Abstract: This article examines the importance of William Wordsworth’s The prelude for the composition of Octavio Paz’s Pasado en claro. It approaches the two autobiographical poems in relation to the linguistic theories of each author. In more concrete terms, it analyses the diverse effects, on the one hand, of the doctrine of association and synesthesia for Wordsworth’s poem and, on the other, of the influence of structuralism and its off-shoots on Paz’s poem. Constant reference to, and contrast with, William Wordsworth helps us to see Paz’s poetical autobiographies as a point of convergence and divergence between the individual and the political, the intimate and the historical.

Resumen: Este artículo examina la importancia de El preludio de William Wordsworth para la composición de Pasado en claro, de Octavio Paz. A partir de esta influencia, la investigación estudia ambos poemas autobiográficos en relación con las teorías lingüísticas de los autores. En concreto, se ponderan los diversos efectos que para la escritura autobiográfica tienen la doctrina de la asociación y de las correspondencias -en el caso de Wordsworth-, y el influjo del estructuralismo y sus derivas -en el caso de Paz. La constante referencia y contraste con William Wordsworth servirán para analizar la autobiografía poética de Paz como punto de encuentro y desencuentro entre lo individual y lo político, lo íntimo y lo histórico.

Abstract: Although the work of Federico García Lorca has been widely studied, little has been said about the Poesía inédita de juventud. This article examines an important aspect of his early poetic production: the configuration of the forest in “La balada de Caperucita”. It hopes to show how this image is used to symbolize the young poet’s vision of human existence, one that is closely related to a particular interpretation of Christianity.

Resumen: Aunque la obra de Federico García Lorca ha sido muy estudiada, poco se ha dicho de la Poesía inédita de juventud. Por tal motivo, este texto examina un asunto relevante para la producción poética juvenil: la configuración del bosque en la “La balada de Caperucita”. Como veremos a lo largo del análisis, este espacio simbólico fue creado para ilustrar la visión de la existencia humana que el poeta manifiesta en sus primeros poemas y que está emparentada con una interpretación particular del cristianismo.

Abtsract: This article brings to light the only known copy of Bernardo de la Vega’s Ramillete de flores divinas. Published in Mexico City in 1605, and written by a man who was born in Spain but who settled in the New World, this collection of religious poems was up until now thought to be lost. An examination of this volume allows us to reassess significant issues with regards to the authorship of the work as well as of others attributed to Bernardo de la Vega (some of them printed in Spain, others in New Spain). At the same time we are also able to make an important contribution to current knowledge of the development of poetry in the capital city of New Spain in the early seventeenth century.

Resumen: El presente artículo da a conocer el único ejemplar del Ramillete de flores divinas de que se tenía noticia, y que hasta la fecha se consideraba perdido. Se trata de un libro de poemas religiosos publicado en la Ciudad de México en 1605 por Bernardo de la Vega, poeta nacido en España pero afincado en el Nuevo Mundo. El estudio del ejemplar permite esclarecer cuestiones importantes en cuanto a la autoría de esta obra y de otras atribuidas a Bernardo de la Vega (impresas en España y en Nueva España), además de suponer una aportación fundamental para el mejor conocimiento del desarrollo de la actividad poética en la capital novohispana a principios del siglo XVII.

ABSTRACT: This article examines the film Terra em Transe (Glauber Rocha, 1967), framed in the Brazilian “Cinema Novo” movement. The analysis revolves around the constitution of a cinematographic poetics linked to a Marxist aesthetic. The principle of movie montage is the essential component of his cinematographic poetics. The Marxist aesthetic falls on what Alberto Híjar Serrano called rough communism, and some techniques of the Brechtian theory of distancing can also be appreciated. These elements constitute the cinematographic formula that is configured in a kind of critique of capitalist development, that industrializing meta-narrative that became hegemonic from the second half of the twentieth century.

RESUMEN: En este artículo se examina la película Terra em Transe (Glauber Rocha, 1967), enmarcada en la corriente del “Cinema Novo” brasileño. El análisis gira en torno a la constitución de una poética cinematográfica vinculada a una estética marxista. El principio del montaje es el componente esencial de su poética cinematográfica. La estética de corte marxista recae en lo que Alberto Híjar Serrano denominó comunismo tosco, e igualmente se aprecian algunas técnicas de la teoría del distanciamiento brechtiana. Estos elementos constituyen la formula cinematográfica que se configura en una suerte de crítica al desarrollo capitalista, aquel metarrelato industrializador que se hizo hegemónico a partir de la segunda mitad del siglo XX.

