Resumen Este artículo reconstruye y analiza un conjunto de cantantes de ópera que desarrollaron sus actuaciones en Buenos Aires con el fin de indagar sobre la conformación de una cultura de la celebridad femenina durante el siglo XIX. Este abordaje de largo plazo de cinco trayectorias de sopranos permite ver cómo en el curso de transformarse en «divas del escenario» estas mujeres habilitaron y construyeron otros espacios, otras prácticas, otra forma de consagración, otras sensibilidades y, sobre todo, otra forma de afición. Asimismo, en este proceso de profesionalización -circa 1820-1890- las decisiones en torno a los contratos, formación de compañía y asignación de roles siempre estuvieron a cargo de las mismas cantantes. En suma, si bien hacia fines de siglo XIX la presencia de las prima donna pareciera estar solamente relacionada a una presencia frívola en el circuito artístico, lo cierto es que nunca perdieron agencia respecto de tomar decisiones sobre sus carreras.

Abstract This article reconstructs and analyzes a group of opera singers who developed their performances in Buenos Aires to investigate the formation of a culture of female celebrity during the 19th century. This long-term approach to five trajectories of sopranos allows us to see how in the course of becoming "divas of the stage" these women enabled and constructed other spaces, other practices and, above all, another form of amateurism, another form of consecration, other sensibilities. Likewise, in this process of professionalization - between 1820-1890 - the decisions regarding contracts, company formation and assignment of roles were always made by the singers themselves. In short, although towards the end of the 19th century the presence of the prima donnas seemed to be only related to a frivolous presence in the artistic circuit, the truth is that they never lost agency with respect to making decisions about their careers.

Resumo Esta abordagem de longo prazo de cinco trajetórias de sopranos permite-nos perceber como, no percurso de se tornarem «divas do palco», estas mulheres possibilitaram e construíram outros espaços, outras práticas e, sobretudo, outra forma de hobby, outra forma de consagração, outras sensibilidades. Da mesma forma, neste processo de profissionalização - entre 1820-1890 - as decisões relativas aos contratos, à constituição de empresas e à atribuição de funções foram sempre tomadas pelos próprios cantores. Em suma, embora no final do século XIX a presença das prima donnas parecesse estar apenas relacionada com uma presença frívola no circuito artístico, a verdade é que nunca perderam a agência no que diz respeito à tomada de decisões sobre as suas carreiras.

RESUMEN Este artículo presenta los resultados exploratorios de una investigación cuyo objetivo es conocer el pensamiento del alumnado de estudios superiores de artes escénicas (AAEE) en España, sobre las variables: formación recibida, finalidad de estos centros, currículo de AAEE, pensamiento sobre el profesorado, satisfacción sobre equipamiento y recursos, estatus de los centros y valoración social, conocimiento y apoyo a las AAEE y de sus estudios. La muestra estuvo formada por 290 sujetos. Se utilizó un cuestionario ad hoc validado por jueces. Los resultados muestran que la hipótesis, que sugería diferencias significativas entre especialidades (Música, Danza, Arte dramático), solo se confirma en tres variables. Y respecto al género en dos variables. También se encuentran diferencias significativas respecto a la satisfacción con los edificios, instalaciones y recursos. Se destaca la importancia y necesidad de realizar estudios que ayuden a perfilar estas profesiones, así como elaborar planes de mejora de los centros.

RESUMO Este artigo apresenta os resultados exploratórios de uma investigação cujo objetivo é conhecer o pensamento dos estudantes de estudos superiores em artes cénicas (AAEE), em Espanha, tendo em conta as variáveis: formação recebida, finalidade desses centros, currículo das AAEE, reflexão sobre o corpo docente, satisfação com equipamentos e recursos, situação dos centros e valorização social, conhecimento e apoio às AAEE e seus estudos. A amostra foi composta por 290 sujeitos. Foi utilizado um questionário ad hoc validado por juízes. Os resultados mostram que a hipótese que sugeria diferenças significativas entre especialidades (Música, Dança, Arte Dramática) só se confirma em três variáveis. E em relação ao género em duas variáveis. Diferenças significativas também são encontradas em relação a edifícios, instalações e recursos. Destaca-se a importância e a necessidade de realizar estudos que ajudem a traçar o perfil destas profissões, bem como a desenvolver planos de melhoria dos centros.

