In last decades, technical-scientific investigations into cultural heritage assets have increasingly become part of analysis methodologies accessible to professionals from different areas for a broad understanding of the complex material and historical nature of objects. In this interdisciplinary word, the painting “Costureiras” by Tarsila do Amaral (1886-1973), from 1950, was studied by ultraviolet-induced visible luminescence (UVL), infrared image (IR) and macro X-ray fluorescence scanning (MA-XRF) techniques. UVL and MA-XRF images enabled the exploration of the conservation status of the artwork, the creative process of the artist, and areas featuring materials distinct from the original painting. By combining the results of IR and MA-XRF images, it was confirmed that changes occurred in the creative process during the composition of the artwork. MA-XRF images further allowed the inference of the primary pigments employed by the artist, revealing that, during canvas priming, Tarsila do Amaral utilized pigments based on lead and zinc. decades technicalscientific technical scientific objects word Costureiras “Costureiras 18861973, 18861973 1886 1973 , (1886-1973) 1950 ultravioletinduced ultraviolet induced UVL, (UVL) (IR Xray X ray MAXRF MA XRF (MA-XRF techniques artwork artist priming zinc 1886197 188 197 (1886-1973 195 (UVL 188619 18 19 (1886-197 18861 1 (1886-19 (1886-1 (1886- (1886 (188 (18 (1 (

Resumen Verónica Gerber Bicecci se define como “artista visual que escribe”, por lo que no asombra que en su obra se tematicen las relaciones de texto e imagen. Es posible también reconocer en su trabajo el interés sostenido que tiene en el sonido y la enunciación. Este artículo propone un recorrido en el que se parte del silencio, para pasar a la representación de la voz, hasta llegar a sus performances más recientes. Además de los recursos intermediales, en el presente análisis se reconoce el diálogo que la autora establece con artistas y obras contemporáneas a través de distintas estrategias de reapropiación y de comentario. Todo ello como parte de sus procesos creativos, donde es posible observar su postura estética y aun ideológica.

Abstract Verónica Gerber Bicecci defines herself as a “visual artist who writes”, so it is not surprising to find a relation between text, image and sight in her work. However, it is also possible to recognize a sustained interest in sound and enunciation. In this article we will start from the role of silence, to move on to the representation of the voice, and arrive at her most recent performances. Besides analyzing her intermedial procedures, we may understand the dialogue that the author establishes with contemporary artists and works through different strategies of reappropriation and commentary. All this as part of her own creative processes, as well as her aesthetic and even ideological stance.

Resumen Naomi Rincón Gallardo (Carolina de Norte, 1979) realizó la Trilogía de las cuevas, un ciclo de video musical y performances compuesta por Viaje del formol (2017), Sangre pesada (2018) y Resiliencia tlacuache (2019). A partir de investigaciones llevadas a cabo entre Zacatecas y Oaxaca, Rincón Gallardo propone una forma de narración ficcional dedicada a mostrar subjetividades no normativas e historias enmarcadas en disputas socioambientales. Ante el despojo, la violencia y los neoexractivismos que enmarcan a la minería, esta artista interdisciplinar exhibe una alternativa construida a partir del mito para pensar y escribir una serie de contrahistorias, al especular sobre una idea de futuro que ha sido negada. Este trabajo contrapone distintos modelos de paisaje, desde las escenas revolucionarias de Francisco Goitia hasta investigaciones artísticas paralelas dedicadas a la minería, con el fin de enfatizar las estrategias de Rincón Gallardo.

Abstract Naomi Rincón Gallardo (North Carolina, 1979) produced A Trilogy of the Caves, a cycle of music videos and performances composed of The Formaldehyde Trip (2017), Heavy Blood (2018) and Opossum Resilience (2019). Based on research carried out between Zacatecas and Oaxaca, Rincón Gallardo proposes a form of fictional narration dedicated to presenting non-normative subjectivities and stories framed in socio-environmental disputes. In the context of dispossession, violence, and neo-extractivism that frame mining, this interdisciplinary artist imagines an alternative from myth and storytelling to think and write a series of counterhistories, by speculating on an idea of the future that has been denied. This paper contrasts different landscape references, from Francisco Goitia's revolutionary scenes to parallel aesthetics research dedicated to mining, to emphasize Rincón Gallardo's strategies.

