Resumen El texto propone reconstruir aspectos ligados a la conformación y el desarrollo del Teatro Nuevo XX de la ciudad de Rosario, fundado y dirigido por el dramaturgo porteño Alberto Rodríguez Muñoz. En el contexto de las innovaciones desplegadas por los teatros independientes a nivel nacional e internacional, la compañía de Muñoz llevó a cabo entre 1942 y 1947 una propuesta estética enlazada a la idea de transformación social, en donde diferentes artistas plásticos y diseñadores de la ciudad participaron realizando las escenografías, decorados, vestimentas y puestas en escena. El trabajo indaga en los inicios de esta formación teatral, en sus características y presupuestos, así como en la perspectiva de Muñoz sobre el teatro y la escenografía, volcada en distintas publicaciones de la época. Referiremos también a las puestas en escena de los artistas y escenógrafos que integraron la experiencia desde sus comienzos, reafirmando los vínculos entre las artes plásticas y el teatro moderno.

Abstract The text proposes to reconstruct aspects linked to the conformation and development of the Teatro Nuevo XX in the city of Rosario, founded and directed by the Buenos Aires playwright Alberto Rodríguez Muñoz. In the context of the innovations deployed by independent theaters at a national and international level, between 1942 and 1947 Muñoz's company carried out an aesthetic proposal linked to the idea of social transformation, in which different plastic artists and designers from the city participated. making the scenery, decorations, clothing and staging. The work investigates the beginnings of this theatrical training, its foundations, characteristics and aesthetic and ideological assumptions, as well as Muñoz's perspective on theater and set design, reported in different publications of the time. We will also refer to the interventions of Ricardo Warecki, who integrated the experience from its beginnings, reaffirming the links between the plastic arts and modern theater.

ABSTRACT: The painting Las floristas indias, by Camilo Egas, changed the representation of the indigenous in the plastic arts of Ecuador. Before that painting, the indigenous, from positivism, was objectified until erasing the traces that revealed their subjectivity. After this painting, the representation of the indigenous, in a naturalistic conception, was endowed with a social context, a geographical landscape and a historical development. However, this new representation, under the influence of 'social realism', degenerated into a reprehensible representation.

RESUMEN: El cuadro Las floristas indias, de Camilo Egas, significó una ruptura en la representación del indígena en las artes plásticas del Ecuador. Con anterioridad a este cuadro, el indígena, bajo una mirada positivista, quedaba objetivado hasta borrar las huellas que revelaran su subjetividad. Después del mencionado cuadro, la representación del indígena, en una concepción naturalista, se dotó de un contexto social, de un paisaje geográfico y de un devenir histórico. Sin embargo, esa nueva mirada, bajo la influencia del “realismo social”, degeneró en una representación repudiable.

Abstract: The article discusses the experience of developing a mechanism for the assessment of the undergraduate degree of nine low-enrollment educational programs of the Autonomous University of Baja California: Plastic Arts, Bioengineering, Teaching Mathematics, Teaching Language and Literature, Renewable Energy Engineering, Language Teaching, Oceanology, Sociology, and Translation. For its development a comprehensive evaluation methodology was considered, able to highlight the participation of academic communities and to reflect the institutional perspective of each discipline to obtain an unprecedented graduate evaluation exercise for the degrees in question. The need to ensure the formative use of the results and to consider this exercise as an input for curriculum improvement is concluded.

Resumen: El artículo aborda la experiencia de desarrollo de un mecanismo para la evaluación del egreso de nivel licenciatura de nueve programas educativos de baja matrícula de la Universidad Autónoma de Baja California: Artes plásticas, Bioingeniería, Docencia de la matemática, Docencia de la lengua y la literatura, Ingeniería en energías renovables, Enseñanza de lenguas, Oceanología, Sociología y Traducción. Para su desarrollo se consideró una metodología de evaluación comprensiva, capaz de resaltar la participación de las comunidades académicas y de reflejar la perspectiva institucional de cada disciplina para obtener un ejercicio de evaluación del egreso, inédito para las licenciaturas en cuestión. Se concluye la necesidad de velar por el uso formativo de los resultados y considerar este ejercicio como un insumo de mejora curricular.

Abstract In Paraguay, artistic education is a mandatory subject, in the first cycle, second and third cycle of Basic School Education in Paraguay, which is established by the Ministry of Education and Sciences (MEC). The subject is divided into four major disciplines: Plastic arts, dance, music and theater. A teacher who is involved in the exercise of teaching must strengthen its artistic capabilities, so that it is tangible and an experiential journey for the student. This study aimed to analyze effective and timely strategies in teachers in order to strengthen artistic capabilities. Considering this objective, the participation of teachers (attendance or involvement) in scenic artistic representations is proposed, considering them as an opportunity to strengthen artistic capacities and competencies in teachers of Basic School Education in Paraguay. The methodology used had a qualitative approach, using methods and techniques that help interpret the perceptions of the participants, whose sample was made up of n=4. To collect information, a semi-structured individual interview was applied, with 7 open questions, which led the participants to be able to express their perception of the aforementioned proposal.

