Abstract: Classical composers such as Wagner, Mahler, Handel, and Debussy, among others, noticed that a space’s acoustic qualities affected their compositions, so they made intuitive arrangements to their performances to suit the space. Some contemporary musicians, on the other hand, incorporate those sonic characteristics as part of their composition. Pauline Oliveros, John Butcher, and Paul Bavister are some composers who produce site-specific works, compositions that include the site’s sound as part of their sound works. This project proposes site stimulation as a methodology to extract Basilica del Voto Nacional’s reverberation, a neo-gothic church in Quito, Ecuador, to produce a site-specific sound work: Composition for a Jazz Quartet and for a Basilica. This research aims not only to use spatial sonic qualities for music composition but also to propose a friendly, day-to-day activity, such as listening to music, as a learning method to acknowledge spatial sound phenomena.

Resumen: Compositores clásicos como Wagner, Mahler, Handel y Debussy, entre otros, identificaron que la acústica del espacio afectaba a sus obras durante su ejecución, entonces hicieron arreglos intuitivos en ellas para que se ajustaran al espacio de presentación. Por otro lado, compositores contemporáneos como Pauline Oliveros, John Butcher, y Paul Bavister, producen obras específicas del sitio, obras que incluyen al sonido del lugar como parte de ellas. Este proyecto usa la estimulación del sitio como metodología para extraer la reverberación de la Basílica del Voto Nacional, una iglesia neogótica en Quito, Ecuador, para producir una obra especifica de sitio: Composición para Cuarteto de Jazz y para Basílica. El propósito de esta investigación es, no solamente utilizar las cualidades sonoras del espacio como herramientas de composición musical, sino proponer una manera más amigable y cotidiana para aprender, como lo es el escuchar música.

RESUMEN En este trabajo analizamos la valoración que el alumnado universitario realiza de su trabajo de composición cooperativa durante un semestre académico. Se contemplan, entre otras, las variables de formación musical y de género. El alumnado compone una canción para un aula de Educación Primaria. Son 89 participantes, de los cuales solo 26 declaran haber estudiado música en centros especializados. Los resultados muestran que el alumnado participante se encuentra, en general, muy satisfecho con el trabajo realizado, en especial las mujeres y los estudiantes con conocimientos musicales. La implicación fue alta, y se percibe que la enculturación tonal en la población general repercute en que determinadas actividades de creatividad musical que podríamos considerar complejas pueden, mediante el trabajo colaborativo, ejercerse en contextos ajenos a los que derivan de una formación musical especializada.

ABSTRACT In this paper we analyse how university students evaluate their cooperative composition work during an academic semester. Variables such as musical training and gender, among others, are considered. The students compose a song for a primary school classroom. They were 89 participants, of whom only 26 reported having studied music at specialized schools. The results show that the participating students are, in general, very satisfied with the work carried out, especially the women and students with previous musical knowledge. The involvement was high and it is perceived that tonal enculturation in the general population has an impact on the fact that certain musical creativity activities, that we could consider complex, can be exercised through collaborative work, in contexts other than those derived from specialized musical training.

RESUMO Neste artigo analisamos a forma como os estudantes universitários avaliam o seu trabalho de composição cooperativa durante um semestre académico. São tidas em conta as variáveis de formação musical e género, entre outras. Os alunos compõem uma canção para uma sala de aula da educação básica. Participaram 89 estudantes, dos quais apenas 26 declararam ter estudado música em centros especializados. Os resultados mostram que os alunos participantes estão, em geral, muito satisfeitos com o trabalho realizado, especialmente as mulheres e os alunos com conhecimentos musicais. O envolvimento foi elevado, e percebe-se que a enculturação tonal na população em geral significa que certas atividades de criatividade musical que poderíamos considerar complexas podem, através do trabalho colaborativo, ser exercidas em contextos diferentes dos que derivam de uma formação musical especializada.