Resumo:Embora a maioria das obras de arte tenha uma componente física incontornável, o estudo da cultura material na história da arte tem sido menos desenvolvido do que o de outros tipos de objectos, como os das artes conhecidas como "artes menores" ou "artes aplicadas". No caso das obras artísticas, a primazia do fator estético/visual tem muitas vezes obscurecido a materialidade. No entanto, não podemos perder de vista que as obras de arte são, antes de mais, objectos e que a materialidade precede as imagens que transmitem. Este artigo primeiro reflete sobre o estado da arte dos estudos da cultura material como fonte de pesquisa histórica tanto no mundo anglófono quanto na América Latina, e depois explora alguns de seus escopos, oportunidades e possíveis projeções para os campos da história da arte e da história da arte. Para essa última disciplina, identificamos três abordagens para o objeto de estudo a partir da perspectiva da cultura material: o estudo da obra de arte como artefato, o estudo dos objetos representados e o estudo do ambiente material do artista (seu estúdio). Ilustraremos essas três abordagens com exemplos da literatura acadêmica revisada.

Abstract:Although most artworks have an inescapable physical component, the study of material culture in the history of art has been less developed than that of other types of objects such as those known as “minor arts” or “applied arts”. In the case of artistic works, the primacy of the aesthetic/visual factor has often obscured materiality. However, we cannot lose sight of the fact that artworks are objects in the first place, and that the materiality precedes the images they convey. This article first reflects on the state of the art of material culture studies as a source for historical research both in the English-speaking world and in Latin America, and then explores some of its scope, opportunities and possible projections for the fields of art history and art history. For the latter discipline we identify three approaches to the object of study from the perspective of material culture: the study of the work of art as artefact, the study of the objects represented and the study of the artist's material environment (his studio). We will illustrate these three approaches with examples from the reviewed academic literature.

Resumen:Aunque la mayoría de las obras de arte tienen un componente físico ineludible, el estudio de la cultura material en la historia del arte ha estado menos desarrollado que el de otro tipo de objetos como los de las llamadas artes "artes menores" o "artes aplicadas". En el caso de las obras artísticas, la primacía del factor estético/visual ha oscurecido a menudo la materialidad. Sin embargo, no podemos perder de vista que las obras de arte son objetos en primer lugar, y que la materialidad precede a las imágenes que transmiten. Este artículo quiere reflexionar primero sobre el estado de la cuestión respecto a los estudios de la cultura material como fuente para la investigación histórica tanto en el ámbito anglosajón como latinoamericano, para luego explorar algunos de sus alcances, oportunidades y posibles proyecciones para los campos de la historia y la historia del arte. Para esta última disciplina identificamos tres aproximaciones al objeto de estudio desde la perspectiva de la cultura material: el estudio de la obra de arte como artefacto, el estudio de los objetos representados y el estudio del entorno material del artista (su taller). Ilustraremos estos tres enfoques con ejemplos desde la literatura académica revisada.

Resumen A través de un recorrido por tres instancias distintas este artículo indaga acerca de la noción de tradición como elemento constitutivo en la configuración del sistema literario latinoamericano. Un diálogo entre un escritor y un artista contemporáneos, un ensayo de José Enrique Rodó de 1915 con sus derivados en la polémica del meridiano intelectual de 1927 y una conversación entre tres referentes de la crítica en América Latina de las últimas décadas del siglo XX articulan inflexiones de la tradición como agente de continuidades y rupturas.

Abstract This article explores the notion of tradition as a constitutive element of the Latin American literary system, in three different cases: a dialogue between a contemporary writer and an artist, an essay by José Enrique Rodó from 1915 with its derivatives in the controversy over the intellectual meridian around 1927, and a conversation between three leading Latin American critics of the last decades of the twentieth century. These instances articulate inflections of tradition as an agent of continuities and ruptures.

Resumen Procesa Sarmiento (1818-1899) fue una de las primeras mujeres argentinas que, durante la segunda mitad del siglo XIX, ejerció sus oficios de artista y educadora en Argentina y Chile. Actualmente su obra de enseñanza es una faceta de su vida poco explorada. El objetivo del presente estudio de caso es analizar cualitativamente el sentido de las marcas de procedencia en los libros de su biblioteca privada y de su esposo, Benjamín Lenoir, colección heredada por sus hijas Sofía y Victorina, y que con los años pasó a constituir parte de la biblioteca de la Casa Natal de Sarmiento (San Juan, Argentina). El paradigma indiciario (Ginzburg, 1994) invita a reflexionar sobre estas trazas visibles en los volúmenes para elaborar ciertas hipótesis sobre el reconocimiento personal pretendido por sus dueños o sus herederos. Analizamos cómo el contexto de custodia de estos libros actúa sobre la relevancia cultural que adquieren a partir de su incorporación en los acervos públicos. En este sentido, aquellas inscripciones funcionan como huellas indéxicas de los sucesos entre siglos. Como conclusión, observamos que este acervo bibliográfico, que funcionó como instrumento de educación, nos ofrece una vía privilegiada de acceso a las vidas privadas y a la memoria de sus propietarios, como así también una posibilidad de reconstruir indicialmente aspectos clave del momento histórico en que circularon estos volúmenes.