RESUMEN El presente artículo analiza cómo el poemario Susy, secretos del corazón (1989) de la poeta, dramaturga y gestora cultural argentina Susana Villalba (Buenos Aires, 1956) establece un diálogo crítico con la historieta del mismo nombre, publicada en Latinoamérica en los años sesenta y setenta. El poemario dialoga, además, con otros referentes culturales, a partir de un proceso de enunciación que hace evidentes los constructos sociales que buscan definir y fijar la feminidad. La posición crítica del texto emerge al manifestar cómo está codificada la experiencia del amor romántico en las mujeres. A nivel discursivo, a partir del empleo de mecanismos textuales relacionados con el collage y el pastiche, se genera una voz poética abierta, móvil, múltiple, lúdica, que se despliega para develar el rol de lo social en la construcción de la subjetividad.

RESUMO O presente artigo analisa como a coletânea de poemas Susy, secretos del corazón (1989) da poetisa, dramaturga e gestora cultural argentina Susana Villalba (Buenos Aires, 1956) estabelece um diálogo crítico com a história em quadrinhos de mesmo nome, publicada na América Latina nos anos sessenta e setenta. A coletânea de poemas também dialoga com outras referências culturais, a partir de um processo de enunciação que evidencia as construções sociais que buscam definir e estabelecer a feminilidade. A posição crítica do texto emerge ao manifestar como é codificada a experiência do amor romântico nas mulheres. A nível discursivo, a partir do emprego de mecanismos textuais relacionados com à colagem e o pastiche, gera-se uma voz poética aberta, móvel, múltipla, lúdica, que se desdobra para revelar o papel do social na construção da subjetividade individual.

ABSTRACT This article analyzes how the poetry collection Susy, secretos del corazón (1989) by the Argentinian poet, playwright and cultural manager Susana Villalba (Buenos Aires, 1956) establishes a critical dialogue with the comic strip of the same name, published in the sixties and seventies in Latin America. The collection of poems also engages in dialogue with other cultural references through an enunciative process that reveals the social constructs aiming to define and establish femininity. The critical stance of the text becomes evident as it illuminates how the experience of romantic love in women is codified. At the discursive level, from the use of textual mechanisms related to collage and pastiche, an open, mobile, multiple, playful poetic voice is generated- it unfolds to reveal the role of social factors in the construction of subjectivity.

Este artigo apresenta uma análise de parte da produção poética de Laura Conceição e Luz Ribeiro, multiartistas que compõem o movimento do poesia slam no Brasil. Com base no que seus poemas e suas performances nos oferecem, lanço um olhar a essa modalidade de poesia falada, explorando suas imbricações com a escritavência, logosvivência e autorrepresentação dos poetas. Uma vez que percebemos uma emergência, no âmbito desse movimento artístico-literário, de vozes de sujeitos, concentrei-me em duas mulheres por serem indivíduos alterados pelo silenciamento. Ao destacar-se a heterogeneidade e pluralidade de seus corpos e identidades, conceitos como feminismo decolonial e interseccionalidade, entre outros, são fundamentais para entendermos as múltiplas questões que caracterizam a poesia desses slammers e os slams de poesia no Brasil.

This article analyses part of the poetic production of Laura Conceição and Luz Ribeiro, multi-artists who make up the poetry slam movement in Brazil. Based on what their poems and performances offer us, I take a closer look at this form of spoken poetry, exploring its imbrications with the poets’ escrevivência, logosvivência and self-representation. Since we see the emergence, within this artistic-literary movement, of the voices of altered subjects, I focused on two women because they are traditionally individuals marked by silencing. By highlighting the heterogeneity and plurality of their bodies and identities, concepts such as decolonial feminism and intersectionality, among others, are fundamental to understanding the multiple issues that characterize the poetry of these slammers and poetry slams in Brazil.