Resumen En Paraguay la educación artística es una asignatura troncal, tanto en el primer ciclo como en el segundo y en el tercer ciclo de la Educación Escolar Básica en el Paraguay, el cual está establecido por el Ministerio de Educación y Ciencias (MEC). La asignatura se divide en cuatro grandes disciplinas: Las Artes plásticas, la danza, la música y el teatro. Un docente que está involucrado en el ejercicio de la enseñanza, debe fortalecer sus capacidades artísticas, a fin de que sea tangible y un recorrido experiencial para el alumnado. Este estudio tuvo como objetivo analizar estrategias efectivas y oportunas en el profesorado a fin de fortalecer las capacidades artísticas. Considerando este objetivo, se trae como propuesta la participación del profesorado (asistencia o involucramiento) en representaciones artísticas escénicas, considerándolos como una oportunidad para fortalecer las capacidades y competencias artísticas en el profesorado de la Educación Escolar Básica en el Paraguay. La metodología empleada tuvo un enfoque cualitativo, utilizando métodos y técnicas que ayudan a interpretar las percepciones de los participantes, cuya muestra quedó conformada por n=4. Para la recolección de información se aplicó una entrevista individual de carácter semiestructurado, con 7 preguntas abiertas; lo que llevó a los participantes a poder expresar su percepción de la mencionada propuesta.

Abstract: This article refers to historical and institutional issues of the plastic arts in the Chaco from the reconstruction of the first areas of sociability, exhibition and circulation of art, to the creation of the “René Brusau” Provincial Museum of Fine Arts (Chaco, Argentina). The work aims to make known the circumstances of the creation of the museum, its influence and impact on the Chaco artistic field and the conformation of its patrimonial collection during the four decades of institutional life. Due to its provincial nature, the museum's founding mission was the development of research, conservation policies and dissemination of the Chaco heritage and all artistic activity in the region. Based on the analysis of the documentary corpus, the objective of the work was to examine the conditions that promoted the creation of the museum, analyze the dynamics of conformation and the processes of patrimonialization of the artistic collection within the context of cultural management policies.

Resumen: Este artículo refiere a cuestiones históricas e institucionales de las artes plásticas en el Chaco desde la reconstrucción de los primeros ámbitos de sociabilidad, exhibición y circulación de arte, hasta la creación del Museo Provincial de Bellas Artes “René Brusau” (Chaco, Argentina). El trabajo pretende dar a conocer las circunstancias de creación del museo, su influencia e impacto en el campo artístico chaqueño y la conformación de su colección patrimonial durante las cuatro décadas de vida institucional. Por su carácter provincial, el museo tuvo como misión fundacional el desarrollo de la investigación, las políticas de conservación y difusión del patrimonio del Chaco y de toda la actividad artística de la región. A partir del análisis del corpus documental, el objetivo del trabajo fue examinar las condiciones que promovieron la creación del museo, analizar la dinámica de conformación y los procesos de patrimonialización de la colección artística en el contexto de las políticas de gestión cultural.

ABSTRACT This article focuses on the discussion of the results obtained with non-invasive image and spectroscopic analyzes (to determine chemical elements and compounds) on the six paintings by the German artist, naturalized Italian, Massimo Campigli, that belong to the collection of the Museum of Contemporary Art of the University of São Paulo (MAC USP). Aspects of the artist’s trajectory, the plastic solutions of the artworks, along with the analyzes made with the spectroscopic techniques of energy dispersive X-ray fluorescence (ED-XRF), Raman, and Fourier transform infrared (FTIR), and the imaging techniques of visible photography (VIS), raking light (RAK), transmitted light (TRANS), visible ultraviolet fluorescence (UVF), infrared reflectography (IRR), and radiography (RAD) offer important information on the artist and on his work. These non-invasive analyzes were carried out in the museum itself with portable equipment from the Laboratory of Archaeometry and Applied Sciences to Cultural Heritage (LACAPC) of the Physics Institute (IF) of USP. Overall, the results obtained corroborate with Campigli’s testimonies about his artistic practice, as well as those of people who saw him working in his studio. His palette choice, composed by natural and synthetic pigments, mostly whites and paints with earthy tones, and his creative steps of creating and recreating the paintings, reusing canvases many times, were proven to be true with the analytical investigations. noninvasive non invasive compounds Italian Campigli MAC USP . USP) artists s trajectory artworks Xray X ray EDXRF, EDXRF ED XRF , (ED-XRF) Raman FTIR, FTIR (FTIR) VIS, VIS (VIS) RAK, RAK (RAK) TRANS, TRANS (TRANS) UVF, UVF (UVF) IRR, IRR (IRR) RAD (RAD work LACAPC (LACAPC IF (IF Overall Campiglis practice studio choice pigments tones times investigations (ED-XRF (FTIR (VIS (RAK (TRANS (UVF (IRR