Abstract The mathematical music composition workshop, an endeavor that integrates mathematics and music majors, is a concrete example of a STEAM (science, technology, engineering, arts, and mathematics) project. In this article, the authors analyze how mathematics students and music composition students have worked together, have learned to interpret specialized languages from one another, and have presented their results to a public interested in the relationship that guards these two disciplines. The goal of improving the understanding of abstract mathematical concepts through the application to musical structures is analyzed using the Onto-semiotic Approach (OSA). This framework sheds light on some of the written and oral manifestations of the students who participated. The mathematical competence that the participants were expected to achieve through this interdisciplinary endeavor are privileged in this article over the music education goals (which were also present). workshop majors science, science (science technology engineering arts project together another disciplines Ontosemiotic Onto semiotic OSA. OSA . (OSA) participated which present. present present) (OSA

Resumen El taller de composición musical matemática, un esfuerzo que integra a las carreras de matemáticas y música, es un ejemplo concreto de proyecto STEAM (ciencia, tecnología, ingeniería, artes y matemáticas). En este artículo, los autores analizan cómo los estudiantes de matemáticas y los de composición musical han trabajado juntos, han aprendido a interpretar los lenguajes especializados de unos y otros, y han presentado sus resultados a un público interesado en la relación que guardan estas dos disciplinas. El objetivo de mejorar la comprensión de los conceptos matemáticos abstractos mediante la aplicación a las estructuras musicales se analiza utilizando el Enfoque onto-semiótico (OSA). Este marco arroja luz sobre algunas de las manifestaciones escritas y orales de los alumnos que participaron. En este artículo se privilegian las competencias matemáticas que se esperaba que los participantes alcanzaran a través de este esfuerzo interdisciplinario por encima de los objetivos de educación musical (que también estaban presentes). matemática música ciencia, ciencia (ciencia tecnología ingeniería matemáticas. . matemáticas) juntos otros disciplinas ontosemiótico onto semiótico OSA. OSA (OSA) participaron presentes. presentes presentes) (OSA

Abstract: The piano, which originated in Europe, is the crystallization of Western musical civilization and is known as the king of musical instruments. After hundreds of years of development, it has developed a relatively complete system of creation, performance and teaching. In this process, it can be seen that there are many piano music works with the unique style and charm of traditional Chinese thoughts, using the method of Chinese folk music and the melody with Chinese characteristics. The combination of traditional thoughts and piano demonstrates a unique charm of Chinese music, with strong cultural heritage and artistic appeal. Therefore, piano music works, infiltrated into traditional Chinese thoughts, are not only a China’s treasure, but also an indispensable element in Chinese piano performance and education. The purpose of this article is to deeply understand and reflect on piano music works in traditional Chinese culture, explore the uniqueness and charm of Chinese piano music works, and understand the embodiment of traditional Chinese thoughts in piano music creation, thus exploring the uniqueness and innovation of Chinese piano music creation, providing reference and support for promoting the development of Chinese piano music works. Abstract Europe instruments creation teaching process characteristics appeal Therefore Chinas China s treasure education culture

Resumen: El piano, de origen europeo, es la cristalización de la civilización musical occidental y es conocido como el rey de los instrumentos musicales. Después de cientos de años de desarrollo, ha desarrollado un sistema relativamente completo de creación, interpretación y enseñanza. En este proceso, se puede ver que hay muchas obras de música para piano con el estilo y el encanto únicos del pensamiento tradicional chino, utilizando el método de la música folclórica china y la melodía con características chinas. La combinación de pensamientos tradicionales y piano demuestra el encanto único de la música china, con una fuerte herencia cultural y atractivo artístico. Por lo tanto, las obras de música para piano infiltradas en el pensamiento tradicional chino no son sólo un tesoro de China, sino también un elemento indispensable en la interpretación y educación del piano chino. El propósito de este artículo es comprender y reflexionar profundamente sobre las obras de música para piano en la cultura tradicional china, explorar la singularidad y el encanto de las obras de música para piano chinas y comprender la encarnación de los pensamientos tradicionales chinos en la creación de música para piano, explorando así la singularidad y la innovación. de la creación de música para piano china, proporcionando referencia y apoyo para promover el desarrollo de las obras de música para piano china. Resumen europeo musicales enseñanza proceso artístico tanto China innovación

Resumen Durante la década de 1950 Karlheinz Stockhausen adhirió a los principios modernistas promovidos por la Escuela de Darmstadt que dieron lugar al desarrollo del serialismo integral. En su búsqueda de renovación del lenguaje musical, Stockhausen intentó aplicar esta técnica a la composición de obras electrónicas en el laboratorio de la WDR (Westdeutscher Rundfunk) en Colonia. Este artículo indaga, por medio del concepto de mediación técnica propuesto por Bruno Latour, cómo el intercambio de propiedades entre humanos y no humanos propiciado por el laboratorio fue modificando el proyecto serial. Como resultado de ese proceso, Stockhausen compuso una serie obras que no pudieron ser completamente prefiguradas a priori , hecho que demandó la creación de nuevas formas de escucha y notación musical. A partir de ello, buscaremos caracterizar la práctica compositiva de Stockhausen desde una perspectiva no modernista, haciendo hincapié en el carácter híbrido y relacional de los eventos musicales.

