes under the bias of Molino/Nattiez's Tripartite Musical Semiology with the additional support of the idea of the “associated spaces” by Dominique Maingueneau. As a result, we came to the conclusion that in some of the Preludes certain evocations require knowledge about Valle and/or his “Catálogo de Imitação de Vozes da Natureza” (“Catalog of Imitation of Voices of Nature”) and a closer study to be identified, as they are not evident. We also came to the conclusion that, analyzing in this way, references to other instruments, more specifically the viola caipira, can be considered recurrent. ABSTRACT 18941954, 18941954 1894 1954 , (1894-1954) language way title Molino/Nattiezs MolinoNattiezs Molino/Nattiez s Molino Nattiez associated spaces Maingueneau result andor or Catálogo Natureza Catalog Nature Nature” identified evident instruments caipira recurrent 1894195 189 195 (1894-1954 Nattiezs MolinoNattiez 189419 18 19 (1894-195 18941 1 (1894-19 (1894-1 (1894- (1894 (189 (18 (1 (

RESUMO Trata-se de resenha a respeito da coletânea de contos Anos de chumbo e outros contos (2021), de Chico Buarque. Cantor, compositor e ficcionista, ganhador do Prêmio Camões pelo conjunto de sua obra (2019), o autor estreia no gênero textual curto. Se o título do conjunto remete a nosso passado traumático, a tessitura narrativa acaba por revelar sobretudo sua contemporaneidade. Tratase Trata se 2021, 2021 , (2021) Buarque Cantor ficcionista 2019, 2019 (2019) curto traumático contemporaneidade 202 (2021 201 (2019 20 (202 (201 2 (20 (2 (

ABSTRACT This is the literary review of Chico Buarque’s collected short stories Anos de chumbo e outros contos (2021). Singer, song writer and writer, winner of Camões Prize for his overall work (2019), he starts in short textual genre. If the title of this work refers to our traumatic past, the narrative fabric reveals specially its contemporary traces. Buarques Buarque s 2021. 2021 . (2021) Singer 2019, 2019 , (2019) genre past traces 202 (2021 201 (2019 20 (202 (201 2 (20 (2 (

ABSTRACT Ludwig van Beethoven's life underwent an existential change when his brother died and left his son Karl in shared tutorship with his mother Johanna. 2. Almost without having had any relationship with his nephew, an intense and unexpected emotional need to become his sole guardian is triggered, an objective that he achieves by legally defeating his mother. 3. The Beethoven-Karl relationship develops plagued by disputes, surveillance, demands, control, as if the composer were experiencing for the first time what he had always denied himself, becoming a father.4. The nephew's suicide attempt points out to Beethoven that becoming a father means allowing the son to become different from the arrogant and inordinate personal ambitions and expectations, but this extreme signal was insufficient to make him understand that the other is always a danger because it shows a hidden and painful truth of one´s own self.

RESUMEN 1). La vida de Ludwig van Beethoven experimentó un cambio existencial al morir su hermano y dejar a su hijo Karl en tutoría compartida con su madre Johanna. 2). Casi sin haber tenido relación con su sobrino, se desencadena una necesidad emocional intensa e inesperada de convertirse en su único tutor, objetivo que consigue derrotando legalmente a su madre. 3). La relación Beethoven-Karl se desarrolla plagada de disputas, vigilancia, exigencias, control, como si el compositor viviera por vez primera lo que siempre se había negado, llegar a ser padre. 4). El intento de suicidio del sobrino le señala a Beethoven que convertirse en padre significa permitir que el hijo llegue a ser diferente a las arrogantes y desmesuradas ambiciones y expectativas personales, pero esta señal extrema fue insuficiente para hacerle entender que el otro siempre es un peligro porque muestra una verdad oculta intolerable y dolorosa del propio sí-mismo.

ABSTRACT: The aim of this article is to describe the milestones in the relationship between guitarist Carlos Barbosa-Lima and composer Antonio Carlos Jobim. Over more than a decade, the two cultivated a fruitful musical collaboration fueled by mutual admiration. Starting with their joint work on solo guitar arrangements of Jobim's songs, a friendship was established and it had positive impacts on both of their trajectories: through Barbosa-Lima's hands, Jobim was definitively incorporated into the classical guitar repertoire, and through Jobim, Barbosa-Lima gained greater visibility among jazz and popular music audiences, including in Brazil. From this collaboration emerged the project to compose a "Concerto for guitar and orchestra," which, although not realized, demonstrates how stimulating the connection between the guitar brujo and the Sovereign Maestro was. ABSTRACT BarbosaLima Barbosa Lima decade admiration Jobims s songs trajectories BarbosaLimas hands repertoire audiences Brazil Concerto orchestra, orchestra which realized