Abstract Procesa Sarmiento (1818-1899) was one of the first Argentine women who, during the second half of the 19th century, practiced her professions as an artist and educator in both Argentina and Chile. Currently, her educational work is an aspect that has received limited analysis. The objective of this case study is to analyze qualitatively the meaning of the provenance marks on the books of her personal library and that of her husband, Benjamin Lenoir, a collection inherited by her daughters Sofia and Victorina, which over the years became part of the Casa de Sarmiento library (Sarmiento’s House library) (San Juan, Argentina). The indexical paradigm (Ginzburg, 1994) invites us to reflect on these visible traces in the volumes in order to elaborate certain hypotheses about the personal recognition intended by their owners or their heirs. On the other hand, we analyze how the context of custody of these books acts on the cultural relevance they acquire from their incorporation into public collections. In this sense, those inscriptions function as indexical traces of the events between centuries, also offering provisional data on the history of the personal and public library, and the possible path of the texts. In conclusion, we note that this bibliographic collection, which functioned as an instrument of education, offers us a privileged access to the private lives and memories of its owners, as well as the possibility of reconstructing key aspects of the historical moment in which these volumes circulated.

Resumen El presente trabajo tiene por finalidad constatar que Mariano Antonio Barrenechea (1884-1949) interpretaba la metafísica de artista propia de El nacimiento de la tragedia como una aprehensión superficial o impropia dentro del pensamiento nietzscheano. Con vistas a tal fin, el argumento desplegado en el escrito se orienta a los siguientes objetivos: 1) sondear los alcances del conocimiento que Barrenechea tenía de las tesis centrales de la obra sobre la tragedia; 2) reconstruir la interpretación barrenechiana según la cual la irrupción de Wagner en la vida de Nietzsche constituye una torsión de los proyectos helenistas originales del filólogo; 3) analizar la lectura de Barrenechea sobre algunos fragmentos póstumos en los que Nietzsche pone en tela de juicio la posibilidad misma del drama musical wagneriano.

Abstract The art of the 17th century allows us to faithfully and sensibly demonstrate the practice of taking the pulse by doctors and healers. These works not only testify to medical activity, but also to the beliefs and customs of the time. Acting as chroniclers, 17th century artists documented a historical period of medicine that left superstition behind and progressively adopted the logic and concepts of the scientific method. The works of art about taking the pulse present a unique and singular vision of someone who is alien to the medical act, of a spectator, of a witness to the scene, in this case, the artist. This article seeks to highlight that intersection between the practice of taking the pulse and its representation in the art of the time. In addition, it aims to highlight the activity of the doctors of the moment, as well as exalt the activity of the artists who represented the taking of the pulse in their works of art.

Resumen El arte del siglo XVII permite evidenciar de manera fiel y sensata la práctica de la toma del pulso por parte de médicos y curanderos. Estas obras no solo atestiguan la actividad médica, sino también las creencias y costumbres de la época. Actuando como cronistas, los artistas del siglo XVII documentaron un periodo histórico de la medicina que dejaba atrás la superstición y adoptaba de manera progresiva la lógica y los conceptos del método científico. Las obras de arte sobre la toma del pulso plantean una visión única y singular de quien es ajeno al acto médico, de un espectador, de un testigo de la escena, en este caso, el artista. El presente artículo busca resaltar aquella intersección entre la práctica de tomar el pulso y su representación en el arte de la época. Además, pretende resaltar la actividad de los médicos del momento, así como exhaltar la actividad de los artistas que representaron la toma del pulso en sus obras de arte.

Abstract: The “Instituto de Cardiología Ignacio Chávez” in México is highly relevant for the history of Latin American cardiology. The relation of many Chilean cardiologists with the Institute is extensively described. Figures and detailed description of two notable murals by the renowned artist Diego Rivera are included.