Resumen La hipótesis principal de este trabajo sostiene que lo político en la escritura de Roberto Santoro se redefine y actualiza mediante el juego y la risa como dispositivos desde los cuales leer e interpretar la violencia dictatorial y las militancias de izquierda. Lejos de la denuncia o la protesta a secas, su poesía transgrede los lugares comunes o las formas cristalizadas de acercarse a la realidad histórico‒política de los años 70, a través del humor negro, la ironía y la reescritura de juegos infantiles, rondas y canciones populares. Se tendrán en cuenta para el análisis sus últimas dos publicaciones en vida —Poesíaen general (1973) y No negociable (1975)— y poemas que permanecieron inéditos hasta la aparición de su Obra poética completa (2009). Allí se puede advertir un procesamiento del contexto represivo y sus efectos sobre los cuerpos y las subjetividades que no niega el dolor o la bronca, tampoco el entusiasmo militante, pero sí incorpora nuevos tonos y figuras a la imaginación revolucionaria, como el chiste, el calambur, el baile o los rituales infantiles.

Abstract The main hypothesis of this paper maintains that the political in Roberto Santoro’s writing is redefined and updated through play and laughter as devices from which to read and interpret dictatorial violence and leftist militancy. Far from simply denouncing or protesting, His poetry transgresses commonplaces or crystallized ways of approaching the historical-political reality of the 1970s, through black humor, irony and the rewriting of children's games, rounds and popular songs. His last two publications during his lifetime —Poesía en general (1973) and No negociable (1975)— and poems that remained unpublished until the appearance of his Obra poética completa (2009) will be taken into account for the analysis. There one can see a processing of the repressive context and its effects on bodies and subjectivities that does not deny pain or anger, nor militant enthusiasm, but it does incorporate new tones and figures to the revolutionary imagination, such as jokes, calambur, dance or children’s rituals.

Resumo : A relação epistolar entre Julio Cortázar (1914-1984) e Manuel Antín (1926) durante a década de 1960 é um exercício interessante para estudar as relações entre literatura e cinema –ou vice-versa– e, num circuito mais particular, o diálogo entre duas poéticas que procuram, nas suas respectivas práticas, estar na vanguarda do processo artístico. Nesse aspecto, o entusiasmo e o distanciamento se sucedem progressivamente, e a hipótese central para explicá-los é que a poética de ambos nunca chegou a concordar em um ponto. Cortázar insiste muitas vezes na necessidade de inovar, mas construindo pontes com leitores/espectadores. A sua proposta consistia num cruzamento entre a liberdade imaginativa do surrealismo, depois de ultrapassada a sua fase neo-romântica inicial, e o compromisso ético que o existencialismo exigia, e que para ele se concretizou no romanceRayuela, escrito nesses mesmos anos. As convergências que ambos encontraram, através do correio interoceânico, para as adaptações dos contos “Cartas a mamá” e “Circe”, se diluem quando Antín lhe envia seu projeto e roteiro para filmar, baseado em outros dois contos, seu filme Continuidad de los parques (1965), que pareceu ao escritor um resultado fracassado.

Resumen La relación epistolar entre Julio Cortázar (1914-1984) y Manuel Antín (1926) durante la década de 1960 es un interesante ejercicio para estudiar las relaciones entre literatura y cine –o viceversa― y, en un circuito más particular, el diálogo entre dos poéticas que tratan, en sus respectivas prácticas, de situarse a la vanguardia del proceso artístico. En ese aspecto, el entusiasmo y el distanciamiento se suceden, progresivamente, y la hipótesis central para explicarlos consiste en que las poéticas de ambos no terminaron nunca de congeniar en un punto. Cortázar insiste muchas veces en la necesidad de innovar, pero tendiendo puentes con los lectores/espectadores. Su propuesta consistía en un cruce entre la libertad imaginativa del surrealismo, después de superar su etapa inicial neorromántica, y el compromiso ético que exigía el existencialismo, y que se concretó para él en su novela Rayuela, escrita durante esos mismos años. Las convergencias que hallaron ambos, a través del correo interoceánico, para las adaptaciones de los cuentos “Cartas a mamá” y “Circe”, se diluyen cuando Antín le envía su proyecto y guion para filmar, sobre la base de otros dos cuentos, su película Continuidad de los parques (1965), que al escritor le pareció un resultado fallido.

