Resumen El presente artículo es el resultado de una búsqueda exploratoria en torno a la ejecución de repertorio realizado por compositoras académicas en Costa Rica desde finales del siglo XIX hasta la actualidad. El objetivo de esta investigación es contribuir a la reivindicación histórica de las compositoras académicas ante la continua invisibilización de este repertorio en el país. El estudio se delimita espacialmente en las salas de concierto ubicadas en el Valle Central, ya que durante estos siglos es donde se registra la principal concentración de reproducción de obras musicales académicas en Costa Rica. El artículo incluye revisión bibliográfica, seis entrevistas a mujeres profesionales en la música, quienes compartieron sus testimonios acerca de su experiencia con el repertorio académico compuesto por mujeres, además, se realizaron consultas directas en archivos históricos para identificar la presencia o ausencia de este repertorio en el país. Todas estas fuentes permiten, a su vez, generar un primer registro de obras musicales y compositoras académicas que han pasado por las salas de concierto de Costa Rica desde las precursoras a finales del siglo XIX hasta las compositoras contemporáneas. Este registro evidencia cómo, a pesar de las resticciones patriarcales que ha caracterizado la composición y el canon musical, las mujeres han estado presentes con sus obras en todos los siglos explorados para el artículo.

Abstract This article is the result of an exploratory investigation into the performance of repertoire by academic composers in Costa Rica from the late 19th century to the present. The aim of this research is to contribute to the historical recognition of female academic composers in response to the ongoing marginalization of this repertoire in the country. The study focuses spatially on concert halls located in the Central Valley, as this is where the main concentration of academic musical performances in Costa Rica has been recorded over the centuries. The article includes a literature review, six interviews with professional women in music, who shared their experiences with academic repertoire composed by women. Additionally, direct consultations were made in historical archives to identify the presence or absence of this repertoire in the country. All these sources enable the creation of an initial record of musical works and academic composers who have performed in Costa Rican concert halls from the pioneers of the late 19th century to contemporary composers. This record demonstrates how, despite the patriarchal restrictions that have characterized composition and the musical canon, women have been present with their works in all the centuries explored in the article.

Resumen El problema de la desintegración del aura, tratado inicialmente por Walter Benjamin en el último período de su filosofía y retomado por Theodor W. Adorno, ocupa un lugar central en el pensamiento de ambos autores. Pero mientras que Benjamin parece ver en la decadencia del aura ciertos aspectos liberadores, Adorno elige preservar la categoría de aura como esencial a la experiencia artística, cuestión que se encuentra conectada con el desplazamiento que, según se propondrá, opera la reflexión de Adorno de la cualidad aurática al terreno específico de la música y, con ello, al ámbito de la producción, entendiendo esta cualidad como propia de la objetividad de la obra. Apoyándose en un repaso detallado del tratamiento de la categoría de aura en Benjamin y Adorno y siguiendo el traslado del problema al ámbito musical que propone Adorno, este artículo busca adentrarse en el fenómeno de la decadencia del aura en el dominio de la música a partir del análisis de una serie de obras escogidas de los compositores George Crumb, GyörgyKurtág y Helmut Lachenmann.

Abstract The problem of the disintegration of the aura, initially addressed by Walter Benjamin in the later period of his philosophy and later taken up by Theodor W. Adorno, is central in the thought of both authors. However, while Benjamin seems to perceive certain liberating aspects in the aura’s decline, Adorno chooses to preserve the category of aura as essential to the artistic experience. This issue is connected to what will be proposed as Adorno’s shift of the auratic quality to the specific domain of music and, consequently, to the realm of production, understanding this quality as inherent to artwork’s objective nature. Drawing on a detailed examination of the treatment of the category of aura in Benjamin and Adorno, and following Adorno’s transposition of the problem into the musical domain, this article seeks to examine the phenomenon of the aura’s decline in music through the analysis of selected works by composers George Crumb, György Kurtág, and Helmut Lachenmann.