RESUMO O presente artigo discute os resultados obtidos com as análises de imagens e espectroscópicas (para determinação dos elementos e compostos químicos) não invasivas realizadas em seis pinturas do artista alemão, naturalizado italiano, Massimo Campigli pertencentes ao acervo do Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC USP). Os aspectos da trajetória do artista, as soluções plásticas das obras somadas às análises feitas com técnicas espectroscópicas de fluorescência de raios X por dispersão de energia (FRX-DE), Raman, e infravermelho com transformada de Fourier (FTIR), e com técnicas de imageamento como fotografia sob luz visível (VIS), luz rasante (RAS), luz transmitida (TRANS), fluorescência visível induzida por radiação ultravioleta (UV-VIS), reflectografia de infravermelho (RIV) e radiografia (RAD) fornecem importantes informações sobre o artista e sua obra. As técnicas analíticas não invasivas foram realizadas no próprio museu e com equipamentos portáteis do Laboratório de Arqueometria e Ciências Aplicadas ao Patrimônio Cultural (LACAPC) do Instituto de Física (IF) da USP. No geral, os resultados obtidos corroboram com os testemunhos de Campigli sobre o seu fazer artístico, assim como daqueles que o viram trabalhando no ateliê. A sua escolha de paleta, composta por pigmentos naturais e sintéticos, na sua maior parte brancos e tintas com tonalidades terrosas, e suas etapas produtivas de criar e recriar as pinturas, muitas vezes reutilizando telas, foram comprovadas através das investigações analíticas. para químicos alemão italiano MAC USP . USP) FRXDE, FRXDE FRX DE , (FRX-DE) Raman FTIR, FTIR (FTIR) VIS, VIS (VIS) RAS, RAS (RAS) TRANS, TRANS (TRANS) UVVIS, UVVIS UV (UV-VIS) RIV (RIV RAD (RAD obra LACAPC (LACAPC IF (IF geral artístico ateliê paleta sintéticos terrosas telas (FRX-DE (FTIR (VIS (RAS (TRANS (UV-VIS

Resumo Este artigo dá notoriedade a quatro conferências proferidas pelo paisagista Roberto Burle Marx enquanto membro do Conselho Federal de Cultura, representando a Câmara de Artes, entre os anos de 1967 e 1974. Essas conferências são fontes primárias que refletem o lado conservacionista de Burle Marx e a sua preocupação com a preservação da paisagem brasileira, ao constatar, durante suas viagens e excursões botânicas, a destruição das florestas ante o desenvolvimento urbano desordenado e o descaso com os jardins públicos. Composto pela transcrição destas conferências, organizadas em ordem cronológica, e antecedida por uma sessão de comentário realizado a partir da interpretação do pensamento discorrido nos documentos, este artigo tem como objetivo demonstrar que Burle Marx não se destaca apenas pelas suas obras artísticas – projetos paisagísticos e artes plásticas –, que o tornaram mundialmente conhecido e até hoje estudado, mas também como ativista ambiental na defesa da paisagem brasileira e, portanto, na preservação do patrimônio cultural e natural do Brasil. Cultura Artes 196 1974 constatar botânicas públicos cronológica documentos estudado portanto Brasil 19 197 1

Abstract This article highlights four lectures given by the landscape architect Roberto Burle Marx as a member of the Federal Council of Culture, representing the Chamber of Arts, between 1967 and 1974. These lectures are primary sources that reflect the conservationist side of Burle Marx and his concern with preserving the Brazilian landscape after observing the destruction of forests in the face of disorderly urban development and neglect of public gardens during his travels and botanical excursions. Here these lectures are transcribed, organized chronologically, and preceded by commentary based on interpretations of the thoughts expressed in these documents; the objective is to demonstrate that Burle Marx is not only notable for his artistic work (in landscaping projects and the fine arts), for which he became known worldwide and is still studied today, but also as an environmental activist in defense of the Brazilian landscape and consequently the preservation of Brazil’s cultural and natural heritage. Culture Arts 196 1974 excursions transcribed chronologically documents arts, arts , arts) today Brazils Brazil s heritage 19 197 1

Resumen: El interés de B. F. Skinner por el arte puede ser observado en diferentes publicaciones, especialmente en el libro Walden two (1948). El autor plantea en esta obra las producciones artísticas fundamentales para el establecimiento de un entorno social igualitario y feliz, mencionando, en consecuencia, una pluralidad de obras de arte. Dada la relevancia teórico-científica del libro, así como su diversidad artística, este artículo busco comprender el arte descrito en Walden two desde las corrientes artísticas tradicionales del clasicismo y el romanticismo. Los extractos del libro que mencionaban palabras clave asociadas con el arte se recopilaron en tablas y se analizaron de acuerdo con los atributos clásicos y románticos descritos por textos especializados. Se identificaron seis modalidades artísticas principales en la ficción skinneriana (literatura, teatro, música, artes plásticas, arquitectura y moda), que presentan similitudes con el racionalismo clásico y el sentimentalismo romántico, así como otras características que las diferencian de estas vertientes. Así, se concluye que el arte de Walden two se sitúa en un pluralismo artístico, lo que destaca la posibilidad de que el conductismo radical sea interpretado como una filosofía del arte. Resumen B F publicaciones 1948. 1948 . (1948) feliz mencionando consecuencia teóricocientífica teórico científica artística romanticismo especializados literatura, literatura (literatura teatro música plásticas moda, moda , moda) romántico vertientes Así artístico 194 (1948 19 (194 1 (19 (1 (