Abstract : The epistolary relationship between Julio Cortázar (1914-1984) and Manuel Antín (1926) during the 1960s is an interesting case through which to study the relationship between literature and cinema –or vice versa– and, more specifically, the dialogue between two poetics that try, in their respective practices, to be at the forefront of the artistic process. In this process where enthusiasm and distancing progressively follow one another, this article argues that these artists’ poetics never fully agreed on any one point. Cortázar often insists on the need to innovate by building bridges with readers/viewers. This consisted of a cross between the imaginative freedom of surrealism, after overcoming its initial neo-romantic stage, and the ethical commitment that existentialism demanded, which grounds his novel Rayuela, written during those same years. The convergences they found through their interoceanic mail for the adaptations of the short stories “Cartas a mamá” and “Circe”, were diminished when Antín sent him his project and script to film Continuidad de los parques (1965), based on two other stories, which to the writer was a failure.

Resumo A formação de uma "resistência íntima" na obra do poeta chileno Jorge Teillier (1935-1996) opera a partir do desdobramento nostálgico do falante diante do desenraizamento moderno em um ambiente em ruínas. Trata-se de articular o paradoxo entre a experiência íntima e acolhedora do falante no quotidiano e o sentimento de orfandade da precária existência atual que o instiga a resignificar o presente e expandir-se no futuro. Dessa forma, na poética de Teillier, surge um jogo pendular de antagonismos: a vida e a morte, a felicidade e a desilusão, o enraizamento e o desenraizamento; com uma tendência vital do falante para a desintegração, que é contraposta pela resistência íntima a partir das ruínas de sua memória, onde persiste em sua alteridade e finitude.

Resumen : La conformación de una “resistencia íntima” en la obra del poeta chileno Jorge Teillier (1935-1996) opera a partir del despliegue nostálgico del hablante frente al desarraigo moderno en un entorno ruinoso. Se trata de articular la paradoja entre la experiencia íntima y hospitalaria del hablante en lo cotidiano y el sentido de orfandad de la precaria existencia actual que le concita resignificar el presente y expandirse en el futuro. De esta manera, en la poética de Teillier surge un juego pendular de antagonismos: la vida y la muerte, la dicha y la desilusión, el arraigo y el desarraigo; con una tendencia vital del hablante a la desintegración que es contrarrestada con la resistencia íntima desde las ruinas de su memoria donde persiste en su alteridad y finitud.

Abstract The formation of an "intimate resistance" in the work of the Chilean poet Jorge Teillier (1935-1996) operates from the speaker’s nostalgic unfolding in the face of modern uprooting within a ruinous environment. This entails articulating the paradox between the speaker’s intimate everyday life experience and the sense of orphanhood caused by his current precarious existence, which encourages him to resignify the present and expand into the future. In this way, a pendular game of antagonisms arises in Tellier’s poetics: life and death, happiness and disappointment, rootedness and uprooting; a vital tendency of the speaker to disintegrate, counteracted with the intimate resistance from the ruins of his memory where he persists in his alterity and finitude.

Resumo Parte da poesia de Abigael Bohórquez (1936-1995) pode ser lida como poesia de testemunho homossexual. Especificamente, sua última coletânea de poemas, seu testamento poético, Poesida (1996), permite essa leitura, pois esse documento cruel, mas solidário, busca envergonhar o discurso heteronormativo, aquele que reagiu condenando as práticas homossexuais no auge da pandemia Hiv/Aids nas décadas de 1980 e 1990 do século XX. A Poesida será estudada a partir da poética da deturpação, como proposta de análise para a resistência dissidente à normalização discursiva que a coletânea de poemas oferece, tanto no confronto da tradição literária, quanto no espaço poético e na autobiografia referências. Bohórquez constrói um mural, um testemunho, uma série de canções e retratos para não esquecer, dignificar e resistir à vergonha com que tentaram classificar aqueles que morreram com o peso do estigma e da culpa.