ABSTRACT This paper presents the exploratory results of a research whose objective is to know the thinking of students of higher studies in performing arts (AAEE) in Spain, on the variables: training received, purpose of these centers, AAEE curriculum, thoughts about the teaching staff, satisfaction with equipment and resources, status of the centers and social appreciation, knowledge, and support to AAEE and their studies. The sample consisted of 290 subjects. An ad hoc questionnaire validated by judges was used. The results show that the hypothesis, which suggested significant differences between specialities (Music, Dance, Dramatic art) is only confirmed in three variables. And regarding gender in two variables. Significant differences are also found with respect to buildings, facilities, and resources. The importance and need to carry out studies that help profile these professions as well as develop plans to improve the centers are highlighted.

RESUMEN El siguiente artículo explora la relación entre investigación/creación, la perspectiva socioconstructivista del aprendizaje y la ética psicoanalítica, con el objetivo de proponer coordenadas para un debate en torno a la formación de artistas escénicos contemporáneos. Desde una visión que considera central construir un espacio de diálogo crítico y creador que facilite el aprendizaje desde la investigación, el texto aborda y problematiza la llamada imagen dogmática del arte y del modelo maestro/discípulo para abordar la investigación/creación como una estrategia tanto formativa como generadora de conocimiento y, al mismo tiempo, un espacio fértil para promover el debate ético en torno a los propios límites de la práctica escénica.

ABSTRACT The following article explores the relationship between research/creation, the socio- constructivist perspective of learning and psychoanalytic ethics, with the goal of proposing key points for a debate on the education of contemporary performing artists. Considering that it is essential to build a space for critical and creative dialogue that facilitates learning from research, the article addresses and problematizes the so-called dogmatic image of art and the teacher/disciple model to approach research/creation as an educational strategy, which is generator of knowledge and, at the same time, a fertile space for ethical debate around the very limits of scenic practice.

Resumen En este artículo se aborda el tema de la caracterización acústica de la sala principal del Teatro Nacional de Costa Rica, realizada a partir de la estimación y el análisis de sus respuestas impulsionales, las cuales se obtienen a su vez a partir del procesamiento de grabaciones sonoras realizadas dentro del espacio, utilizando un parlante de 8 pulgadas como fuente sonora. Se presenta la respuesta impulsional promedio de la sala principal, en formato monoaural y estereofónico, y se obtienen los parámetros acústicos del teatro con el fin de estimar los tiempos de reverberación, los índices de claridad y de definición, tanto de la música como de la voz, así como la calidez y el brillo de la sala, para así brindar una caracterización de la acústica del espacio. Dado que el Teatro Nacional de Costa Rica es una institución dedicada a la promoción de las artes escénicas de alto nivel en el país, así como un monumento histórico y arquitectónico que se conserva para el uso y disfrute del público en general, los resultados aquí presentados constituyen un registro digital de la forma en la que el sonido se propaga dentro de este singular espacio.

Abstract In this work, the main hall of the National Theatre of Costa Rica is studied in order to obtain an acoustical characterisation of this particular space, based on its estimated room impulse responses, which are measured using an 8-inch loudspeaker as the sound source. These impulse responses are obtained in mono and stereo formats and then used to estimate a set of acoustical parameters, which are then used to estimate the reverberation time, the clarity and definition of the voice and music, as well as other details such as the warmth and brilliance of the room, providing a basis for the acoustical characterisation of the hall. Given the unique features of the National Theatre and its importance as the prime venue for performing arts in Costa Rica, the analysis presented here constitutes a record of its room acoustics and provides a perspective that could help understanding the way in which sound propagates inside this peculiar hall.

Resumen En Paraguay la educación artística es una asignatura troncal, tanto en el primer ciclo como en el segundo y en el tercer ciclo de la Educación Escolar Básica en el Paraguay, el cual está establecido por el Ministerio de Educación y Ciencias (MEC). La asignatura se divide en cuatro grandes disciplinas: Las Artes plásticas, la danza, la música y el teatro. Un docente que está involucrado en el ejercicio de la enseñanza, debe fortalecer sus capacidades artísticas, a fin de que sea tangible y un recorrido experiencial para el alumnado. Este estudio tuvo como objetivo analizar estrategias efectivas y oportunas en el profesorado a fin de fortalecer las capacidades artísticas. Considerando este objetivo, se trae como propuesta la participación del profesorado (asistencia o involucramiento) en representaciones artísticas escénicas, considerándolos como una oportunidad para fortalecer las capacidades y competencias artísticas en el profesorado de la Educación Escolar Básica en el Paraguay. La metodología empleada tuvo un enfoque cualitativo, utilizando métodos y técnicas que ayudan a interpretar las percepciones de los participantes, cuya muestra quedó conformada por n=4. Para la recolección de información se aplicó una entrevista individual de carácter semiestructurado, con 7 preguntas abiertas; lo que llevó a los participantes a poder expresar su percepción de la mencionada propuesta.