Abstract During the 1950s Karlheinz Stockhausen adhered to the modernist principles promoted by the Darmstadt School that led to the development of integral serialism. In his pursuit of renovation of the musical language, Stockhausen tried to apply this technique to the composition of electronic works at the WDR (Westdeutscher Rundfunk) laboratory in Cologne. This article inquires, through the concept of technical mediation proposed by Bruno Latour, how the exchange of properties between humans and non-humans inside the laboratory modified the serial project. As a result of this process, Stockhausen composed a series of works that couldn’t be completely prefigured a priori , a fact that led to the creation of new forms of listening and musical notation. From that, we will seek to characterize Stockhausen’s compositional practice from a non-modernist perspective, emphasizing the hybrid and relational character of musical events.

Resumen La exposición de una voz que se desintegra, se desprovee de su carácter comunicativo y se hunde en un estrato precultural y protolingüístico, vertebra la obra vocal de Meredith Monk. Con su trabajo, la creadora (desde un modelo estético plural que abarca la actividad dramática, poética, musical y audiovisual( explora el terreno de la antropología de la cultura. La voz, en este modelo compositivo, se repliega tanto sobre su raíz musical como sobre técnicas expandidas: susurros, gritos, risas. En las siguientes páginas se ofrece una visión sintética de esta propuesta creativa desde una base epistemológica vertebrada por medio de motivos como el juego, la mímesis, la dialéctica entre composición y descomposición y el concepto de musilenguaje. Este último, trabajado por autores como Robert N. Bellah, Steven Brown o Steven Mithen, comprende la música como base del habla.

Abstract Meredith Monk’s vocal music is defined by the presence of a disintegrated language -a language which has abandoned its normative nature- The voice, accompanied by a thorough gestural language, falls into a precultural, protolinguistic stratum. With his work, Monk -from a wide variety of aesthetics proposals: music, poetry, dramaturgy, audiovisual- gets into the area of Cultural Anthropology. In her compositions, the voice emerges always as music, but this music, first and foremost, seeks refuge in different human expressions as sighs, moans, screams or laughs. Throughout the following pages a synthetic view of Monk’s aesthetics from an epistemological basis will be shown, a basis where notions like game or mimesis play an axial role, as well as some others notions related to those, especially the dialectics between creation and decreation, or the concept musilanguage (as proposed by Robert N. Bellah, Steven Brown and Steven Mithen). This last term refers to music as basis of language.

ABSTRACT The study examines and compares the associative method of perception and the audiovisual and problem-based learning methods from the point of their effectiveness in studying 20th-century music for the development of artistic and imaginative thinking. Study hypothesis. The indicated methods of learning show effectiveness in the development of artistic and imaginative thinking in the process of mastering avant-garde music styles given that the teaching methods are selected specifically for each style. The novelty of the study. For the first time, the paper compares different methods for the development of musical and imaginative thinking and determines the extent of their effectiveness in the development of sonorism, concrete, and aleatoric music of the 20th century. The practical significance of the study. The study provides methodological recommendations on the use of associative, audiovisual, and problem-based methods of teaching modern composition for the development of musical and imaginative thinking.

RESUMEN El estudio examina y compara el método asociativo de percepción y los métodos audiovisuales y de aprendizaje basado en problemas desde el punto de vista de su eficacia en el estudio de la música del siglo XX para el desarrollo del pensamiento artístico e imaginativo. Hipótesis de estudio. Los métodos de aprendizaje indicados muestran efectividad en el desarrollo del pensamiento artístico e imaginativo en el proceso de dominio de los estilos musicales de vanguardia dado que los métodos de enseñanza son seleccionados específicamente para cada estilo. La novedad del estudio. Por primera vez, el artículo compara diferentes métodos para el desarrollo del pensamiento musical e imaginativo y determina el alcance de su efectividad en el desarrollo del sonorismo, la música concreta y aleatoria del siglo XX. La importancia práctica del estudio. El estudio proporciona recomendaciones metodológicas sobre el uso de métodos asociativos, audiovisuales y basados en problemas de enseñanza de la composición moderna para el desarrollo del pensamiento musical e imaginativo.