Resumen Parte de la poesía de Abigael Bohórquez (1936-1995) puede leerse como poesía de testimonio homosexual. Específicamente, su último poemario y testamento poético, Poesida(1996), avala esa lectura, puesto que se trata de un documento cruel pero solidario que busca poner la vergüenza del lado del discurso heteronormativo, aquel que reaccionó condenando las prácticas homosexuales en el apogeo de la pandemia de VIH/sida entre los años ochenta y noventa del siglo XX. Se estudiará Poesida desde la propuesta de una “poética del tergiversar”, con el objetivo de analizar las resistencias disidentes que ofrece el poemario a la normalización discursiva tanto en la confrontación con la tradición literaria, como en el espacio poético y en las referencias autobiográficas. Bohórquez construye un mural, un testimonio, una serie de cantos y retratos para no olvidar, para dignificar y resistir la vergüenza con la que se trató de encasillar a quienes murieron con el peso del estigma y de la culpa.

Abstract Part of the poetry of Abigael Bohórquez (1936-1995) can be read as poetry of homosexual testimony. Specifically, his last collection of poems, his poetic testament, Poesida (1996), allows for this reading, since this cruel but supportive document seeks to put shame on the side of the heteronormative discourse, the one that reacted by condemning homosexual practices at the height of the Hiv/Aids pandemic in the 1980s & 1990s of the 20th century. Poesida will be studied from the poetics of misrepresentation, as a proposal for analysis for the dissident resistance to the discursive normalization that the collection of poems offers, both in the confrontation of the literary tradition, as well as in the poetic space and in the autobiographical references. Bohórquez builds a mural, a testimony, a series of songs and portraits so as not to forget, dignify and resist the shame with which they tried to classify those who died with the weight of stigma and guilt.

Abstract: The special treatment that Alejandra Pizarnik offers in her poetic production regarding memory invites to establish a rhetorical analysis of her metaphors. Through this examination, we intend to elucidate how important memory and the process of reminiscence are for the Argentine poet and how these condition her concept of identity. This study proposes a catalog of the main rhetorical appearances of memory based on Weinrich's generic classification (1961) into warehouse metaphors and wax tablet metaphors, which includes another set of spatial range metaphors intertwined in islands and abandoned paradises; with all this, we aim to contribute to the rhetorical analysis of Pizarnik's complex poetry, indebted to a vast poetic tradition

Resumen: El especial tratamiento que Alejandra Pizarnik ofrece en su producción poética a la memoria invita a establecer un análisis retórico de sus metáforas. Por medio de su examen pretendemos dilucidar cuán importantes resultan el recuerdo y el proceso de reminiscencia para la poeta argentina y cómo estos condicionan su concepto de identidad. En este estudio se propone un catálogo de las principales apariciones retóricas de la memoria a partir de la clasificación genérica de Weinrich (1961) en metáforas almacén y metáforas tablilla de cera, la cual admite otro conjunto de metáforas de rango espacial imbricadas en islas y paraísos abandonados; con todo ello se aspira a contribuir al análisis retórico de la compleja poesía de Pizarnik, deudora de una vasta tradición poética

Abstract: This research proposes the emergence of a tension between Gonzalo Mil-lán's poetic project, grounded at the textual level through the written word, and the appearance of his voice in the reading of the fragment 48 from La ciudad, documented in Blue Jay, Notas de Exilio by Leopoldo Gutiérrez. While at the textual level, a laconic poetics with a pronounced anti-rhetorical character is suggested, at the level of the voice, it brings forth a space of meaning that inserts what cannot be said in both Millán's project and the context of the Chilean dictatorship: the rhetoric of a testimony that challenges the dictatorial voice

Resumen: La presente investigación propone la emergencia de una tensión entre el proyecto poético de Gonzalo Millán, sustentado al nivel textual por medio de la letra, y la aparición de su voz en la lectura del fragmento 48 de La ciudad, documentada en Blue Jay, Notas de Exilio de Leopoldo Gutiérrez. Si al nivel de la letra se propone una poética lacónica, de marcado cuño antirretórico, el nivel de la voz hace aparecer un espacio de significación que inserta lo que no puede ser dicho tanto en el proyecto millaneano como en el contexto de la dictadura chilena: la retórica de un testimonio que desafía la voz dictatorial

Abstract: The idea of the sacred in Pura López Colomé’s work is rooted in the same conception that this author has of poetry. From her childhood poems that she left in her notebooks, the spiritual bouquets for her mother or the diary that allowed her to dialogue with God —as she refers to with Adriana Pacheco in Let’s Talk Writers—, to her latest book Borrosa imago mundi, published in 2021, Pura reveals that the poetic word manifests the deep meaning of things, of being. However, for the purposes of this critical approach, we will only focus on the book Éter es, which refers us from the title to the verticality of a time in which we locate the search for our poet, considering vision as revelation and interiority as space of that revelation.