RESUMEN Fikret Amirov, un compositor destacado y uno de los representantes más talentosos de la escuela de composición azerbaiyana, ha hecho importantes contribuciones al desarrollo de la cultura musical nacional, ganándose la admiración del público tanto a nivel nacional como internacional. A pesar de la popularidad de su música en países como Estados Unidos, Inglaterra, Francia, Italia, Alemania, Egipto, Irán y Turquía, sigue habiendo una laguna en la investigación sobre los aspectos específicos que definen su estilo compositivo único y la profundidad emocional presente en sus obras vocales. Este artículo tiene como objetivo explorar las composiciones vocales clave de Amirov, incluidas "Estrella", "Eres mi primavera", "Me reiré si ríes", "Mi flor", "Canción del árabe ciego", "Canción del recogedor de vino" y otras, para descubrir los rasgos característicos de su estructura compositiva, género, estilo y lenguaje armónico y melódico. El análisis reveló que las obras de Amirov se distinguen por sus temas líricos e imágenes, profundamente arraigadas en la identidad nacional, que reflejan la conexión íntima del compositor con la mentalidad de su pueblo. Los hallazgos destacan cómo las letras emotivas y delicadas de Amirov resuenan en el público, lo que subraya el impacto duradero de su música. Estos conocimientos tienen implicaciones importantes para la apreciación de la música azerbaiyana y el reconocimiento de las contribuciones de Amirov a la cultura musical mundial.

ABSTRACT Fikret Amirov, an outstanding composer and one of the most talented representatives of the Azerbaijani school of composition, has made significant contributions to the development of national musical culture, earning the admiration of audiences both domestically and internationally. Despite the popularity of his music in countries such as the United States, England, France, Italy, Germany, Egypt, Iran, and Turkey, there remains a research gap regarding the specific aspects that define his unique compositional style and the emotional depth present in his vocal works. This article aims to explore key vocal compositions by Amirov, including “Star,” “You Are My Spring,” “I’ll Laugh If You Laugh,” “My Flower,” “Song of the Blind Arab,” “Song of Wine-Scooper,” and others, to uncover the characteristic features of his compositional structure, genre, style, and harmonic and melodic language. The analysis revealed that Amirov’s works are distinguished by their lyrical themes and imagery, deeply rooted in national identity, reflecting the composer’s intimate connection with the mentality of his people. The findings highlight how Amirov’s emotional and delicate lyrics resonate with audiences, underscoring the enduring impact of his music. These insights have important implications for the appreciation of Azerbaijani music and the recognition of Amirov's contributions to global music culture.

Abstract: Classical composers such as Wagner, Mahler, Handel, and Debussy, among others, noticed that a space’s acoustic qualities affected their compositions, so they made intuitive arrangements to their performances to suit the space. Some contemporary musicians, on the other hand, incorporate those sonic characteristics as part of their composition. Pauline Oliveros, John Butcher, and Paul Bavister are some composers who produce site-specific works, compositions that include the site’s sound as part of their sound works. This project proposes site stimulation as a methodology to extract Basilica del Voto Nacional’s reverberation, a neo-gothic church in Quito, Ecuador, to produce a site-specific sound work: Composition for a Jazz Quartet and for a Basilica. This research aims not only to use spatial sonic qualities for music composition but also to propose a friendly, day-to-day activity, such as listening to music, as a learning method to acknowledge spatial sound phenomena.

Resumen: Compositores clásicos como Wagner, Mahler, Handel y Debussy, entre otros, identificaron que la acústica del espacio afectaba a sus obras durante su ejecución, entonces hicieron arreglos intuitivos en ellas para que se ajustaran al espacio de presentación. Por otro lado, compositores contemporáneos como Pauline Oliveros, John Butcher, y Paul Bavister, producen obras específicas del sitio, obras que incluyen al sonido del lugar como parte de ellas. Este proyecto usa la estimulación del sitio como metodología para extraer la reverberación de la Basílica del Voto Nacional, una iglesia neogótica en Quito, Ecuador, para producir una obra especifica de sitio: Composición para Cuarteto de Jazz y para Basílica. El propósito de esta investigación es, no solamente utilizar las cualidades sonoras del espacio como herramientas de composición musical, sino proponer una manera más amigable y cotidiana para aprender, como lo es el escuchar música.

RESUMEN En este trabajo analizamos la valoración que el alumnado universitario realiza de su trabajo de composición cooperativa durante un semestre académico. Se contemplan, entre otras, las variables de formación musical y de género. El alumnado compone una canción para un aula de Educación Primaria. Son 89 participantes, de los cuales solo 26 declaran haber estudiado música en centros especializados. Los resultados muestran que el alumnado participante se encuentra, en general, muy satisfecho con el trabajo realizado, en especial las mujeres y los estudiantes con conocimientos musicales. La implicación fue alta, y se percibe que la enculturación tonal en la población general repercute en que determinadas actividades de creatividad musical que podríamos considerar complejas pueden, mediante el trabajo colaborativo, ejercerse en contextos ajenos a los que derivan de una formación musical especializada.