Abstract The article discusses about the parallelism between pictorial and musical cubism. We expound the theoretical principles of pictorial cubism and the first notions about musical cubism, mainly in the music of Igor Stravinsky. Likewise, we analyze the spatial representation in music concerning the pictorial perspective and “reverse perspective” or “multi-centric composition” of the ancient Byzantine and Russian art.

Resumen El artículo trata sobre el paralelismo entre el cubismo pictórico y musical. Se exponen los principios teóricos del cubismo pictórico y las primeras nociones del cubismo musical, principalmente en la obra de Igor Stravinsky. Asimismo, se analiza la representación del espacio en la música en relación con la perspectiva lineal pictórica y la “perspectiva inversa”, o “composición multi-céntrica”, del antiguo arte bizantino y ruso.

Abstract This paper analyzes the content of the villancico Guineo a 5, Eso rigor e repente, written by Puebla’s chapel master, Gaspar Fernandes, at the beginning of the seventeenth century. Inside this composition, some textual elements reflect the daily reality and the vision that society in the city of Puebla and the New Spain had about the African and Afro-descendant populations. Through the villancico lyrics analysis, it stands out the identification of African or Afro-descendant religious and spiritual thinking elements (specially Bantu), probably as a reference to the Afro-descendant catholic religious practices made by this community. Puebla was an urban space with black brotherhoods and Afro-descendant musicians inside the Cathedral musical chapel by the time this guineo had been written and presented.

Resumen Este artículo presenta el análisis del texto del villancico Guineo a 5, Eso rigor e repente escrito por Gaspar Fernandes, maestro de capilla de Puebla, a comienzos del siglo XVII. En dicha composición se pueden percibir ciertos elementos que remiten a la realidad cotidiana y a la visión que la sociedad tenía de los africanos y afrodescendientes en la ciudad de Puebla y la Nueva España. Destaca en este análisis la identificación de elementos de pensamiento espiritual y religioso africano o afrodescendiente (principalmente bantú) en el villancico, probablemente como una referencia a las prácticas de religiosidad católica afrodescendiente realizadas por esta población. Puebla fue un espacio urbano donde hubo cofradías de negros y músicos afrodescendientes dentro de la capilla musical catedralicia al momento en que se escribió y estrenó este guineo.

Abstract: The development of creativity through group work has special relevance in formal contexts of music education. This study describes and analyzes a teaching unit of rhythm composition in groups, as part of a music course, with emphasis on elements related to creativity and collaborative learning. A case study method was used, in which the participants were sixteen secondary students from a school in Chile. Through reflective, creative, and interpretative activities, the students attained the proposed educational objectives. During the process, elements were observed that coincide with the characteristics of pedagogical/creative practices in formal education--elements considered relevant for strengthening knowledge that is linked to creativity and is consistent with the definitions and characteristics of collaborative learning.

Resumen: El desarrollo de la creatividad a través del trabajo grupal tiene especial relevancia en contextos formales de educación musical. Este estudio describe y analiza una unidad didáctica de composición rítmica grupal -dentro de la asignatura de Música- poniendo énfasis en elementos relacionados con la creatividad y el aprendizaje colaborativo. Se utilizó un estudio de caso y los participantes fueron 16 estudiantes de educación secundaria en un colegio chileno. A través de actividades reflexivas, creativas e interpretativas, el alumnado alcanzó los objetivos de aprendizaje propuestos. Durante el proceso se observaron elementos que coinciden con las características de las prácticas pedagógico-creativas en la educación formal; son considerados relevantes para fortalecer saberes vinculados con la creatividad y son consistentes con las definiciones y características del aprendizaje colaborativo.

Resumen Este artículo utiliza la conocida canción popular My Funny Valentine y una grabación particular de esta realizada por Miles Davis como base para analizar algunos procesos psicológicos en la improvisación y en la composición musical. Se desarrollan cuatro temas principales, entre ellos las formas en que los músicos que improvisan son capaces de reinterpretar completamente la estructura de una pieza, y se examinan las implicaciones de esto para la educación y la creatividad musical. También se exploran algunos de los procesos que permite la improvisación y se evalúan sus implicaciones educativas.