Abstract: B. F. Skinner’s interest in artistic productions can be seen in different publications, with the book Walden two (1948) standing out. In it, Skinner considers the artistic production for establishing an equalitarian and happy social environment, mentioning, thus, an array of artworks. Given the theoretical-scientific relevance of the book, as well as its artistic diversity, this article aimed understand the artworks described in Walden two based on a classic and romantic traditional artistic styles. Excerpts of the book that mentioned keywords related to art were researched and compiled in tables and analyzed according to classical and romantic attributes, described by specialized texts. Six main artistic categories were identified in Skinnerian fiction (literature, theater, music, visual arts, architecture, and fashion), that show similar characteristics to classic rationalism and romantic sentimentalism, as well as other characteristics that differentiate them from these strands. In conclusion, the art on Walden two exists in a state of artistic pluralism, which also highlights the possibility of radical behaviorism being interpreted as a philosophy of art. Abstract B F Skinners s publications 1948 (1948 out it environment mentioning thus theoreticalscientific theoretical scientific diversity styles attributes texts literature, literature (literature theater music arts architecture fashion, fashion , fashion) sentimentalism strands conclusion pluralism 194 (194 19 (19 1 (1 (

Resumo: O interesse de B. F. Skinner pela arte pode ser observado em diferentes publicações, com destaque para o livro Walden two (1948). Nele, Skinner considera as produções artísticas fundamentais para o estabelecimento de um ambiente social igualitário e feliz, mencionando, por consequência, uma pluralidade de obras de arte. Dada a relevância teórico-científica do livro, bem como sua diversidade artística, este artigo buscou compreender a arte descrita em Walden two com base nas vertentes artísticas tradicionais do classicismo e do romantismo. Trechos do livro que mencionavam palavras-chave associadas à arte foram compilados em tabelas e analisados de acordo com atributos clássicos e românticos, descritos por textos especializados. Foram identificadas seis principais modalidades artísticas na ficção skinneriana (literatura, teatro, música, artes plásticas, arquitetura e moda), que apresentam similaridades com o racionalismo clássico e o sentimentalismo romântico, bem como outras características que as diferenciam dessas vertentes. Conclui-se, assim, que a arte de Walden two está situada em um pluralismo artístico, que também indica a possibilidade de o comportamentalismo radical ser interpretado como uma filosofia da arte. Resumo B F publicações 1948. 1948 . (1948) Nele feliz mencionando consequência teóricocientífica teórico científica artística romantismo palavraschave palavras chave românticos especializados literatura, literatura (literatura teatro música plásticas moda, moda , moda) romântico Concluise, Concluise Conclui se, se Conclui-se assim artístico 194 (1948 19 (194 1 (19 (1 (

ABSTRACT Project-based learning is used in art education so that students appreciate, through creation, the plastic work of the Cuban avant-garde of the 20th century. A didactic proposal was elaborated to carry out the projects, focused on collaborative work among students with the participation of the family and the community. A qualitative approach was followed, assuming an empirical phenomenology design. The techniques of participant observation, analysis of the product of the activity and the researcher’s diary were used to elaborate an evaluative narration of the development of the project; as well as the review of documents and an interview for the initial diagnosis of the students. It is concluded that students are progressively involved, developing the ability to appreciate in correspondence with the curricular standards and achieving high levels of motivation and performance in the tasks undertaken. Projectbased Project based creation avantgarde avant garde th century projects community followed design observation researchers researcher s project involved undertaken

RESUMO A aprendizagem baseada em projetos é utilizada na educação artística para que os estudantes possam apreciar, por meio da criação, o trabalho plástico da vanguarda cubana do século XX. Foi desenvolvida uma proposta didática para realizar os projetos centrados no trabalho colaborativo entre os estudantes, com a participação da família e da comunidade. Seguiu-se uma abordagem qualitativa, assumindo-se um desenho fenomenológico empírico. As técnicas de observação dos participantes, a análise do produto da atividade e a agenda do investigador foram utilizadas para elaborar um relato avaliativo do desenvolvimento do projeto; bem como a revisão de documentos e a entrevista para o diagnóstico inicial dos estudantes. Conclui-se que os estudantes se envolvem progressivamente, que se desenvolve neles a capacidade de apreciar em correspondência com os padrões curriculares e que se alcançam elevados níveis de motivação e desempenho nas tarefas empreendidas. criação XX comunidade Seguiuse Seguiu qualitativa assumindose assumindo empírico participantes projeto Concluise Conclui progressivamente empreendidas