Abstract In Paraguay, artistic education is a mandatory subject, in the first cycle, second and third cycle of Basic School Education in Paraguay, which is established by the Ministry of Education and Sciences (MEC). The subject is divided into four major disciplines: Plastic arts, dance, music and theater. A teacher who is involved in the exercise of teaching must strengthen its artistic capabilities, so that it is tangible and an experiential journey for the student. This study aimed to analyze effective and timely strategies in teachers in order to strengthen artistic capabilities. Considering this objective, the participation of teachers (attendance or involvement) in scenic artistic representations is proposed, considering them as an opportunity to strengthen artistic capacities and competencies in teachers of Basic School Education in Paraguay. The methodology used had a qualitative approach, using methods and techniques that help interpret the perceptions of the participants, whose sample was made up of n=4. To collect information, a semi-structured individual interview was applied, with 7 open questions, which led the participants to be able to express their perception of the aforementioned proposal.

ABSTRACT The following work examines the presence of American popular culture in Chile during the second half of the 19th century and the reception and impact that said presence had upon Chilean society. The methodology consisted of a qualitative historical study of press and documentary sources between 1850 and 1900, together with a bibliographic review of literature that addresses the cultural phenomena of both Chile and the United States, as well as performing arts and variety shows from the nineteenth century. As a result, it was possible to observe a mutual influence between the North American ensembles and Chilean society since both parties reinterpreted their roles and practices as a consequence of exposure to new shows and the criticism of these.

RESUMEN El siguiente trabajo tiene como objetivo examinar la presencia de la cultura popular estadounidense en Chile durante la segunda mitad del siglo XIX, así como la recepción y el impacto que generó dentro de la sociedad chilena. Para aquello, se realizó un estudio histórico-hemerográfico cualitativo de fuentes de prensa y documentales entre 1850 y 1900, junto con una revisión bibliográfica sobre literatura relativa tanto a los fenómenos culturales de Chile y Estados Unidos, como a las artes escénicas y espectáculos de variedades decimonónicos. Como resultado se logró observar que existió una mutua influencia entre los conjuntos norteamericanos y la sociedad chilena, ya que ambas partes reinterpretaron su rol y prácticas producto de la exposición ante nuevos espectáculos y la crítica de estos.

NGO TOKI is in its tenth year of offering free lessons to about 120 children currently living on Rapa Nui, teaching ukulele, piano, cello, violin, and trumpet. For its founder, Mahani Teave, introducing non-indigenous classical instruments is like introducing "another color" with which to make contemporary musical arrangements to Rapa Nui music. In the case of Rapa Nui, the notion of territory/kaiŋa/henua encompasses the being from its conception in the kaiŋa/uterus through the henua/placenta. The idea of territory recognizes the cultural dynamics that interact in the physical space, becoming a "social construction that gives meaning to the geographic space in terms of its cultural representation" (Bustos Velazco & Molina 2012), which within the Rapa Nui worldview territory becomes a much deeper understanding. The work of NGO TOKI evidences a type of musical fusion and cultural syncretism through the teaching of music, with which a new territorial identity is being carved in its participants who no longer see non-indigenous classical instruments as necessarily foreign but are beginning to adopt these as part of the musical identity of Rapa Nui. The primary purpose of this article is to illustrate and discuss the impact that TOKI Rapa Nui's work has had on the development of the Rapa Nui musical identity and how TOKI has promoted and influenced changes in the way Rapa Nui society is using new knowledge on non-indigenous classical instruments in their cultural and performative settings.