RESUMO: O objetivo do artigo é descrever os principais marcos da relação entre o violonista Carlos Barbosa-Lima e o compositor Antonio Carlos Jobim. Ao longo de mais de uma década os dois cultivaram uma profícua colaboração musical alimentada pela mútua admiração. A partir do trabalho conjunto em torno dos arranjos para violão solo das músicas de Jobim, estabeleceu-se uma amizade que teve reflexos positivos sobre a trajetória de ambos: pelas mãos de Barbosa-Lima, Jobim foi definitivamente incorporado ao repertório do violão de concerto; por meio de Jobim, Barbosa-Lima obteve maior projeção entre o público de jazz e música popular, inclusive no Brasil. Desta cooperação nasceu o projeto de compor um “Concerto para violão e orquestra” que, embora não concretizado, mostra quão estimulante foi a ligação entre o brujo do violão e o Maestro soberano. RESUMO BarbosaLima Barbosa Lima admiração estabeleceuse estabeleceu se ambos BarbosaLima, Lima, concerto popular Brasil Concerto orquestra concretizado soberano

Abstract This article investigates the presence of text-music relationships in the Brazilian Art Song Coração triste [Sad Heart], for voice and piano, by Alberto Nepomuceno, on verses by Machado de Assis, and provides data about the union of poet and composer from the perspective of scholars of the Brazilian Art Song. Aimed at readers distant from the musical language and taking as reference the works Guidelines for Style Analysis, by LaRue (1992), and Curso de Formas Musicales, by Zamacois (1994), this study provides data on the creative process known as the text-music relationship, present in western music since its beginnings, whose reflections remain throughout the centuries until today. This study is completed by the availability of an interpretation of this Art Song, by two of the authors of this study. textmusic text Sad Heart, Heart , Heart] piano Nepomuceno Assis Analysis 1992, 1992 (1992) Musicales 1994, 1994 (1994) relationship beginnings today 199 (1992 (1994 19 (199 1 (19 (1 (

Resumo Este artigo investiga a presença de relações texto-música na canção brasileira de câmara Coração triste, para canto e piano, de Alberto Nepomuceno, sobre versos de Machado de Assis, e disponibiliza dados acerca da união de poeta e compositor a partir do olhar de estudiosos da canção nacional. Voltado para leitores distantes da linguagem musical e tendo como referência as obras Guidelines for Style Analysis, de LaRue (1992), e Curso de Formas Musicales, de Zamacois (1994), este estudo dispõe dados do processo criativo conhecido como relação texto-música, presente na música ocidental desde seus primórdios, cujos reflexos permanecem através dos séculos até a atualidade. Completa este estudo a disponibilização de uma interpretação dessa canção, por dois dos autores deste estudo. textomúsica texto triste piano Nepomuceno Assis nacional Analysis 1992, 1992 , (1992) Musicales 1994, 1994 (1994) textomúsica, música, primórdios atualidade 199 (1992 (1994 19 (199 1 (19 (1 (

Abstract Ramiro Luis Guerra González was a composer from Monterrey, México, who experienced the break of nationalism in Mexico and who was part of the next generation of musicians. An important work in his production is the Suite bucólica for orchestra and chorus of white voices, which premiered in 1959 at the Palacio de Bellas Artes in City of México. In 2015, it was re-premiered in his hometown, three movements were played in this concert: Preludio, Ronda en el bosque and Pastoral. It is possible that the suite has more movements. If so, the remaining movements will have to be found and why they were not played. This work continues putting together this beautiful piece that began with the doctoral thesis in which all the composer's available production was catalogued. Now, this research delves into it and its sources through a philological study in which paper, typography, and music style are compared. As a result of this investigation, the three missing movements of the Suite bucólica were found, as well as the order that the composer determined: Preludio, Ronda en el bosque, Danza del ogro, Pastoral, El encantamiento and Postludio. This discovery gives rise to re-release this piece in its entirety.