RESUMEN Se utiliza el aprendizaje basado en proyectos en la Educación Artística, para que los estudiantes aprecien, mediante la creación, la obra plástica de la vanguardia cubana del siglo XX. Se elaboró una propuesta didáctica para realizar los proyectos centrada en el trabajo colaborativo entre los estudiantes con la participación de la familia y de la comunidad. Se siguió un enfoque cualitativo, asumiendo un diseño de fenomenología empírica. Se emplearon las técnicas de observación participante, el análisis del producto de la actividad y el diario del investigador para elaborar un relato valorativo del desarrollo del proyecto; así como la revisión de documentos y la entrevista para el diagnóstico inicial de los estudiantes. Se concluye que los alumnos se implican de forma progresiva, se alcanza un desarrollo en los estudiantes de la habilidad apreciar en correspondencia con los estándares curriculares y se logran niveles altos de motivación y desempeño en las encomiendas emprendidas. Artística aprecien creación XX comunidad cualitativo empírica participante proyecto progresiva emprendidas

Resumen A la luz del multifacético repertorio neoyorquino diseñado por Hélio Oiticica (HO) entre 1971 y 1972, presentamos una interpretación interartística comparativa sobre tres artefactos entrelazados que, de diferentes maneras, esbozan una reflexión sobre la isla de Manhattan y su condición de capital simbólica de un imperio contemporáneo. Desde el epicentro de este imperio, sondeamos los márgenes de una civilización que el artista pretende sabotear a través de una encarnación subvertida de sus mitos y paradigmas. Los símbolos asociados a este topónimo se reiteran — evocando los mismos rasgos fálicos — en el ideograma inventado por HO para la película Agripina é Roma Manhattan (1972), en esta misma heliopelícula y en el heliotexto “Barnbilônia” (1971), acompañado de numerosos dibujos. Al analizar estas obras experimentales (una película, un texto con dibujos y una imagen-ideograma), vemos una cohesión ética y estética entre estas tres composiciones de la misma altura y del mismo creador. Estas “invenciones” condensan elementos esenciales en la vida-obra del autor, sintetizando aspectos de su proyecto estético e ideológico. Por ejemplo, en estas obras, se alegoriza la visión del autor respecto a la decadencia metropolitana de imperios (pasados y presentes), representada como fálica, basada en la violencia y la opresión, en contraste con imaginarios de marginalidad y rebelión “subterrânia”. (HO 197 1972 maneras contemporáneo paradigmas , (1972) Barnbilônia “Barnbilônia 1971, (1971) imagenideograma, imagenideograma imagen imagen-ideograma) creador invenciones “invenciones vidaobra vida obra ideológico ejemplo pasados presentes, presentes presentes) fálica opresión subterrânia. subterrânia . “subterrânia” 19 (1972 (1971 imagen-ideograma “subterrânia 1 (197 (19 (1 (

Resumo À luz do multifacetado repertório nova-iorquino projetado por Hélio Oiticica (HO) entre 1971 e 1972, apresentamos uma interpretação comparativa interartística sobre três artefatos entrelaçados que, por meio de diferentes formas, traçam uma reflexão sobre a ilha de Manhattan e sobre o seu estatuto de capital simbólica de um império contemporâneo. Desde o epicentro desse império, sondam-se as margens de uma civilização que o artista pretende sabotar mediante uma encarnação subvertida dos seus mitos e paradigmas. Símbolos associados com esse topônimo se reiteram — evocando as mesmas feições fálicas — no ideograma inventado por HO para o filme Agripina é Roma Manhattan (1972), nesse mesmo héliofilme e no héliotexto “Barnbilônia” (1971), acompanhado por numerosos desenhos. Ao analisar essas obras experimentais (um filme, um texto com desenhos e uma imagem-ideograma), constatamos uma coesão ética e estética entre essas três composições, coevas, do mesmo criador. Nessas “invenções”, condensam-se elementos essenciais na obra-vida do autor, sintetizando aspetos do seu projeto estético e ideológico. Por exemplo, nessas obras, alegoriza-se a visão do autor no que diz respeito à decadência metropolitana de impérios (do passado e do presente), representados como fálicos, alicerçados na violência e na opressão, em contraste com imaginários de marginalidade e de rebeldia “subterrânia”. novaiorquino nova iorquino (HO 197 1972 formas contemporâneo sondamse sondam paradigmas , (1972) Barnbilônia “Barnbilônia 1971, (1971) imagemideograma, imagemideograma imagem imagem-ideograma) composições coevas criador invenções, invenções “invenções” condensamse condensam obravida obra vida ideológico exemplo alegorizase alegoriza presente, presente presente) fálicos opressão subterrânia. subterrânia . “subterrânia” 19 (1972 (1971 imagem-ideograma “invenções “subterrânia 1 (197 (19 (1 (