Resumen: La idea de lo sagrado en la obra de Pura López Colomé está enraizada en la concepción misma que ella tiene. Desde sus poemas de infancia que dejaba en sus cuadernos, los ramilletes espirituales o el diario que le permitía el diálogo con Dios —como lo refiere con Adriana Pacheco en Hablemos escritoras—, hasta su último libro Borrosa imago mundi, López Colomé deja ver que la palabra poética revela el sentido profundo de las cosas, del ser. Sin embargo, para fines de este acercamiento crítico nos centraremos únicamente en el poemario Éter es, que nos remite desde el título a la verticalidad de un tiempo en el que ubicamos la búsqueda de nuestra poeta, considerando la visión como revelación y la interioridad como espacio de esa revelación.

Abstract: As Irlemar Chiampi points out, any debate on Modernity and its crisis in Latin America that does not include the Baroque is partial and incomplete. On this basis we propose that this American imbrication between Baroque and Modernity can be enlighteningly glimpsed in a masterpiece of the Latin American avant-garde such as Trilce, a book published a century ago by the Peruvian poet César Vallejo, in which the Baroque is not merely a stylistic question but a “sensibility”, as the poet called that capacity of the true new poetry to express the modern experience, thus becoming an art of the “counter-conquest”, as the Cuban José Lezama Lima imagined it, as a poetic device capable of testifying the tragic excess of the American Modernity through its immanent baroquism.

Resumen: Como señala Irlemar Chiampi, cualquier debate sobre la Modernidad y su crisis en América Latina que no incluya al Barroco resulta parcial e incompleto. Partiendo de esta base planteamos que esta imbricación americana entre el Barroco y la Modernidad puede vislumbrarse de forma esclarecedora en una obra cumbre de la vanguardia latinoamericana como es Trilce, libro publicado hace ya un siglo por el poeta peruano César Vallejo y en el cual el Barroco no constituye meramente una cuestión estilística sino una “sensibilidad”, como llamaba el poeta a esa capacidad de la verdadera poesía nueva de expresar la experiencia moderna, convirtiéndose así en un arte de la “contraconquista”, tal como lo pensó el cubano José Lezama Lima, en tanto dispositivo poético capaz de testimoniar la trágica desmesura de la Modernidad americana a través de su barroquismo inmanente.

Abstract: This article proposes an exploration of two constitutive dimensions about Jorge Semprún's work: the poetic one and the politics of memory, specifically in one of his most important books, La escritura o la vida (1993). Dimensions that do not exist or are displayed separately, but, rather, shape a sole entity or narrative density, because it is about the literary recreation of historic memory, in this case, about a memory (among many others) of a nazi concentration camp. Therefore, it is recreation that implies poetry and a politic of memory: poetic because it is a narrative recreation; a politic of memory, because it is also a recreation of historic memory. They both have, as a fundamental element, language. So Semprún's memory, rather than being a personal memory, it is a transindividual one, a memory that does not conform with a mere testimony, but converts the testimony in a work of art thanks to fiction.

Resumen: El presente artículo propone la exploración de dos dimensiones constitutivas de la obra de Jorge Semprún: la poética y la política de la memoria, específicamente en uno de sus libros mayores, La escritura o la vida (1993). Dimensiones que no existen o se despliegan por separado, sino que conforman una sola entidad o densidad narrativa, pues se trata de la recreación literaria de la memoria histórica, en este caso, de una memoria (entre tantas otras) del campo de concentración nazi. Por lo tanto, es una recreación que lleva implícita una poética y una política de la memoria: una poética por tratarse de una recreación narrativa; una política por tratarse de una recreación de la memoria histórica; teniendo ambas, como fundamento, el lenguaje: el arduo y depurado trabajo con el lenguaje. De modo que la memoria de Semprún, más que ser una memoria individual, es una memoria transindividual, una memoria que no se contenta con el mero testimonio, sino que hace del testimonio una obra de arte, gracias a la ficción.