RESUMO Neste artigo analisamos a forma como os estudantes universitários avaliam o seu trabalho de composição cooperativa durante um semestre académico. São tidas em conta as variáveis de formação musical e género, entre outras. Os alunos compõem uma canção para uma sala de aula da educação básica. Participaram 89 estudantes, dos quais apenas 26 declararam ter estudado música em centros especializados. Os resultados mostram que os alunos participantes estão, em geral, muito satisfeitos com o trabalho realizado, especialmente as mulheres e os alunos com conhecimentos musicais. O envolvimento foi elevado, e percebe-se que a enculturação tonal na população em geral significa que certas atividades de criatividade musical que poderíamos considerar complexas podem, através do trabalho colaborativo, ser exercidas em contextos diferentes dos que derivam de uma formação musical especializada.

ABSTRACT In this paper we analyse how university students evaluate their cooperative composition work during an academic semester. Variables such as musical training and gender, among others, are considered. The students compose a song for a primary school classroom. They were 89 participants, of whom only 26 reported having studied music at specialized schools. The results show that the participating students are, in general, very satisfied with the work carried out, especially the women and students with previous musical knowledge. The involvement was high and it is perceived that tonal enculturation in the general population has an impact on the fact that certain musical creativity activities, that we could consider complex, can be exercised through collaborative work, in contexts other than those derived from specialized musical training.

Resumen: El piano, de origen europeo, es la cristalización de la civilización musical occidental y es conocido como el rey de los instrumentos musicales. Después de cientos de años de desarrollo, ha desarrollado un sistema relativamente completo de creación, interpretación y enseñanza. En este proceso, se puede ver que hay muchas obras de música para piano con el estilo y el encanto únicos del pensamiento tradicional chino, utilizando el método de la música folclórica china y la melodía con características chinas. La combinación de pensamientos tradicionales y piano demuestra el encanto único de la música china, con una fuerte herencia cultural y atractivo artístico. Por lo tanto, las obras de música para piano infiltradas en el pensamiento tradicional chino no son sólo un tesoro de China, sino también un elemento indispensable en la interpretación y educación del piano chino. El propósito de este artículo es comprender y reflexionar profundamente sobre las obras de música para piano en la cultura tradicional china, explorar la singularidad y el encanto de las obras de música para piano chinas y comprender la encarnación de los pensamientos tradicionales chinos en la creación de música para piano, explorando así la singularidad y la innovación. de la creación de música para piano china, proporcionando referencia y apoyo para promover el desarrollo de las obras de música para piano china. Resumen europeo musicales enseñanza proceso artístico tanto China innovación

Abstract: The piano, which originated in Europe, is the crystallization of Western musical civilization and is known as the king of musical instruments. After hundreds of years of development, it has developed a relatively complete system of creation, performance and teaching. In this process, it can be seen that there are many piano music works with the unique style and charm of traditional Chinese thoughts, using the method of Chinese folk music and the melody with Chinese characteristics. The combination of traditional thoughts and piano demonstrates a unique charm of Chinese music, with strong cultural heritage and artistic appeal. Therefore, piano music works, infiltrated into traditional Chinese thoughts, are not only a China’s treasure, but also an indispensable element in Chinese piano performance and education. The purpose of this article is to deeply understand and reflect on piano music works in traditional Chinese culture, explore the uniqueness and charm of Chinese piano music works, and understand the embodiment of traditional Chinese thoughts in piano music creation, thus exploring the uniqueness and innovation of Chinese piano music creation, providing reference and support for promoting the development of Chinese piano music works. Abstract Europe instruments creation teaching process characteristics appeal Therefore Chinas China s treasure education culture

Resumen El taller de composición musical matemática, un esfuerzo que integra a las carreras de matemáticas y música, es un ejemplo concreto de proyecto STEAM (ciencia, tecnología, ingeniería, artes y matemáticas). En este artículo, los autores analizan cómo los estudiantes de matemáticas y los de composición musical han trabajado juntos, han aprendido a interpretar los lenguajes especializados de unos y otros, y han presentado sus resultados a un público interesado en la relación que guardan estas dos disciplinas. El objetivo de mejorar la comprensión de los conceptos matemáticos abstractos mediante la aplicación a las estructuras musicales se analiza utilizando el Enfoque onto-semiótico (OSA). Este marco arroja luz sobre algunas de las manifestaciones escritas y orales de los alumnos que participaron. En este artículo se privilegian las competencias matemáticas que se esperaba que los participantes alcanzaran a través de este esfuerzo interdisciplinario por encima de los objetivos de educación musical (que también estaban presentes). matemática música ciencia, ciencia (ciencia tecnología ingeniería matemáticas. . matemáticas) juntos otros disciplinas ontosemiótico onto semiótico OSA. OSA (OSA) participaron presentes. presentes presentes) (OSA