ONG TOKI se encuentra en su décimo año ofreciendo lecciones gratuitas a cerca de ciento veinte niños que actualmente viven en Rapa Nui, enseñando ukelele, piano, violoncelo, violín y trompeta. Para su fundadora, Mahani Teave, introducir instrumentos clásicos no indígenas es como introducir "otro color" con el que hacer arreglos musicales contemporáneos a la música rapanui. En el caso de Rapa Nui, la noción del territorio/kaiŋa/henua abarca al ser desde su concepción en el kaiŋa/útero a través de la henua/placenta. La noción del territorio reconoce las dinámicas culturales que interactúan en el espacio físico, siendo esta una "construcción social que da significado al espacio geográfico en términos de su representación cultural" (Bustos Velazco y Molina 2012), lo que dentro de la cosmovisión rapanui es bastante más profundo. El trabajo de ONG TOKI evidencia un tipo de fusión musical y sincretismo cultural por medio de la enseñanza de la música, con que se está tallando una nueva identidad territorial en sus participantes. Estos ya no ven como necesariamente foráneos los instrumentos clásicos no indígenas, sino que lentamente los están adoptando como parte de la identidad musical de Rapa Nui. El objetivo de este artículo es ilustrar y discutir el impacto que ha tenido el trabajo de TOKI Rapa Nui en el desarrollo de la identidad musical rapanui y cómo TOKI ha promovido cambios e influido en la forma en que la sociedad rapanui está utilizando los nuevos conocimientos acerca de instrumentos clásicos no indígenas en sus entornos culturales y performativos.

Resumo: Este estudo reflete sobre o potencial de uma metodologia feminista baseada em uma imersão no processo criativo da peça De Gênero. O opressor não seria tão forte se não tivesse cúmplices entre os oprimidos de Pandora Colectivo Teatral, Chile. Para este fim, caracterizo o patriarcado como uma forma de produção de conhecimento em vigor que estrutura as relações sociais e todos os vínculos com a vida. Pesquiso nas respostas de diferentes feminismos a partir de dimensões epistemológicas e metodológicas, e reflito sobre como o trabalho teatral do Colectivo Pandora se articula como uma metodologia com princípios feministas e quais são suas potencialidades. Nossas lutas como mulheres no mundo nos obrigam a subverter os limites normativos de uma construção patriarcal do conhecimento, a reconhecer, valorizar e promover práticas que nos permitam repensar o conhecimento para além das fronteiras acadêmicas. Resumo Gênero Teatral Chile fim vida metodológicas potencialidades reconhecer acadêmicas

Abstract: This study reflects on the potential of a feminist methodology based on the immersion in a creative process related to the theatre play Gender. The oppressor would not be so strong if he did not have accomplices among the oppressed by Pandora Colectivo Teatral, based in Chile. For this purpose, I characterize patriarchy as a knowledge-production force that structures social relations and every aspect of life. I draw on insights from different feminist traditions emerging from epistemological and methodological dimensions, and I reflect on how the theatrical work of Colectivo Pandora articulates a methodology with feminist principles, and what are its potentialities. Our struggles as women in the world require us to subvert the normative limits of patriarchal knowledge construction and recognize, value, and promote practices that allow us to rethink knowledge beyond academic boundaries. Abstract Gender Teatral Chile purpose knowledgeproduction production life dimensions principles potentialities recognize value boundaries

Resumen: El presente estudio reflexiona sobre las potencialidades de una metodología feminista a partir del proceso creativo de la obra De género. El opresor no sería tan fuerte si no tuviese cómplices entre los propios oprimidos de Pandora Colectivo Teatral, Chile. Para el cometido, realizo una caracterización del patriarcado como forma de producción de conocimiento vigente que estructura las relaciones sociales y todo vínculo con la vida. Indago en las contestaciones de distintos feminismos desde dimensiones epistemológicas y metodológicas, y reflexiono cómo es que el trabajo teatral de Colectivo Pandora se articula como una metodología con principios feministas y cuáles son sus potencialidades. Nuestras luchas como mujeres en el mundo nos exigen subvertir los límites normativos de una construcción del saber patriarcal, para reconocer, valorar y potenciar prácticas que nos permitan repensar el conocimiento más allá de las fronteras académicas. Resumen género Teatral Chile cometido vida metodológicas patriarcal reconocer académicas

Resumen Los estudios de participación cultural tienden a concentrar su enfoque en el análisis de las variables socioeconómicas o la disponibilidad de infraestructuras, dejando en un segundo plano variables de carácter idiosincrático como el interés manifestado o la predisposición a participar. Empleando los datos de la Encuesta de Hábitos y Prácticas Culturales de España 2018-2019, y mediante la modelización con mínimos cuadrados ordinarios (MCO), se busca estudiar los pesos de las variables socioeconómicas clásicas, así como las diferentes variables que componen el capital cultural dado su carácter aditivo en el desarrollo del interés. Los principales resultados obtenidos presentan al capital cultural como el componente más determinante en la formación del interés, siendo la lectura en la infancia la que presenta el mayor impacto. Destaca también la posible existencia de transferencia intergeneracional del interés, al presentar un mayor peso entre las variables la participación de los padres que la del propio sujeto durante la infancia. Clasificación JEL: J14, Z11, C2.