Resumo Este artigo utiliza a famosa canção popular My Funny Valentine e uma gravação particular desta feita por Miles Davis, como base para uma análise de alguns processos psicológicos na improvisação e composição musical. Desenvolvem-se quatro temas principais, incluindo as formas como os músicos de improvisação são capazes de reinterpretar completamente a estrutura de uma peça, e examinam-se as implicações disto para a educação e a criatividade musical. Exploram-se também alguns dos processos fundamentais da improvisação e avaliam-se as suas implicações educativas.

Abstract This article uses the well-known popular song My Funny Valentine and a particular recording of it by Miles Davis as the basis for an analysis of some psychological processes in musical improvisation and composition. It develops four main themes, including the ways in which improvising musicians are able to completely reinterpret the structure of a piece, and examines the implications of this for education and musical creativity. It also explores some of the processes underlying improvisation and assesses their educational implications.

Absract: The link between music and politics during the consecration of the Puebla Cathedral on April 18, 1649, has taken on new relevance given current debates on the role of this art in history when studied from two complementary angles. The first analyzes the careers of the primary protagonists and the roles they played in the plainsong ceremony that inaugurated the consecration rite, while the second examines those extraordinary and symbolic elements utilized in the process of musical composition, in this case of the mass Ego Flos Campi by Juan Gutiérrez de Padilla (15501664), the cathedral’s Kapellmeister. Through an emphasis on how sound articulates situations of ceremonial and political performativity - such as the words of a liturgical text - this analysis traces the connections between music, painting, the configuration of the cathedral chapter and political changes under King Philip IV. Fortunately, current musicology no longer argues that the greatest works should overcome the social and economic factors that surround them and artistic creation is considered to be a point of intersection between these and other, complementary parameters. All too often, however, musical composition is described as a result and not an agent. This article takes the perspective that both musical creation and execution can promote specific political content.

Resumen: El vínculo entre música y política durante la celebración de la consagración de la Catedral de Puebla, el 18 de abril de 1649, cobra vigencia y alimenta los actuales debates sobre el papel de este arte en la historia cuando se estudia desde dos ángulos complementarios. El primero, analiza las trayectorias de los principales protagonistas y las funciones que asumieron en la ceremonia ejecutada en canto llano que dio inicio al rito de consagración. El segundo, pondera elementos extraordinarios y simbólicos utilizados en el proceso de composición musical, en este caso, en la misa Ego Flos Campi de Juan Gutiérrez de Padilla (15501664), maestro de capilla de la catedral angelopolitana. A partir del énfasis que la articulación del sonido otorga a situaciones de performatividad ceremonial y política -así como a determinadas palabras del texto litúrgico-, el análisis de evidencias traza vínculos entre música, pintura, conformación del cabildo catedralicio, conflictos políticos y cambios en la dirección de la monarquía de Felipe IV. Afortunadamente la musicología actual ya no sostiene que las mejores obras deben rebasar los factores sociales y económicos que las rodean; hoy la creación artística en general se considera un punto de intersección entre éstos y otros parámetros complementarios. Sin embargo, con demasiada frecuencia, la composición musical se describe como resultado y no como agente. El artículo respalda una perspectiva diferente al enfatizar que ambas, la creación y la ejecución musical, pueden promover contenidos específicos de orden político.

Abstract Music software have revolutionized the way musicians nowadays develop their musical practice in terms of composition, musical arrangements and orchestration, that is why in the present research the objective was set; to determine the influence of music software in the teaching-learning process of music students at the Nacional University of the Altiplano in Puno. The approach was quantitative, being the design quasi-experimental and applied instruments such as pre-test, and post-test, for the collection and analysis of data, resulting in students have new skills in the process of composition, musical arrangements and orchestration, using the Sibelius and Finale software, compared with traditional techniques; It is concluded that there is a significant influence of the use of the Sibelius and Finale software in the teaching-learning process of the students; since it was observed that there was improvement in the development of the abilities in composition, musical arrangements and orchestration.