Resumen Ramiro Luis Guerra González fue un compositor regiomontano que vivió el rompimiento del nacionalismo en México y formó parte de la siguiente generación de músicos. Una obra importante en su producción es la Suite bucólica para orquesta y coro de voces blancas, la cual se estrenó en 1959 en el Palacio de Bellas Artes en la Ciudad de México, y en 2015 se reestrenó en su ciudad natal, Monterrey. En este concierto se tocaron tres movimientos: Preludio, Ronda en el bosque y Pastoral. Es posible que la suite esté conformada por más movimientos, y, de ser así, habrá que encontrar los restantes y el porqué no se ejecutaron. En este trabajo se continúa la labor de reunir esta bella obra que se inició con la tesis doctoral en la que se catalogó toda la producción disponible del compositor. Ahora, se ahonda en ella y sus fuentes a través de un estudio filológico en el que se comparó el papel, la tipografía y el estilo musical. Como consecuencia de esta investigación, se encontraron las tres piezas faltantes de la Suite bucólica, así como el orden que el compositor determinó: Preludio, Ronda en el bosque, Danza del ogro, Pastoral, El encantamiento y Postludio. Este hallazgo da pie a que esta obra se reestrene de forma íntegra.

Resumo Ramiro Luis Guerra González foi um compositor de Monterrey que viveu a crise do nacionalismo no México e fez parte da próxima geração de músicos. Uma obra importante em sua produção é a Suíte Bucólica para orquestra e coro de vozes brancas, que estreou em 1959 no Palacio de Bellas Artes da Cidade do México, e em 2015 foi reavivada em sua cidade natal, Monterrey. Três movimentos foram tocados neste concerto: Prelúdio, Rodada na Floresta e Pastoral. É possível que a suíte seja composta por mais movimentos e, nesse caso, teremos que descobrir os restantes e porque não foram executados. Neste trabalho continuamos o trabalho de montagem desta bela obra que começou com a tese de doutorado na qual foi catalogada toda a produção disponível do compositor. Agora, nos aprofundamos nele e em suas fontes através de um estudo filológico no qual foram comparados papel, tipografia e estilo musical. Como consequência desta investigação foram encontradas as três peças faltantes da Suíte Bucólica, bem como a ordem que o compositor determinou: Prelúdio, Rodada na Floresta, Dança do Ogro, Pastoral, O Encantamento e Postlúdio. Esta descoberta faz com que esta obra seja relançada na íntegra.

ABSTRACT In 1959, Chilean composer Pablo Garrido completed his opera La sugestión, whose plot incorporates supernatural events within an apparently realistic narrative. Although the musical language fluctuates between tonal and atonal, there are several passages in which strict twelve-tone technique is used. The aim of this article is to determine how twelve-tone composition is used, both in terms of the application of the technique and its relationship to the drama. To this end, and by reviewing the reduction for voice and piano, the music will be analysed by contrasting the appearance of the dodecaphonic series with the libretto.

RESUMEN En 1959, el compositor chileno Pablo Garrido completó su ópera La sugestión, cuyo argumento incorpora sucesos sobrenaturales en una trama aparentemente realista. Aunque el lenguaje musical fluctúa entre lo tonal y lo atonal, hay varios pasajes en que se usa un estricto dodecafonismo. El objetivo de este artículo es determinar cómo se usa la dodecafonía, tanto en lo respectivo a la aplicación de la técnica como a su vinculación con el drama. Con este fin y mediante la revisión de la reducción para canto y piano, se analizará la música contrastando la aparición de las series dodecafónicas con el libreto.

ABSTRACT The Spanish composer Rodolfo Halffter (1900-1987) describes a compositive career parallel to his biography: his exile to Mexico due to the Spanish Civil War (1936-1939) was a landmark that resulted in a creative turn marked by its adoption, since the fifties, of the twelve-tone method. Although progressively distanced from its more orthodox practice, Halffter acknowledged in his first approach to the series, the pianistic Tres hojas de álbum, op. 22 (1953), his debt to Arnold Schöenberg (1874-1951). An analysis is proposed using a methodology coherent to the current atonal and twelve-tone theory, and to the Topic Theory.

RESUMEN El compositor español Rodolfo Halffter (1900-1987) describe una carrera compositiva paralela a su biografía: el hito de su exilio a México por la Guerra Civil Española (1936-1939) redundó en un giro creativo marcado por su adopción, a partir de los años cincuenta, del método dodecafónico. Aunque progresivamente fue distanciándose de su práctica más ortodoxa, Halffter reconoció en su primer acercamiento a la serie, la pianística Tres hojas de álbum, op. 22 (1953), su deuda con Arnold Schöenberg (1874-1951). Se plantea un análisis empleando una metodología deudora de la teoría atonal y dodecafónica actual, así como de la teoría de los tópicos.