Abstract In light of the multifaceted New York repertoire planned by Hélio Oiticica (HO) between 1971 and 1972, we present an interartistic comparative interpretation on three intertwined artifacts that, in different ways, outlines a reflection on the island of Manhattan and its condition as the symbolic capital of a contemporary empire. From the epicenter of this empire, the margins of a civilization that the artist seeks to sabotage through a subverted incarnation of its myths and paradigms are explored. The symbols associated with this toponym are reiterated — evoking the same phallic features — in the ideogram invented by HO for the film Agripina é Roma Manhattan (1972), in this same heliofilm, and in the heliotext “Barnbilônia” (1971), accompanied by numerous drawings. When analyzing these experimental works (a film, a text with drawings and an image-ideogram), we see an ethical and aesthetic cohesion among these three contemporary compositions by the same creator. These “inventions” condense essential elements in the author’s life-work, synthesizing aspects of his aesthetic and ideological project. For example, in these works, the author’s vision of the metropolitan decline of empires (past and present) is allegorized, represented as phallic, based on violence and oppression, in contrast with imaginaries of marginality and clandestine rebellion called “subterrânia”. (HO 197 1972 ways empire explored , (1972) heliofilm Barnbilônia “Barnbilônia 1971, (1971) imageideogram, imageideogram image image-ideogram) creator inventions “inventions authors author s lifework, lifework life work, work life-work project example past allegorized oppression subterrânia. subterrânia . “subterrânia” 19 (1972 (1971 image-ideogram “subterrânia 1 (197 (19 (1 (

Resumen En este artículo, proponemos un análisis de las fotopinturas de Gerhard Richter basado en la manera en la que éstas construyen un diálogo intersemiótico entre fotografía y pintura. Por un lado, trataremos de caracterizar las modalidades de ese diálogo y de proporcionar una interpretación original del trabajo de Richter; por el otro, utilizaremos ese caso de análisis como punto de partida para proponer una renovación conceptual en el análisis de los lenguajes visuales, en especial en lo que concierne a la aproximación semiótica. Más específicamente, nos esforzaremos en definir la dimensión mediática de las imágenes, que afecta a las sustancias, a los soportes y a los dispositivos mediante los cuales se producen. Lo haremos de manera que se integren las adquisiciones de la semiótica visual en cuanto a la dimensión composicional de colores, formas y figuras. Para tomar así en cuenta la manera en la que la materia y las sustancias de expresión de las imágenes tienen impacto sobre la construcción del sentido, de conformidad con la hipótesis de una superposición entre los aspectos técnicos y semánticos. La confrontación con la producción de Richter nos lleva a sobrepasar las lecturas plásticas y figurativas, y a elaborar los conceptos de formatos técnicos y de tecnoperceptos de las imágenes. Si los primeros conciernen al reconocimiento histórico de las imágenes sobre la base de los dispositivos que hayan producido su sustancia, los segundos se refieren a las configuraciones perceptivas producto del trabajo formativo de los dispositivos técnicos.

Résumé Dans cet article, nous proposons une analyse des photo-peintures de Gerhard Richter basée sur la manière dont elles construisent un dialogue intersémiotique entre la photographie et la peinture. D'une part, nous tenterons de caractériser les modalités de ce dialogue et de fournir une interprétation originale de l'œuvre de Richter ; d'autre part, nous utiliserons ce cas d'analyse comme point de départ pour proposer un renouvellement conceptuel dans l'analyse des langages visuels, notamment en ce qui concerne l'approche sémiotique. Plus précisément, nous nous efforcerons de définir la dimension médiatique des images, qui affecte les substances, les supports et les dispositifs par lesquels elles sont produites. Nous le ferons d'une manière qui intègre les acquisitions de la sémiotique visuelle en termes de dimension compositionnelle des couleurs, des formes et des figures. Afin de prendre en compte la manière dont le matériel et les substances d'expression des images ont un impact sur la construction du sens, conformément à l'hypothèse d'un chevauchement entre les aspects techniques et sémantiques. La confrontation avec la production de Richter nous amène à dépasser les lectures plastiques et figuratives, et à élaborer les concepts de formats techniques et de technopercepts d'images. Si les premières concernent la reconnaissance historique des images sur la base des dispositifs qui ont produit leur substance, les secondes se réfèrent aux configurations perceptives résultant du travail formatif des dispositifs techniques.

Abstract In this article, we endeavor to analyze Gerhard Richter’s photo-paintings for the way they build an intersemiotic dialogue between photography and painting. On the one hand, we will try to characterize the modalities of this dialogue and to provide an original interpretation of Richter’s work. On the other hand, we will use the peculiar case of Richter’s work as a starting point for a conceptual renewal in the analysis of visual languages, notably about the semiotic approach. We will try to define the mediatic dimension of images, which has to do with the substances, substrates, and devices through which images are produced. We shall do so in a manner as to integrate the achievements of visual semiotics as regards the compositional dimension of colors, shapes, and figures. We will consider the way in which the material and the substances of expression of images impact the construction of meaning, in accordance with the hypothesis of a superposition of technical and semantic aspects. The confrontation with Richter’s production will lead us to go beyond plastic and figurative readings, as we will propose the concepts of technical formats and of techno-percepts of images. While the former concern the historical recognition of images based on the devices having produced their substance, the latter concern the perceptive configurations resulting from the formative work of the technical devices.