Abstract The mathematical music composition workshop, an endeavor that integrates mathematics and music majors, is a concrete example of a STEAM (science, technology, engineering, arts, and mathematics) project. In this article, the authors analyze how mathematics students and music composition students have worked together, have learned to interpret specialized languages from one another, and have presented their results to a public interested in the relationship that guards these two disciplines. The goal of improving the understanding of abstract mathematical concepts through the application to musical structures is analyzed using the Onto-semiotic Approach (OSA). This framework sheds light on some of the written and oral manifestations of the students who participated. The mathematical competence that the participants were expected to achieve through this interdisciplinary endeavor are privileged in this article over the music education goals (which were also present). workshop majors science, science (science technology engineering arts project together another disciplines Ontosemiotic Onto semiotic OSA. OSA . (OSA) participated which present. present present) (OSA

In this article I analyze the music of composer George Andreani for Argentine and Chilean cinema. By reviewing the available filmography, it is possible to distinguish a series of strategies and resources that, for the most part, were part of the conventions of the classical Hollywood scoring model and the cinemas that followed that referent. This paper seeks to elucidate how Andreani used these resources and applied them in his work as a film composer both in Argentina and Chile. The theoretical framework that sustains this research is inscribed in the field of Film Music Studies, both its foundational referents from the Anglo world and the most recent works focused on Latin America. This conceptual apparatus is intertwined with testimonies of composers and critics, as well as a detailed musical analysis. The work includes the transcription of a series of pieces composed or arranged by Andreani. This study shed light on the different aspects of the work of musical composition for classical cinema in Argentina and Chile: what were the requirements of the film companies, what they sought to communicate with the music and how composers materialized all these needs.

En este artículo analizo la música del compositor George Andreani para el cine argentino y chileno. Al revisar su filmografía disponible, se distinguen varias estrategias y recursos que, en su mayoría, hacían parte de las convenciones del modelo de acompañamiento del Hollywood clásico y los cines que siguieron ese referente. Este trabajo busca dilucidar cómo Andreani utilizó esos recursos y los aplicó en su trabajo como compositor de cine tanto en Argentina como en Chile. El marco teórico que sustenta esta pesquisa se inscribe en los llamados estudios de música en el cine, tanto sus referentes fundacionales desde el mundo anglo como los trabajos más recientes enfocados en América Latina. Este aparato conceptual se enlaza con testimonios de compositores y críticos de la época, así como un detallado análisis musical. La labor incluye la transcripción de varias piezas compuestas o arregladas por Andreani. Este estudio nos permite comprender de mejor manera las distintas aristas del trabajo de composición musical para el cine clásico en estos países: cuáles eran los requerimientos por parte de las compañías filmadoras, qué buscaban comunicar con la música y de qué manera los compositores materializaban todas esas necesidades a nivel sonoro.

Abstract In the teaching-learning process, difficulties are often encountered in reading and interpreting what is read, as well as little participation in classes due to public speaking skills. In addition, we are gradually forgetting the cultural traditions instilled by our ancestors, ignoring much of the ancestral wealth of Ecuador and Latin America. The proposed work aims to develop linguistic skills from meaningful learning through the song, rhythm, and poetry present in the Montubio amorfino musical genre. The application of the methodology will be developed with the execution of activities such as dance, singing, recitation of Montubio verses, stage representation, the study of ancestral customs, and even with the composition of new verses created by the students in the classroom, which will continuously contribute to the linguistic, psychomotor, and affective-emotional development of children and young people.

Resumen En el proceso de enseñanza aprendizaje muchas veces se encuentran dificultades en la lectura e interpretación de lo que se lee, como también poca participación en clases debido a las competencias de hablar en público, además de ir olvidando de a poco las tradiciones culturales inculcadas por nuestros antecesores, desconociendo gran parte de la riqueza ancestral de Ecuador y Latinoamérica. El trabajo propuesto tiene como objetivo desarrollar destrezas lingüísticas a partir del aprendizaje significativo a través del canto, ritmo y poesía presentes en el género musical amorfino montuvio. La aplicación de la metodología se desarrollará con la ejecución de actividades como la danza, el canto, la recitación de versos montuvios, la representación escénica, el estudio de las costumbres ancestrales e incluso con la composición de nuevos versos creados por los alumnos en el aula de clase, con lo cual se aportará de manera continua al desarrollo lingüístico, psicomotriz y afectivo-emocional de nuestros niños y jóvenes.