Abstract Studies on cultural participation tend to focus on the analysis of either socioeconomic variables or the availability of infrastructure. This emphasis overlooks the study of idiosyncratic elements such as manifest interest or predisposition to participate. This research uses the data gathered by the Survey of Cultural Habits and Practices of Spain 2018-2019 and econometric modeling through ordinary least-squares (OLS) in order to examine both the typical socioeconomic variables and the different constitutive elements of cultural capital which take an important role in the development of personal interest. The main results show the cultural capital as the most decisive factor in the development of personal interest; specifically, reading during the childhood stage as the component with the greater impact. Furthermore, it also highlights the possibility of intergenerational transfer of personal interest due to a higher determining value of parent's participation instead of the own person's involvement during childhood.

RESUMEN En un momento en el que se ha puesto en debate cuál es el rol de las artes en el espacio público, analizamos, a partir de tres experiencias escénicas que se desarrollan en un momento específico en pandemia, el vínculo con la ciudad, una ciudad «imaginada» y «apropiada» que se reconfigura como un espacio de encuentro y de acceso a la cultura. Durante 2021, dos temporadas escénicas, Somos libres y Venciendo al diablo, se presentaron en dos parques en diferentes zonas de la ciudad, como son Miraflores y la urbanización Santa Beatriz en el Cercado de Lima. La tercera experiencia involucró diversas intervenciones tomando como punto de partida el río Rímac como gran grieta entre el distrito del Rímac y el Centro Histórico de Lima.

ABSTRACT At a time when the role of the arts in public spaces has been debated, we analyze, based on three scenic experiences that take place at a specific moment in the pandemic, the link with the city, a city «imagined» and «appropriate» that is reconfigured as a space for meeting and accessing culture. During 2021, two performing seasons: «We are free» and «Venzando al diablo» were presented in two parks in different areas of the city such as Miraflores and the Santa Beatriz Urbanization in Cercado de Lima. The third experience involved various interventions taking the Rimac River as a starting point as a large fissure between the Rimac district and the Historic Centre of Lima.

Abstract This paper explores the play Carnes tolendas. Retrato escénico de una travesti, starring the award-winning Argentinean actress and writer Camila Sosa Villada and directed by María Palacios. From the perspective of Theatre Studies, we analyze the possibility of the play to produce scenes of equality in terms of Jacques Rancière (2010; 2012). For this purpose, we observe how the performance is part of the crisis of the character (Ryngaert, 2013) in virtue of the fact that the construction of the staging consists on multiple textualities that are identified and reconstructed. We delve into the description and analysis of the construction of voices (Jolly and Moreira da Silva, 2013) and corporealities (Fischer-Lichte, 2011) that stage different materials, including dramatic texts, songs, biographical accounts and openings for dialogue with the audience. On stage, Sosa Villada summons numerous bodies: the bodies of violent men from the family and police universe, the bodies of fragile women, the broken and worn bodies of García Lorca's women, her own trans body and even her own old body. The stage constructs and deconstructs representations of bodies and voices in the rhapsodic logic that stitches fragments together in contemporary theatre. The dramaturgy of the stage opens up the possibility for spectators to go through an experience that gives voice to an invisible history and to be dazzled by the poetic capacities of the performer.

Resumen El presente trabajo consiste en un estudio de la obra Carnes tolendas. Retrato escénico de una travesti, protagonizada por la galardonada actriz y escritora argentina Camila Sosa Villada y dirigida por María Palacios. Desde la perspectiva de los estudios teatrales, analizaremos la posibilidad de la obra de producir escenas de igualdad en términos de Jacques Rancière (2010; 2012). Para ello observamos cómo el espectáculo se inscribe en la crisis del personaje (Ryngaert, 2013) en virtud de que la construcción de la puesta está atravesada por múltiples textualidades que son identificadas y reconstruidas. Se profundiza en la descripción y análisis de la construcción de voces (Jolly y Moreira da Silva, 2013) y corporalidades (Fischer-Lichte, 2011) que escenifican distintos materiales, entre ellos textos dramáticos, canciones, relatos biográficos y aperturas al diálogo con la audiencia. En escena, Sosa Villada convoca numerosos cuerpos: cuerpos de varones violentos del universo familiar y policial, cuerpos de mujeres frágiles, cuerpos rotos y gastados de mujeres lorqueanas, su propio cuerpo travesti y hasta su antiguo cuerpo. La escena construye y deconstruye representaciones de cuerpos y voces en la lógica rapsoda que cose fragmentos en el teatro contemporáneo. La dramaturgia escénica abre la posibilidad de que el público experimente una puesta en escena que da voz a una historia invisibilizada y se deslumbre con las capacidades poéticas de la intérprete.