Resumen: El “Instituto de Cardiología Ignacio Chávez”, de México, ha tenido gran importancia en la cardiología latinoamericana y más allá. Se describe su historia, la de su fundador Ignacio Chávez e incluye la relación de muchos cardiólogos chilenos con el Instituto. Además, contiene 2 figuras de los imponentes murales de Diego Rivera.

Resumen Este trabajo trata acerca de las imágenes de la naturaleza, sus posibles sentidos y usos, en el marco de la formación docente. Para esto, en primer término, se analizan las imágenes incluidas en los textos del teólogo y pedagogo moravo Juan Amós Comenio (1592-1670) y el lugar de la naturaleza ―creación divina― como modelo pedagógico. Luego, se presenta la obra de la artista y educadora brasileña Rosana Paulino (1967), cuya producción cuestiona la relación naturaleza-humanidad en occidente y convoca a subvertir las dicotomías de la modernidad colonialista. El contrapunto entre ambos autores es una invitación a remirar las imágenes que nos llegan de la tradición y a crear, colectivamente, otras/nuevas/más imágenes e imaginarios para la educación.

Resumo Este trabalho trata de imagens da natureza, seus possíveis significados e usos, no âmbito da formação de professores. Para isso, analisam-se primeiramente as imagens incluídas nos textos do teólogo e pedagogo morávio Juan Amós Comenio (1592 -1670) e o lugar da natureza - criação divina - como modelo pedagógico. Em seguida, é apresentada a obra da artista e educadora brasileira Rosana Paulino (1967), cuja produção questiona a relação natureza/humanidade no Ocidente e apela à subversão das dicotomias da modernidade colonialista. O contraponto entre os dois autores é um convite a reolhar e recriar as imagens que nos chegam da tradição e a inventar colectivamente outros álbuns para a formação dos futuros professores.

Abstract This work deals with images of nature, their possible meanings and uses, within the framework of teacher training. For this, first the images included in the texts of the Moravian theologian and pedagogue Juan Amós Comenio (1592 -1670) and the place of nature - divine creation - as a pedagogical model are analyzed. Then, the work of the Brazilian artist and educator Rosana Paulino (1967) is presented, whose production questions the nature/humanity relationship in the West and calls for subverting the dichotomies of colonialist modernity. The counterpoint between both authors is an invitation to re-look at the images that come to us from tradition and to create, collectively, other/new/more images and imaginaries for education.

Resumen Las descomposiciones de la instalación Casa Barrio José, en este texto, ponderan un ambiente narrativo que actúa como una des-loca-lización de un barrio de Mar del Plata (Argentina). En imbricación con la investigación narrativa, autobiográfica y performática en educación, nombra una teoría queer doméstica, cotidiana y cercana. Esta, inicialmente, buscó señalar la corrupción que se reproduce en el nombrar del espacio público, para luego expandirse como una casa-laboratorio. En ella, las residencias y voluntariados condujeron a compartir un programa de reconocimiento para artistas-educadores-investigadores domésticos y ambientalistas en diecinueve performances, titulado Doctorado Honoris Casa. Como encarnación epistémica y más allá de su materialidad, esta indagación no posiciona un sujeto consciente o voluntarista ni un objeto neutral y entregable, mucho menos a un experimento ni tampoco a una experiencia. Su continuidad está en la relación, en ser investigación. Un ejercicio teórico y una forma de producir conocimiento que se inscribe como una investigación-vida en el cuerpo-casa que nos habita.

Resumo As decomposições da instalação Casa Barrio José, neste texto, ponderam um ambiente narrativo que funciona como uma deslocalização de um bairro de Mar del Plata (Argentina). Em imbricação com a pesquisa narrativa, autobiográfica e performativa em educação, dela nomeia-se uma teoria queer doméstica, cotidiana e próxima. Inicialmente procurou apontar a corrupção que se reproduz na nomenclatura do espaço público, e depois se expandiu como casa-laboratório. Nele, as residências e o voluntariado levaram à partilha de um programa de reconhecimento a artistas-educadores-investigadores e ambientalistas nacionais em dezanove espetáculos, intitulado Doutorado Honoris Casa. Como encarnação epistêmica e além de sua materialidade, esta investigação não posiciona um sujeito consciente ou voluntarista ou um objeto neutro e entregável, muito menos um experimento ou uma experiência. Sua continuidade está na relação, em ser pesquisa. Um exercício teórico e uma forma de produção de conhecimento que se inscreve como vida-pesquisa no corpo-casa que nos habita.