This article aims to trace the supradisciplinary cartography, a confluence of movement, spoken and musical text, acting, musical interpretation and performance, that led the team formed by Carolina Sagredo (stage direction and dramaturgy), and the researchers of this article, Andrés Núñez (composition) and Mauricio Carrasco (performance), to conceive, elaborate and premiere two monodramatic works: Retablo de Sodomitas in 2018, and Villancicos del Santo Niño de las Quemaduras in 2022. Based on the text of Mexican poet Luis Felipe Fabre, Retablo de Sodomitas Novohispanos (2010), the Sagredo-Núñez-Carrasco triad reterritorializes the monodramatic genre through autoethno-graphic perspectives and queer performativity. This study will apply concepts associated with territory to the various artistic disciplines in question, analyse both monodramas as transdisciplinary objects, and discuss the differences between performativity and performance. It will try to trace a supposedly queer performative lineage while arguing for their posthuman adherence as artistic objects from the Global South.

El presente artículo pretende trazar la cartografía supradisciplinaria, confluencia de movimiento, texto hablado y musical, actuación, interpretación musical y performance , que llevaron al equipo conformado por Carolina Sagredo (dirección de escena y dramaturgia), y a los investigadores de este artículo Andrés Núñez (composición) y Mauricio Carrasco (interpretación), a concebir, elaborar y estrenar dos obras de carácter monodramático: Retablo de Sodomitas en 2018, y Villancicos del Santo Niño de las Quemaduras en 2022. A partir del texto del poeta mexicano Luis Felipe Fabre, Retablo de Sodomitas Novohispanos (2010), la tríada Sagredo-Núñez-Carrasco reterritorializa el género monodramático por medio de perspectivas autoetnográficas y de performatividad queer . Este estudio aplicará conceptos asociados al territorio a las diferentes disciplinas artísticas en cuestión, analizará ambos monodramas en tanto objeto transdisciplinario, y discutirá acerca de las diferenciaciones entre performatividad y performance , intentando trazar un supuesto linaje queer performativo, al tiempo que argumentará acerca de su adherencia posthumana en tanto objeto artístico venido del Sur Global.

Resumen El objetivo de este artículo consistió en relacionar las posibilidades técnicas que, a partir del uso de la tecnología digital de procesamiento de audio, han influenciado el devenir de la producción musical y discográfica, y que involucran todo el proceso, desde la creación y composición musical, hasta la distribución del producto terminado. En conjunto, dichas posibilidades han producido significativos cambios, no solo en las formas propias de creación, sino también en el resultado estético-sonoro final. Un análisis realizado a partir de fuentes primarias, referencias bibliográficas y la experiencia autoetnográfica de los autores da cuenta de la influencia que estos cambios han tenido en productores, ingenieros y músicos para el desarrollo de su trabajo artístico. Finalmente, se evidencia un fuerte ascendente del paso tecnológico del tiempo en los procesos creativos y los resultados estético-sonoros que demuestran, una vez más, la importancia de los estudios relacionados con la tecnología y su influencia en las artes tradicionales.

Abstract This article describes the technical possibilities that, through the use of digital audio processing technology, have influenced the evolution of music and record production, from the musical creation and composition to the distribution of the finished product. As a whole, these possibilities have brought about significant changes not only in the ways of creating but also in the final aesthetic-sound results. An analysis based on primary sources, bibliographic references, and the autoethnographic experience of the authors reveals the influence that these changes have had on producers, engineers, and musicians in the performance of their artistic work. Finally, there is evidence of a strong impact of the technological passage of time on the creative processes and the aesthetic-sound results, which demonstrates, once again, the importance of studies on technology and its effect on traditional arts.

Resumen La exposición de una voz que se desintegra, se desprovee de su carácter comunicativo y se hunde en un estrato precultural y protolingüístico, vertebra la obra vocal de Meredith Monk. Con su trabajo, la creadora (desde un modelo estético plural que abarca la actividad dramática, poética, musical y audiovisual( explora el terreno de la antropología de la cultura. La voz, en este modelo compositivo, se repliega tanto sobre su raíz musical como sobre técnicas expandidas: susurros, gritos, risas. En las siguientes páginas se ofrece una visión sintética de esta propuesta creativa desde una base epistemológica vertebrada por medio de motivos como el juego, la mímesis, la dialéctica entre composición y descomposición y el concepto de musilenguaje. Este último, trabajado por autores como Robert N. Bellah, Steven Brown o Steven Mithen, comprende la música como base del habla.