RESUMEN El presente ensayo es una reflexión acerca del rol de las tecnologías de la comunicación en el teatro durante la pospandemia, y sobre los compromisos que hay que asumir como profesionales de las artes escénicas en el ámbito peruano. Tomando la premisa de que el teatro requiere de la presencia física de actores y espectadores para existir y, a su vez, de que la intervención de los medios digitales es una constante imparable en el devenir social, se concluye en la necesidad de involucrar las tecnologías y el Internet como parte del proceso de construcción poético-escénica, así como la importancia de redoblar el esfuerzo en generar espacios para el encuentro físico entre artistas y espectadores.

ABSTRACT This essay is a reflection on the role of communication technologies in theater during the post-pandemic period, and on the commitments that must be re-assumed as artists, teachers and students of performing arts in the Peruvian context. Taking the premise that theater requires the physical presence of actors and spectators to exist and, in turn, that the intervention of digital media is an unstoppable constant in the social evolution, we conclude on the need to involve technologies and the Internet as part of the process of poetic-scenic construction, as well as the importance of redoubling the effort to generate spaces for the physical encounter between artists and spectators.

Resumen: El arte incluye distintas disciplinas que permiten la expresión creativa y la representación escénica, estando relacionadas con el progreso científico y la difusión del conocimiento. Los estudios bibliométricos evalúan indicadores de investigación y permiten analizar artículos científicos. Se realizó un análisis bibliométrico de las categorías Visual Arts y Performing Arts indexadas en Scopus durante 2016-2020 para evaluar la producción científica global en estas disciplinas. Se analizaron 173 revistas y 373 artículos a través de RStudio y biblioshiny con el paquete Bibliometrix. Los resultados mostraron una tendencia al crecimiento en las disciplinas de artes visuales y artes escénicas, pero no fue estadísticamente significativo. También se encontró un alto índice de producción documental con autoría única, lo que sugiere la necesidad de fomentar redes colaborativas. La falta de colaboración de coautoría, la limitada colaboración entre países y las regiones poco productivas afectaron la producción científica en estas disciplinas durante el período estudiado.

Abstract: This article explores art disciplines, including visual and performing arts, which allow for creative expression and representation. The progress of these disciplines is closely tied to scientific advancements and the spread of knowledge. Bibliometric studies are a valuable tool for evaluating research indicators in various fields, and this study employs bibliometric analysis to assess scientific production in visual and performing arts from 2016 to 2020. The analysis included 173 journals and 373 articles, and the results showed a growing trend in these fields, but the increase was not statistically significant. Additionally, the study found a high rate of documentary production with single authorship, highlighting the need to encourage collaborative networks. The study concludes that the limited collaboration between countries, the unproductive regions, and the lack of collaborative networks for co-authorship have hindered scientific production in visual and performing arts during the 2016-2020 period.

Resumen Este artículo estudia el papel del teatro de máscaras en la transformación de las artes escénicas en Corea a lo largo del siglo XX y sus conexiones con el teatro moderno y el europeo. Se analizan los cambios producidos en los periodos que han marcado las distintas etapas del teatro en la península coreana y, en particular, en la República de Corea después de la división del país. Se examina la situación durante la colonización japonesa para luego, tras la guerra de Corea, centrarse en el desarrollo del teatro contemporáneo en la posguerra y la dictadura hasta llegar al periodo democrático. Igualmente, se presentan ejemplos de trabajos realizados por profesionales de las artes escénicas para hacer realidad las nuevas formas del teatro coreano. El teatro se adaptó en cada momento a los cambios históricos, sociales y culturales que ocurrían en la península.

Abstract This article studies the role played by mask theater in the transformation of Korean performing arts throughout the twentieth century, and its connections to modern and European drama. It analyzes the changes taking place in the periods that have marked the different stages of the performing arts within the Korean peninsula, and in particular in the Republic of Korea after the division of the country. The text examines the situation during Japanese colonization, and then it focuses on the development of contemporary theater in the years after the Korean War, from the dictatorship to the democratic period. There are examples of work by performing arts professionals to bring new forms of Korean theater to life. The theater adapted during this period to the historical, social, and cultural changes taking place in the peninsula.