Abstract The decompositions of the installation Casa Barrio José, in this text, ponder a narrative environment that acts as a de-local-ization of a neighborhood in Mar del Plata (Argentina). In imbrication with narrative, autobiographical and performative research in education, a domestic, everyday and close queer theory is named from it. It initially sought to point out the corruption reproduced in the naming of public space, and then expanded as a house-laboratory. In it, residencies and volunteering led to the sharing of a recognition program for domestic and environmental artist-educator-researchers in nineteen performances, entitled Doctor Honoris Casa. As an epistemic embodiment and beyond its materiality, this inquiry does not position a conscious or voluntarist subject or a neutral and deliverable object, much less an experiment or an experience. Its continuity is in the relationship, in being research. A theoretical exercise and a way of producing knowledge that is inscribed as a life-research in the body-home that inhabits us.

Resumen La comunidad científica internacional no tiene dudas hoy en asumir que las inscripciones son un medio de comunicación con intención de notoriedad, universalidad - dentro del grupo social que les da origen- y mayor o menor grado de perdurabilidad. De ahí que haya sido el mecanismo utilizado, entre otros, por artistas y escultores para acompañar a sus programas iconográficos con la intención de completarlos y ofrecer mayor profundidad comunicativa que la que se puede lograr únicamente con la imagen. Este es sin duda el objetivo perseguido por el artista (o los artistas) que realizaron los retablos de la Duda y la Pasión para la capilla funeraria de los Caparroso de la Catedral de Pamplona. Este mecanismo - texto+imagen -, no representa novedad alguna pero sí lo es la utilización de distintos tipos gráficos dentro de un mismo conjunto epigráfico. Este fenómeno es propio y casi exclusivo de la epigrafía de transición entre el ocaso medieval y los albores de la modernidad. Es por ello que nuestro estudio se centra en el análisis paleográfico de estos retablos tratando de arrojar luz sobre algunas incógnitas que aún permanecen sin resolver.

Abstract The international scientific community has no doubts today in assuming that the inscriptions are a means of communication with the intention of notoriety, universality -within the social group that gives rise to them- and a greater or lesser degree of durability. Hence, it has been the mechanism used, among others, by artists and sculptors to accompany their iconographic programs with the intention of completing them and offering greater communicative depth than that which can be achieved solely with images. This is undoubtedly the objective pursued by the artist (or artists) who created the altarpieces of Doubt and Passion for the Caparroso funeral chapel in Pamplona Cathedral. This mechanism - text+image -, does not represent any novelty, but the use of different graphic types within the same epigraphic group does. This phenomenon is characteristic of and almost exclusive to the epigraphy of the transition between the medieval decline and the dawn of modernity. That is why our study focuses on the paleographic analysis of these altarpieces trying to shed light on some unknowns that still remain unresolved.

Abstract French artist Sophie Calle (born in Paris in 1953) has been characterized by a hybrid and often unclassifiable body of work. In her pieces, photography, video, and installation converge, alongside autobiographical, logbook, and correspondence writing. Building upon theoretical and conceptual discussions surrounding the textual and visual shifts in thought production, as well as the autobiographical dimension in art, this article aims to explore how Calle integrates and intersects visuality and writing in her work. It delves into how these strategies shape an unprecedented and hybrid–borderline and imperfect–space for autobiographical narrative, impacting the ways in which art addresses one of its central themes: presentation and representation, as well as the notions of truth and fiction inherent within them.

Resumen La artista francesa Sophie Calle (París, 1953) se ha caracterizado por un trabajo híbrido y muchas veces inclasificable. En sus obras se dan cita de igual forma tanto la fotografía, el video y la instalación como la escritura autobiográfica, de bitácora y de correspondencia. A partir de la discusión teórica y conceptual sobre el giro textual y giro visual en la producción de pensamiento y de la dimensión autobiográfica en el arte, en este artículo me propongo explorar los modos en que se reúnen y cruzan visualidad y escritura en la obra de Calle y cómo estas estrategias configuran un lugar inédito e híbrido –fronterizo e imperfecto– para el relato autobiográfico, repercutiendo en las formas con que el arte aborda uno de sus temas centrales, esto es, la presentación y la representación, y las nociones de verdad y ficción contenidas en ellas.