Abstract Meredith Monk’s vocal music is defined by the presence of a disintegrated language -a language which has abandoned its normative nature- The voice, accompanied by a thorough gestural language, falls into a precultural, protolinguistic stratum. With his work, Monk -from a wide variety of aesthetics proposals: music, poetry, dramaturgy, audiovisual- gets into the area of Cultural Anthropology. In her compositions, the voice emerges always as music, but this music, first and foremost, seeks refuge in different human expressions as sighs, moans, screams or laughs. Throughout the following pages a synthetic view of Monk’s aesthetics from an epistemological basis will be shown, a basis where notions like game or mimesis play an axial role, as well as some others notions related to those, especially the dialectics between creation and decreation, or the concept musilanguage (as proposed by Robert N. Bellah, Steven Brown and Steven Mithen). This last term refers to music as basis of language.

Abstract During the 1950s Karlheinz Stockhausen adhered to the modernist principles promoted by the Darmstadt School that led to the development of integral serialism. In his pursuit of renovation of the musical language, Stockhausen tried to apply this technique to the composition of electronic works at the WDR (Westdeutscher Rundfunk) laboratory in Cologne. This article inquires, through the concept of technical mediation proposed by Bruno Latour, how the exchange of properties between humans and non-humans inside the laboratory modified the serial project. As a result of this process, Stockhausen composed a series of works that couldn’t be completely prefigured a priori , a fact that led to the creation of new forms of listening and musical notation. From that, we will seek to characterize Stockhausen’s compositional practice from a non-modernist perspective, emphasizing the hybrid and relational character of musical events.

Resumen Durante la década de 1950 Karlheinz Stockhausen adhirió a los principios modernistas promovidos por la Escuela de Darmstadt que dieron lugar al desarrollo del serialismo integral. En su búsqueda de renovación del lenguaje musical, Stockhausen intentó aplicar esta técnica a la composición de obras electrónicas en el laboratorio de la WDR (Westdeutscher Rundfunk) en Colonia. Este artículo indaga, por medio del concepto de mediación técnica propuesto por Bruno Latour, cómo el intercambio de propiedades entre humanos y no humanos propiciado por el laboratorio fue modificando el proyecto serial. Como resultado de ese proceso, Stockhausen compuso una serie obras que no pudieron ser completamente prefiguradas a priori , hecho que demandó la creación de nuevas formas de escucha y notación musical. A partir de ello, buscaremos caracterizar la práctica compositiva de Stockhausen desde una perspectiva no modernista, haciendo hincapié en el carácter híbrido y relacional de los eventos musicales.

RESUMEN El estudio examina y compara el método asociativo de percepción y los métodos audiovisuales y de aprendizaje basado en problemas desde el punto de vista de su eficacia en el estudio de la música del siglo XX para el desarrollo del pensamiento artístico e imaginativo. Hipótesis de estudio. Los métodos de aprendizaje indicados muestran efectividad en el desarrollo del pensamiento artístico e imaginativo en el proceso de dominio de los estilos musicales de vanguardia dado que los métodos de enseñanza son seleccionados específicamente para cada estilo. La novedad del estudio. Por primera vez, el artículo compara diferentes métodos para el desarrollo del pensamiento musical e imaginativo y determina el alcance de su efectividad en el desarrollo del sonorismo, la música concreta y aleatoria del siglo XX. La importancia práctica del estudio. El estudio proporciona recomendaciones metodológicas sobre el uso de métodos asociativos, audiovisuales y basados en problemas de enseñanza de la composición moderna para el desarrollo del pensamiento musical e imaginativo.

ABSTRACT The study examines and compares the associative method of perception and the audiovisual and problem-based learning methods from the point of their effectiveness in studying 20th-century music for the development of artistic and imaginative thinking. Study hypothesis. The indicated methods of learning show effectiveness in the development of artistic and imaginative thinking in the process of mastering avant-garde music styles given that the teaching methods are selected specifically for each style. The novelty of the study. For the first time, the paper compares different methods for the development of musical and imaginative thinking and determines the extent of their effectiveness in the development of sonorism, concrete, and aleatoric music of the 20th century. The practical significance of the study. The study provides methodological recommendations on the use of associative, audiovisual, and problem-based methods of teaching modern composition for the development of musical and imaginative thinking.