Abstract: We propose reading the short story Über das Marionettentheater (1810) through the dimension of illustration, a dimension marked by the communication between text and image. The visual dimension of Kleist’s text shows that, although of verbal existence, the puppet is an active image around which the text organizes itself, creating new visualities for the exercise of reflection. To this end, we use Renée R. Hubert’s (1988) study on the importance of this text for 20th century surrealist illustrators and Carina Zanelato Silva’s (2018; 2019) reading of the paradox in Kleist. We seek to contribute to understanding Kleist as an artist whose work dialogues with the visual arts. Abstract 1810 (1810 illustration Kleists s that existence itself reflection end R Huberts Hubert 1988 (1988 th Silvas Silva 2018 (2018 2019 arts 181 (181 198 (198 201 (201 18 (18 19 (19 20 (20 1 (1 2 (2 (

Resumo: Propomos uma leitura do conto Über das Marionettentheater (1810) a partir da ideia de que ele pode ser lido pela dimensão da ilustração, marcada pela comunicação entre texto e imagem. A dimensão visual do texto de Kleist mostra que, embora de existência verbal, a marionete se constitui como uma imagem ativa, ao redor da qual o texto se organiza e cria novas imagens para o exercício da reflexão. Para tanto, utilizamos Renée R. Hubert (1988) sobre a importância desse texto para os desenhistas do século XX com a ilustração surrealista e na leitura de Carina Z. Silva (2018; 2019) do paradoxo em Kleist. Buscamos contribuir com o entendimento de Kleist como um artista que dialoga com as artes plásticas a partir da própria natureza de sua obra. Resumo 1810 (1810 verbal ativa reflexão tanto R 1988 (1988 Z 2018 (2018 2019 obra 181 (181 198 (198 201 (201 18 (18 19 (19 20 (20 1 (1 2 (2 (

Resumen Reunimos, en esta selección, diferentes producciones que hablan de La Habana con una gramática singular, un atlas- textura que integra imágenes, saberes y lenguas. Desde la fotografía, los documentales, la música, el cine, la performance o el teatro organizamos un montaje de imágenes que colaboraran en la tarea de desarchivación y reinvención de una ciudad. Por ese motivo, imaginamos no solo un espacio para hablar “de” literatura sino un archivo de las materialidades múltiples. En ellas, el lector encontrará un conjunto de seis materiales artísticos -cuidadosamente escogidos para esta muestra- que traspasan los límites genéricos de la poesía (Nara Mansur), la narrativa (Martha Luisa Hernández), las artes plásticas y el muralismo (Yulier P), la fotografía (Kaloian Santos), el performance escénico, el teatro o la conservación de edificaciones derruidas (Habitar el gesto y Documental urbano de la fiebre…), para convertirse en modos de intervenir, deshabitar y renombrar La Habana. El conjunto de estos materiales convoca a una reconexión con la materialidad heterogénea, compleja, sinuosa de la ciudad, permite atravesar las capas solidificadas del archivo visual para interrogar el modo en que la ciudad se hace cuerpo y los cuerpos se tocan, caminan, desechan, horadan, inscriben. Las texturas configuran, de este modo, el montaje de la ciudad, una hechura que es singular-comunitaria, que es forma-factura no exclusivamente humana, antes bien se hace de modo heterogéneo (no antropocentrado) con los haceres, sonidos y saberes del mar, del viento, de los árboles, de los entierros y de las columnas manufacturadas.

Abstract In this selection, we bring together different productions that speak of Havana with a singular grammar, an atlas-texture that integrates images, knowledge, and languages. From photography, documentaries, music, cinema, performance or theater, we organize a montage of images that will collaborate to the task of unarchiving and reinventing a city. Therefore, we envision not only a space to talk "about" literature, but also an archive of multiple materialities. Within them, readers will discover a collection of six artistic materials - carefully chosen for this exhibition - that go beyond the generic boundaries of poetry (Nara Mansur), narrative (Martha Luisa Hernández), plastic arts and muralism (Yulier P), photography (Kaloian Santos), scenic performance, theater, or the preservation of demolished buildings (Habitar el gesto and Documental urbano de la fiebre) transforming into methods of intervening, emptying, and renaming Havana. The combination of these materials calls for a reconnection with the heterogeneous, complex, and sinuous materiality of the city, enabling exploration through the solidified layers of the visual archive to question how the city becomes a body and bodies interact - walking, discarding, piercing, inscribing. In this way, the textures shape the city's assembly, a craftsmanship that is both unique and communal, that is not exclusively based on human form-factor, but rather executed in a heterogeneous way (non-anthropocentric) utilizing the actions, sounds and knowledge of the sea, wind, trees, burials, and manufactured columns.