Resumen Los softwares musicales han revolucionado la manera de cómo los músicos en la actualidad desarrollan la práctica musical en cuanto a la composición, arreglos musicales y orquestación, es por ello que el presente estudio se planteó como objetivo; determinar la influencia de los Software musicales en el proceso de enseñanza-aprendizaje de los estudiantes de música de la Universidad Nacional del Altiplano Puno. El enfoque fue cuantitativo, siendo el diseño cuasi experimental y se aplicó instrumentos como el pre test, y post test, para la recolección y análisis de los datos, teniendo como resultado que los estudiantes tienen nuevas aptitudes en el proceso de la composición, arreglos musicales y orquestación, utilizando los Softwares Sibelius y Finale, en comparación de las técnicas tradicionales; Se concluye que existe influencia significativa del uso de los Softwares Sibelius y Finale en el proceso de enseñanza-aprendizaje de los estudiantes; ya que se observó que hubo mejora en el desarrollo de las capacidades en la composición, arreglos musicales y orquestación.

Resumen En este trabajo, se presentan dos técnicas matheurísticas basadas en dos técnicas heurísticas: Sistema de hormigas (AS), método de composición musical (MMC) y dos métodos exactos: Algoritmo primal-dual (PDA) y algoritmo simplex dual (DSA). Estas técnicas se denotan como DS-ASPDA y DS-MMC-AS y se caracterizan por aprovechar la información de la estructura y características del modelo matemático para el problema de ruteo de vehículos con ventanas de tiempo (VRP-TW). Con el objetivo de caracterizar el comportamiento de las técnicas propuestas en este trabajo, se utilizaron 29 instancias de prueba para el VRP-TW. Los resultados numéricos, muestran que DS-AS-PDA y DS-MMC-AS presentan un comportamiento robusto y son capaces de generar las mejores soluciones reportadas en la literatura con un número menor de llamadas a la función objetivo para diversos tamaños de instancias.

Abstract In this work, we present two matheuristic techniques based on two heuristic techniques: Ant system (AS), method of musical composition (MMC) and two exact methods: Primal-dual algorithm (PDA) and dual simplex algorithm (DSA). These techniques are denoted as DS-AS-PDA and DS-MMC-AS and are characterized by taking advantage of the information of the structure and characteristics of the mathematical model for the vehicle routing problem with time windows (VRP-TW). In order to characterize the behavior of the techniques proposed in this work, we use 29 test instances for the VRP-TW. The numerical results show that DS-AS-PDA and DS-MMC-AS exhibit robust behavior and are capable of generating the best solutions reported in the literature with a smaller number of calls to the objective function.

Divertissement sériel, for nine instruments, by Susana Baron-Supervielle (1910-2004), was composed in 1952 during the composition courses given by Hans-Joachim Koellreutter at the Escola Livre de Música da Pró-Arte de São Paulo, and premiered under his conduction during his first trip to Tokyo in 1953. The following year, it was performed in Paris. The path followed by the circulation of the work copies the ways adopted by Susana Baron-Supervielle after assuming the historical challenge of practicing the music of her time. Born in the bosom of a family close to the intellectuality from Buenos Aires, and with relatives in France, she made her first inquiries around the renovation of the musical language at the beginning of the 30's. After that, she settled in São Paulo and, later, she was part of Agrupación Nueva Música leaded by Juan Carlos Paz in Buenos Aires. The aim of this paper is to elucidate the relations that Baron-Supervielle established with the musical environment of São Paulo; characterize her compositional practice through the analysis of the recording of the mentioned work; and describe the interpersonal nets that emerge from the circulation of the work.

Divertissement sériel, para nueve instrumentos, de Susana Baron-Supervielle (1910-2004), fue compuesta en 1952 durante los cursos de composición dictados por Hans-Joachim Koellreutter en la Escola Livre de Música da Pró-Arte de São Paulo, y estrenada por él en su primer viaje a Tokio en 1953. Al año siguiente se estrenó en París. Los rumbos que adoptó la circulación de esta obra remedan los caminos que transitó Susana Baron-Supervielle tras asumir el desafío histórico de practicar la música de su tiempo. Nacida en el seno de una familia vinculada a la intelectualidad porteña, y con lazos de parentesco que la ligaron a Francia, las primeras indagaciones en torno a la renovación de los medios y las técnicas para la composición musical las realizó en París hacia comienzos de los años treinta. A su regreso se radicó en São Paulo y, más tarde, integró la Agrupación Nueva Música liderada por Juan Carlos Paz en Buenos Aires. Este trabajo propone dilucidar las relaciones de Baron-Supervielle con el medio musical paulista; caracterizar su búsqueda compositiva mediante el análisis de la grabación de la obra citada y describir las redes interpersonales que surgen de la circulación de la obra.