Resumen El artículo se propone indagar en las figuraciones (post)urbanas de la ciudad de La Habana a partir de las producciones de dos artistas cubanos: una muestra del artista plástico, Carlos Garaicoa, Epifanías urbanas (2017) y un libro de relatos del escritor Jorge Ángel Pérez, En La Habana no son tan elegantes (2012). En ambos casos, es posible leer esas texturas heterogéneas en clave de formas de distopía (post)urbana enlazadas a una serie de imágenes y dispositivos que, con frecuencia, reaparece en las artes plásticas y la literatura contemporáneas como ficciones del “después del después” (De la Campa, 2017, p. 33). Son relatos que no solamente deconstruyen las modulaciones del mito modernizador de la urbe latinoamericana sino que avanza hacia una inflexión estético-cosmológica que relee y desordena el sistema de dicotomías con las que la tradición procesó el vínculo del sujeto creador con el paisaje urbano. Mi hipótesis es que la figuración de una ciudad, vista e imaginada desde el lugar descentrado de la alcantarilla, produce un movimiento centrífugo sobre su archivo imagético, convirtiendo a esas figuraciones en sinécdoques del extravío y de lo estrábico ya que, en tanto que urbe, La Habana se ha fugado de sus protocolos fundacionales, se ha fugado también de la genealogía de las ciudades míticas latinoamericanas (los Macondo, las Santa María). Entonces, la mirada oblicua del arte, desde el devenir alcantarilla (ciudad/mirada), procesa su opacidad.

Abstract The article intends to investigate the (post) urban representations of Havana from the productions of two cuban artists: a sample of the visual artist Carlos Garaicoa, Epifanías urbanas (2017) and the story collection En la Habana no son tan elegantes (2012) by writer Jorge Angel Pérez. In both cases these heterogeneous narratives can be interpreted as forms of (post)urban dystopia, interconnected with recurring visual and literary images that depict of “after the after” (De la Campa, 2017, p. 33). These stories not only deconstruct the modulations of the myth of modernization in the Latin American city, but also move towards aesthetic-cosmological inflections that reinterpret and disrupt the dichotomous relationship between the creative subject and the urban landscape. My hypothesis is that these figurations of the city, viewed and imagined from the decentered place of the sewer, generate a centrifugal movement within the city's imaginary archive, transforming these representations into synecdoches of loss and disarray. As Havana, while remaining a city, has escaped from its foundational protocols, it has also distanced itself from the genealogy of the mythical Latin American cities like Macondo and Santa María. Thus, the oblique gaze of art, emerging from the sewer (both as a physical space and a metaphorical vantage point), gives rise to its opacity.

Resumo Três pinturas de Caspar David Friedrich sugerem ao autor diferentes comportamentos do ser humano no espaço gerados a partir da relação entre um observador e o objeto observado, relação na qual media um dispositivo que incide nos diferentes comportamentos ou categorias estéticas suscitados. Estas atitudes e sentimentos dos personagens que habitam as três pinturas estão associados aos ambientes específicos nos quais eles se encontram e cujas características favorecem essas reações. Concomitantemente a estas situações propõem-se e descrevem-se brevemente algumas obras de arquitetura que poderiam ser cenário das mesmas circunstancias propostas por Friedrich nas suas pinturas, sem que este paralelismo constitua um universo completo nem estritamente biunívoco. Estas obras que favorecem determinados modos de perceber e reagir ante o percebido é o que neste trabalho denominam-se máquinas para olhar.

Abstract Three paintings by Caspar David Friedrich suggest different behaviors of the human being in space, which are generated from the relationship between an observer and the observed object. This relationship is mediated by a device that influences the different raised behaviors or aesthetic categories. These attitudes and feelings of the characters that inhabit the three paintings are associated with each of their specific environments, whose characteristics favor such reactions. Along with these situations, some architectural works that could be the scenario of the same circumstances posed by Friedrich in his paintings are proposed and briefly described, without considering this parallelism as a complete or strictly biunivocal universe. These works that favor certain ways of perceiving and reacting to what is perceived are here called machines to watch.

Resumen Tres pinturas de Caspar David Friedrich sugieren al autor diferentes comportamientos del ser humano en el espacio generados a partir de la relación entre un observador y el objeto observado, relación en la que media un dispositivo que incide en los distintos comportamientos o categorías estéticas suscitados. Estas actitudes y sentimientos de los personajes que habitan las tres pinturas están asociados a los ambientes específicos en los que se encuentran y cuyas características favorecen esas reacciones. De manera concomitante con estas situaciones, se proponen y describen brevemente algunas obras de arquitectura que podrían ser escenario de las mismas circunstancias planteadas por Friedrich en sus pinturas, sin que este paralelismo constituya un universo completo ni estrictamente biunívoco. Estas obras que favorecen determinados modos de percibir y reaccionar ante lo percibido son lo que en este trabajo se denomina máquinas para mirar.